Este año marca el 250 aniversario de la declaración de los Estados Unidos de América como una democracia soberana. La Declaración de Independencia garantizó a los ciudadanos el derecho a la vida, la libertad y la búsqueda de la felicidad. El concierto de la Ópera de Chicago, In America’s Embrace (En el Abrazo de América), presentó obras de compositores estadounidenses inmigrantes y sus canciones más queridas. El mundo en el que vivimos hoy hizo que muchas de las canciones fueran agridulces, y algunas me enfurecieron directamente por las promesas incumplidas de nuestro propio gobierno.
La Ópera de Chicago es conocida por sus nuevas obras que reflejan y exploran las profundidades de la vida estadounidense. Tuve el placer de ver She Who Dared (Ella que se atrevió), que profundiza en la verdadera historia detrás del boicot de autobuses de Montgomery. También tuve el privilegio de cubrir Soldier Songs (Canciones de Soldados), que reveló la sed de violencia de Estados Unidos y sus consecuencias. Los compositores presentados en America’s Embrace son algunos de los muchos que escaparon de Europa ante la amenaza de la guerra y el auge del partido nazi. El cuarteto de cantantes fue dirigido y acompañado por Laurie Rogers. La primera canción fue del musical Holiday Inn de Irving Berlin. La soprano Tracy Cantin tuvo un comienzo arrollador con “Let’s Start the New Year Right” (Empecemos el Año Nuevo con Alegría). Tiene una soprano encantadora y sin esfuerzo que se desliza suavemente pero puede tener mucha fuerza. Su presencia escénica, con un hermoso vestido dorado y un halo de rizos oscuros, encantó al público. La interpretación al piano de Rogers es virtuosa y dramática. La pianista y los cantantes formaron una combinación perfecta.
Me entusiasmó ver a Kurt Weill en el programa con canciones y colaboraciones de poetas y otras grandes voces de la época. Su música y sensibilidad provenían de la Alemania de Weimar, una época de innovación que impulsó movimientos en las artes (Expresionismo) y en la arquitectura (Bauhaus). Siempre me ha gustado el peculiar sentido de la composición de Weill, mezclado con una visión sardónica de la vida. La primera música de Weill que escuché fue en el programa de Ernie Kovacs. “Mack the Knife” (Cuchillo de Navaja) se cantó en alemán con viñetas de comedia anárquica. No sabía de los musicales de Broadway que había compuesto, ni del alcance de su genio musical. Cinco composiciones de Weill estaban en el programa, mostrando su abrazo a América y su capacidad para empatizar con los inmigrantes y la clase baja negra en Estados Unidos.
Weill es mejor conocido por su asociación con Bertolt Brecht, pero In America’s Embrace presenta a algunos letristas y libretistas menos conocidos. En 1947, Weill colaboró con el poeta Langston Hughes en la ópera Street Scene (Escena Callejera). La poesía de Hughes habla de los edificios de viviendas y de las personas que viven en ellos. La música de Weill tiene un sonido influenciado por el jazz y el blues para “Let Things Be Like They Always Was” (Que las Cosas Sigan Como Siempre Han Estado). Tanto Hughes como Weill sabían lo que significaba crear desde la desventaja de la opresión y la pobreza, y el bajo-barítono Alex Soare me dio un escalofrío con su mirada sombría y su entrega estremecedora.
Cantin y Soare interpretaron a una encantadora pareja que recuerda momentos especiales de manera cómicamente diferente, cantando “I Remember It Well” (Lo Recuerdo Bien) del musical Love Life (Vida Amorosa). La letra fue escrita por Alan Lerner, quien se emparejó famosamente con Frederick Loewe para musicales como My Fair Lady (Mi Bella Dama) y Gigi. Cabe destacar que esta canción se cambió a “Yes, I Remember It Well” (Sí, Lo Recuerdo Bien) en Gigi. Jordan Loyd fue el tenor en el programa. Loyd cantó un Don José robusto y bien actuado en la producción de la Chicago City Opera de Carmen. Su capacidad para sacar a la superficie la emoción se muestra con “And Where is the One Who Will Mourn Me” (¿Y Dónde Está Aquel Que Me Llorará?) de Down in the Valley (En el Valle), con letra de Arnold Sundgaard.
La serie de Weill también contó con el barítono Schyler Vargas cantando “Johnny’s Song (When Man Was First Created)” (La Canción de Johnny (Cuando el Hombre Fue Creado)), del musical Johnny Johnson. El libreto y la letra fueron de Paul Green, conocido por sus tragedias sureñas y temas naturalistas. La canción tiene un toque oscuro, acorde con el estilo de ambos artistas. Los temas de la guerra, el trauma y el amor perdido son una característica de las colaboraciones de Weill. The Doors grabó una versión carnavalesca de “Moon of Alabama” (Luna de Alabama). Me recuerda a cómo sonaría un espejo de feria. Vargas tiene una voz y una presencia escénica encantadoras. Su sonido y forma serían perfectos para el escenario musical o la ópera.
