De Strictly Ballroom a Elvis: la carrera de Baz Luhrmann – ordenada | Baz Luhrmann

Aomo sabemos por haber tenido nuestros sentidos golpeados por varios espectáculos llenos de brillo, hiperactivos y cegadoramente brillantes, las películas de Baz Luhrmann no hablan, gritan. El autor nacido en Sydney practica una ética cinematográfica que él y el veterano editor Jill Billcock (quien cortó sus primeras tres películas: la “trilogía de la cortina roja”) sabiamente descrita como “frame fucking”.

Luhrmann es un director polarizador, como todos y su perro han señalado. El truco para dar sentido a Luhrmann es comprender que en realidad no manipula conscientemente, ni cree necesariamente en el subtexto. Todo está siempre en la superficie. Hay significados amplios y acordados; por ejemplo, Romeo + Juliet y su nueva película Elvis son obviamente tragedias. Los problemas surgen cuando su trabajo pide a gritos una estratificación considerada de temas y mensajes, solo para que los espectadores descubran que siempre hay poco debajo del capó.

Luhrmann está en su mejor momento cuando se enfoca en inspiraciones musicales y elementos performativos. Sus dos mejores películas son muy buenas; sus dos peores son catastróficamente horribles; y el resto son espectáculos que no son más que embriagadores. Aquí están, clasificados desde el limón hasta (disculpas) Luhrmannastic.

7. Australia (2008)

Hugh Jackman y Nicole Kidman en Australia. Fotografía: 20 Century Fox/Sportsphoto/Allstar

El ego sobrehumano de Luhrmann está estampado en cada cuadro de esta epopeya estupefacientemente de cerebro de oveja: una espesa y mantecosa sustancia de estereotipos y melodrama que provocan escalofríos, contada en un estilo de un tipo extremo de parloteo visual. Titular la película “Érase una vez en Australia” podría haberle dado una recepción más amable y sugerir que la lengua del director no estaba tan lejos de su mejilla. Pero no, Luhrmann no pudo evitarlo. La película desató con razón una tormenta de debate, incluyendo una derribo muy leído de Germaine Greer probando una reseña de su servidor.

Blandiendo unos pectorales del tamaño de una nevera, Hugh Jackman interpreta a un conductor convencido por la remilgada dueña de la estación interpretada por Nicole Kidman para llevar ganado a través de muchas millas de tierra traicionera, en una trama que recuerda los overlanders. La película parece durar una eternidad, oscilando entre el romance comercial de champú, las representaciones retrógradas de los indígenas como místicos mágicos y un desfile interminable de clichés de Hollywood.

6. El gran Gatsby (2013)

Rara es la adaptación literaria que te hace pensar: “Estoy bastante seguro de que el director ni siquiera leyó el libro”. La brillante crítica de F Scott Fitzgerald al Sueño Americano utiliza la desmesura de la Era del Jazz para construir una quimera: la felicidad ilusoria proporcionada por la ostentación, el glamour y la opulencia, enmascarando los cimientos de los sueños rotos y la inutilidad. En manos de Luhrmann, las fiestas organizadas por el enigmático Jay Gatsby (Leonardo DiCaprio) son espectáculos de ensueño puramente fabulosos, una grave interpretación errónea del material original.

Como de costumbre, Luhrmann literaliza el significado simbólico; cuando el narrador Nick Carraway (Tobey Maguire) refleja que “yo también era él, mirando hacia arriba y preguntándome”, el director corta una toma de Maguire, mirando a Maguire y preguntándose. Este brillante enfoque de libro ilustrado enloquecido reduce cada interacción humana a una pelusa y deja a sus actores impotentes.

5. Moulin Rouge! (2001)

¡Ewan McGregor y Nicole Kidman en Moulin Rouge!
Ewan McGregor y Nicole Kidman en Moulin Rouge!. Fotografía: Allstar Picture Library Ltd./Alamy

Este musical de máquina de discos intensamente llamativo inicialmente me pareció una planta alienígena enorme y horrible que nunca deja de florecer: quería sumergirme y matarla desde adentro, como Rick Moranis en Little Shop of Horrors. Posteriormente, he llegado a aceptarlo, o al menos he hecho las paces con él. Moulin Rouge! es una experiencia carnavalesca con una energía encantada y salvaje, incluso antes de que Kylie Monogue aparezca como un hada de la absenta cantando “las colinas están vivas”.

El poeta de Ewan McGregor describe el club nocturno titular como “un reino de placeres nocturnos”; Los fanáticos de Moulin Rouge! pueden ver la película de manera similar. McGregor y la estrella Satine (Kidman) se enamoran, cantando a todo pulmón varias canciones para reiterar el punto de manera muy sutil y de ninguna manera obvia, como I Was Made For Loving You Baby. En gran parte desprovisto de narrativa, atravesando una salpicadura anacrónica de estilos y géneros, con un modus operandi para evocar puro espectáculo escénico, este es Luhrmann “puro”.

