En el drama familiar “Yellow Letters”, el director turco-alemán İlker Çatak presenta una historia de represión autoritaria con un trasfondo culturalmente distorsionado. La película anuncia, desde el inicio con un texto enorme en pantalla, que su escenario es “Berlín como Ankara”, con la capital alemana representando a su equivalente turco sin ningún disfraz, como si la propia película estuviera en exilio político. El resultado es un drama de sorprendente universalidad, en el que una pareja acomodada se convierte en el objetivo de despidos injustos y persecución por disentir políticamente con el régimen turco. La atención de Çatak se centra, en todo momento, en las consecuencias íntimas de esta dinámica y en la forma en que los mecanismos gubernamentales se utilizan como armas y se infligen de manera personal.
Como una narración de teatralidad estatal, la película comienza apropiadamente en un escenario, con la actriz de mediana edad Derya (Özgü Namal) concluyendo su noche de estreno con una apasionada interpretación abstracta sobre la resistencia. La obra fue escrita por su esposo, Aziz (Tansu Biçer), un profesor universitario de teatro, quien la felicita desde las alas mientras ella recibe los aplausos de una audiencia entregada.
Sin embargo, algo no está bien. Un teléfono suena en el público, y la mirada de Derya se cruza con la de un caballero mayor en la multitud, un personaje que podría parecer importante. Este hombre termina teniendo solo unos segundos de tiempo en pantalla, pero su presencia sigue siendo omnipresente a lo largo de los 127 minutos de la película: es un alto funcionario del gobierno que solo ha asistido para una sesión de fotos, y resulta ser fundamental para cancelar la obra de Derya y para suspender indefinidamente a Aziz y a sus colegas de la facultad por sus publicaciones en las redes sociales.
Antes de que la pareja reciba las “cartas amarillas” —sobres oficiales que contienen comunicaciones del gobierno alemán, en este caso acciones legales—, la película se dedica a presentar minuciosamente a sus personajes y su entorno mezclado. Derya y Aziz tienen una relación agradable con su hija adolescente, Ezgi (Leyla Smyrna Cabas), y mantienen un diálogo rápido y casual que Çatak captura con un toque naturalista, especialmente en los momentos en que su mundo se desmorona.
Las calles fuera de su ventana están llenas de jóvenes manifestantes que, aunque portan pancartas a veces imprecisas sobre detener “la guerra”, también incluyen suficientes detalles para anclar la película al presente, a través de la aparición de los colores del Orgullo Queer y las banderas de Palestina y Ucrania.
“Yellow Letters” es, por lo tanto, una película de temas sociales que, en teoría, corre el riesgo de caer en la abstracción excesiva y convertirse en el infame anuncio de Pepsi con Kendall Jenner. Sin embargo, hace suficientes alusiones a la realidad como para mantenerse conectada a las preocupaciones políticas contemporáneas. De hecho, su participación en la Berlinale de este año la hace aún más relevante, aunque sea por accidente. Su estreno tuvo lugar un día después de que el presidente del jurado, Wim Wenders, recibiera críticas por evitar preguntas sobre Israel y Palestina en la conferencia de prensa del festival, donde afirmó que “las películas pueden cambiar el mundo”, pero “no de manera política”.
Este es un dilema que también tiene presente Çatak, ya que la destitución de su pareja principal plantea conversaciones similares sobre si lo que hacen artísticamente (o lo que buscan hacer en el teatro experimental, después de ser declarados persona non grata) es suficiente para tener un impacto práctico.
Sin embargo, como dice Aziz a sus estudiantes de teatro mientras los anima a participar en las protestas: “Si no han visto la teatralidad del Estado, entonces no puedo enseñarles nada sobre dramaturgia”. A pesar de que los personajes puedan verse obligados a languidecer en el limbo por expresar sus opiniones, y a dudar de sus propios compromisos, e incluso a considerar comprometerse, “Yellow Letters” está firmemente comprometida con la idea de que el arte político sigue siendo una herramienta vital contra la autoridad.
La película también encarna esta idea a través de la absurdidad de su entorno geográficamente imposible, donde todos sus personajes de habla turca discuten sobre política turca, pero están rodeados de edificios adornados con eslóganes en alemán, y experimentan el tipo de consecuencias políticas angustiosas que uno podría experimentar en cualquier ciudad del mundo actual, ya sea Berlín, Budapest, Minneapolis o Mumbai.
Pronto, Derya, Aziz y Ezgi terminan mudándose a Estambul —o, más bien, a “Hamburgo como Estambul”— para vivir con la madre de Aziz (İpek Bilgin), una humillación impuesta por el Estado mientras Aziz espera su juicio. Estar sin trabajo y hacinados como sardinas termina causando numerosas fracturas interpersonales, a medida que la presión entre ellos aumenta, lo que finalmente genera desconfianza mientras luchan por llegar a fin de mes y seguir siendo escuchados. Aunque la película trata sobre los mecanismos políticos, también trata (e incluso más) sobre el efecto dominó de la persecución política y la forma en que erosiona tanto la unidad familiar como las relaciones sociales.
A medida que las hipocresías de Derya y Aziz, como intelectuales de clase alta, se hacen cada vez más evidentes, las interpretaciones conversacionales de Namal y Biçer se vuelven más demacradas y tensas. Çatak y la directora de fotografía Judith Kaufmann comienzan a capturar a ambos actores a través del cristal, sus imágenes refractadas son emblemáticas de las fisuras personales e interpersonales. El movimiento gradual de la cámara encarna una paranoia latente, mientras que las pesadas cuerdas del compositor Marvin Miller irrumpen en largos silencios para resaltar los puntos álgidos y los valles dramáticos. Estos crescendos musicales son prácticamente títulos de capítulos, que ofrecen oportunidades para una sobria reflexión.
Que una película tenga una perspectiva política lúcida (incluso a través de una especie de “Star Wars”-ificación de sus detalles) es una cosa. Que siga siendo emocionalmente penetrante y artísticamente convincente es otra muy diferente, pero “Yellow Letters” logra este equilibrio con una simplicidad engañosa. En su núcleo, se encuentra el tipo de cine que ha sostenido durante mucho tiempo al medio en general: el drama familiar. Pero aquí se presenta con destellos vigorizantes que rodean la historia dentro de momentos específicos en el tiempo, al tiempo que le otorgan una trascendencia dramática conmovedora. El alcance de su ambición se cumple, en cada momento, con un control hábil de lo que se presencia y de cómo.