Erich Wolfgang Korngold era conocido por sus bandas sonoras de Hollywood, como The Adventures of Robin Hood (1938) (Las Aventuras de Robin Hood) con Errol Flynn. El año anterior, compuso la música para Give Us This Night (Danos Esta Noche) (1937). La película presentaba cantantes con un rango operístico. Alex Soare cantó “I Mean to Say I Love You” (Quiero Decir Que Te Amo) con su ágil bajo/barítono. La interpretación fue un contraste romántico con la canción de Weill. Cantin y Loyd también interpretaron “Sweet Melody of the Night” (Dulce Melodía de la Noche) y “My Love and I” (Mi Amor y Yo).
La compositora afrocubana Tania León fue presentada con su canción “Mi Amor Es”, cantada con un toque romántico. Una vez más, COT trajo a un compositor menos conocido pero aclamado al programa. León ganó un premio Pulitzer de música y un Kennedy Center Honors. Me pareció irónico, considerando los intentos de borrar la historia y los premios otorgados a personas que los merecen. Miguel Sandoval fue un compositor guatemalteco que escribió óperas y música folclórica. Vargas interpretó su composición de 1932 “Sin Tu Amor”, traducida como “Sin Tu Amor”.
Después de un breve intermedio, la segunda parte despegó con una canción de la ópera The Rake’s Progress (El Progreso del Libertino), de Igor Stravinsky. “Come, Master” (Ven, Maestro) tiene letra de W.H. Auden y Chester Kallman. Casualmente, he estado profundizando en la obra de Auden, y es apropiado que Stravinsky vibre con ambos poetas. Los tres tuvieron escándalos y controversias en sus vidas y obras. Cuando The Rite of Spring (La Consagración de la Primavera) de Stravinsky se estrenó con coreografía de Nijinsky, hubo una tormenta de críticas y enojo. Los temas sensuales y las alusiones a los rituales primitivos se consideraron escandalosos. Esto se sumó a la reputación de Stravinsky como un compositor no conformista y pionero.
Se interpretaron obras de Lukas Foss, Aleksandra Vrebalov y André Previn. Lo más notable para mí fue la ópera de Previn de A Streetcar Named Desire (Un Tranvía Llamado Deseo) de Tennessee Williams. Vi a Renée Fleming como Blanche DuBois en una producción de la Lyric Opera of Chicago. Fue magnífica. La interpretación de Cantin de “I Want Magic” (Quiero Magia) tuvo profundidad emocional y fue una gran representación de una mujer aferrándose a una ilusión de lo que es el amor y disociándose de la realidad.
El concierto terminó con Irving Berlin. Fue lo más emotivo para mí como oyente y como ciudadano de este país. Cantin abrió con una canción de Miss Liberty (Señorita Libertad). La letra y el título se adaptaron del soneto New Colossus (El Nuevo Coloso) de Emma Lazarus, inscrito en la estatua que da la bienvenida a los inmigrantes a la tierra de la oportunidad. “Give Me Your Tired, Your Poor” (Denme a Sus Cansados, a Sus Pobres) provocó lágrimas en algunos miembros de la audiencia, incluyéndome a mí. Irving Berlin es la piedra angular del Gran Cancionero Estadounidense tal como lo conozco. Era un judío inmigrante que escribió “White Christmas” (Blanca Navidad) y el musical Holiday Inn (1942). Su familia fue parte de un flujo de familias judías que huían del terror y las dificultades del fascismo y el fanatismo. No puedo imaginar mis actuaciones corales universitarias sin cantar “Blue Skies” (Cielos Azules), “What’ll I Do?” (¿Qué Haré?) y “Always” (Siempre). El final fue “God Bless America” (Dios Bendiga a América), que provocó un torrente de lágrimas en muchos de nosotros en la audiencia.
In America’s Embrace fue una gran actuación. No hubo campanas y silbatos ni decorados elaborados. Los cantantes y el director musical presentaron algunas de las selecciones más conocidas y otras más oscuras en su forma más pura. Esta era música cantada en escenarios y alrededor del piano familiar, y en algunos casos, cuando venían los familiares de visita. Los cantantes y el director son conocidos de compañías de ópera de todo el país. En mi opinión, ofrecieron actuaciones que estarían a la altura de cualquier teatro de ópera. Hubo una sola presentación de In America’s Embrace el 18 de enero en el Studebaker Theater.
“God Bless America” ha sido apropiada por aquellos con una visión diferente de Estados Unidos que la de Irving Berlin, los Gershwins, Weill y muchos otros que construyeron esa imagen. Estados Unidos era una idea hecha realidad, y ahora la lámpara de la libertad se está apagando y la puerta dorada se está cerrando en la cara de las personas que una vez fueron bienvenidas. Felicito a la Chicago Opera Theater por su visión de presentar nuevos compositores a una audiencia y por honrar a aquellos que los precedieron y establecieron el estándar.
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