4. Elvis (2022)

Elvis es menos una película biográfica que un acto de circo, con una actuación absurda de Tom Hanks como el malvado manager del Rey, el coronel Tom Parker, en algún lugar entre Foghorn Leghorn y un villano de Bond. Enmarcar la historia a través de Parker forja un camino inesperado hacia la vida de la superestrella titular, quien es usado y abusado por su titiritero corpulento en la búsqueda del mayor espectáculo del mundo (y la obtención de una tonelada de efectivo).

Como de costumbre, Luhrmann literaliza, convirtiendo Suspicious Minds en un comentario directo sobre la tensa relación entre Elvis (interpretado sensacionalmente por Austin Butler) y el Coronel.

Al tomar una ruta inusual, el director evita algunos de los mayores escollos del género biográfico: afortunadamente, no hay momentos tontos que intentan simplificar el proceso creativo. Es larga y agotadora, la energía de la película va y viene en oleadas, pero cuando llega a su punto máximo, Elvis ofrece una intensidad inquietante inusual que repercutirá después de que pasen los créditos.

3. El descenso (2016)

el bajar
El Bajar. Fotografía: Cortesía de Netflix/Myles Aronowitz/Netflix

La serie de Netflix de dos partes de Luhrmann, con el tema de la cultura disco y el auge del hip-hop en la década de 1970 en Nueva York, comenzó con un episodio de 90 minutos dirigido por Luhrmann antes de pasar la batuta a otros directores. A diferencia de muchos lugares de Luhrmann, The Get Down no se siente apresurado o frenético; de hecho, se siente casi Medido, o al menos con un sentido del tiempo y del lugar más desarrollado. Y sí, el Luhrmann literal ataca de nuevo: en una de las primeras escenas, cuando un artista rapea la línea “Veo la luz, está justo ahí, en el túnel”, por supuesto corta a una luz brillante dentro de un túnel.

La pieza central es una secuencia de club nocturno y baile (con algunos movimientos dulces de Yahya Abdul-Mateen II) que ancla una gran parte del primer episodio. Los elementos humanos brillan como rara vez lo hacen en las producciones de Luhrmann, gracias a un elenco de rostro fresco que incluye a Justice Smith como el joven poeta Zeke y Herizen F. Guardiola como la aspirante a cantante Mylene. Te gustan estas personas, quieres pasar tiempo con ellas. La historia trata sobre soñar en grande, cometer errores y crecer.

2. Romeo + Julieta (1996)

Recomiendo ver Shakespeare a̶d̶a̶p̶t̶a̶t̶i̶o̶n̶ extravaganza de Luhrmann con los subtítulos activados, con el tamaño del texto agrandado si es posible. De esa manera, las palabras de The Bard se absorben en el tejido visual de la película y compiten mejor con su volumen insano. Las escenas introductorias que despliegan imágenes de fuego rápido y muestran inserciones de texto que anuncian al elenco se sienten como un avance de la película en sí: uno de los romances condenados más conocidos y amados de la humanidad, reducido al lenguaje de la taquigrafía de marketing.

Pero la experiencia más amplia en realidad se une extrañamente bien, fusionando la locuacidad densa y arcaica de la escritura de Shakespeare con el descaro sensorial de Luhrmann. Esta historia ha sido adaptada hasta la saciedad, pero los escenarios y el diseño de producción se sienten maravillosamente frescos: desde el teatro en ruinas en la playa hasta la catedral llena de velas y crucifijos azul neón, pasando por la ya clásica primera escena entre los amantes titulares, atrapándose mutuamente. la mirada del otro a través del cristal de un acuario.

1. Estrictamente salón de baile (1992)

Tara Morice y Paul Mercurio en Strictly Ballroom.
Tara Morice y Paul Mercurio en Strictly Ballroom. Fotografía: Rango/Allstar

Como dijo Orson Welles: “El enemigo del arte es la ausencia de limitaciones”. Con su presupuesto más bajo por mucho, el primer largometraje de Luhrmann lo obligó a permanecer centrado en la caracterización y la interpretación humana, dirigiendo a sus actores hacia cualidades de dibujos animados chirriantes y aportando mucho movimiento a la cámara. En un momento, una abuela le dice al bailarín de salón de Paul Mercurio que él no sabe nada sobre el ritmo, aunque lo contrario se aplica a la película en sí: bellamente editada por el gran Billcock, hasta llegar a un final inolvidable que involucra a Scott (Mercurio) y Fran (Tara Morice) compitiendo en el Campeonato Pan-Pacífico de Baile Grand Prix.

La calidad áspera y casera de la película inicialmente hace que algunos aspectos se sientan inestables, incluso un poco incómodos. Pero, en última instancia, esto funciona a su favor, brindando una atractiva textura hogareña que las películas más elegantes y caras no pueden transmitir. La famosa escena de baile en la azotea de Coca-Cola es una de las colocaciones de productos más encantadoras del cine; las emociones del momento no solo dominan el anuncio, sino que lo convierten en algo luminosamente hermoso.

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