Para los cinéfilos, los snobs del cine y los aficionados al séptimo arte, aquí tienen una primicia sobre los icónicos cineastas cuyas visiones en la gran pantalla reinventaron Hollywood. A continuación, un ensayo exclusivo del autor Paul Fischer sobre la escritura de The Last Kings of Hollywood.
Los años 70 fueron una época dorada del cine estadounidense. La mayoría de los amantes del cine están familiarizados con una narrativa acordada sobre cómo sucedió la década: una nueva generación de cineastas, cuyos nombres se convirtieron en leyenda – Steven Spielberg, George Lucas, Francis Coppola, William Friedkin, Martin Scorsese, Mike Nichols, Brian De Palma, Terrence Malick – irrumpieron en la escena, superando al viejo y polvoriento sistema de estudios. Inventaron el blockbuster, hicieron películas más violentas y sensuales que cualquier otra producción anterior, y, en general, se descontrolaron, hasta que una serie de producciones autoindulgentes y fuera de control, siendo las más infames Heaven’s Gate de Michael Cimino y Apocalypse Now de Francis Coppola, llevaron a los ejecutivos de los estudios a reafirmar el control. En esta narrativa, son la generación del sexo y las drogas, un grupo de lunáticos talentosos tomando el control del manicomio.
Estudié cine a principios de los años 2000 y me obsesioné con estos cineastas, que habían hecho las películas que tanto amábamos: El Padrino, El Exorcista, Star Wars, Tiburón, Taxi Driver, El Graduado, Badlands. Incluso entonces, la interpretación popular – la historia de los lunáticos tomando el control del manicomio – no me convencía. Se sentía como historia cultural escrita por los ejecutivos de los estudios: los cineastas pueden hacer grandes películas, pero son gente loca. Necesitan nuestra guía, la de los adultos responsables.
A medida que aprendí sobre la década, una historia más veraz e interesante se reveló. Todo comenzó en 1967, cuando un joven y exitoso guionista llamado Francis Coppola conoció a un graduado de la escuela de cine aún más joven llamado George Lucas. Ambos, junto con sus compañeros, habían perdido la fe en el capitalismo corporativo. El mundo les parecía desesperanzador: Estados Unidos sumido en sangrientas guerras extranjeras, corrupción en la Casa Blanca, entretenimiento convencional cansado y repetitivo, controlado por conglomerados cada vez más grandes e impersonales. Coppola y Lucas eran, en muchos sentidos, almas gemelas. Querían hacer grandes películas, pero también querían controlarlas y obtener beneficios de ellas. No querían depender de los ejecutivos de los estudios. En un año, alquilaron un almacén en San Francisco y abandonaron Hollywood para iniciar un colectivo hippie de cineastas; en el mismo período, conocieron y se hicieron amigos de otro joven, Steven Spielberg, que también anhelaba la libertad creativa, pero la deseaba dentro de los estudios.
Se enfrentaron al sistema, y ganaron. Uno tras otro, crearon los mayores éxitos de la historia: Coppola con El Padrino, Spielberg con Tiburón, Lucas con Star Wars, Spielberg nuevamente con E.T. A principios de la década de 1980, tanto Coppola como Lucas tenían sus propios estudios. Spielberg tuvo tanto éxito que los estudios aprobaban cualquier proyecto que quisiera. Muchos de sus compañeros buscaron emularlos. Entonces, llegó una nueva generación de ejecutivos de estudios. No para restablecer el orden sobre niños creativos rebeldes, sino para aprovechar su éxito. Para copiar sus métodos y convertirlos nuevamente en empleados.
Esa es la historia del cine estadounidense de los años 70 que cuento en The Last Kings of Hollywood. Para escribirlo, entrevisté a cientos de personas, desde los propios cineastas hasta miembros del equipo, familiares y empleados de los estudios. Volví a fuentes originales contemporáneas. Me centré en los esfuerzos diarios de estos hombres para lograr la autonomía creativa. Intenté contarlo tal como sucedió, tal como lo experimentaron quienes lo vivieron.
Hoy en día, hay cineastas en Hollywood que trabajan en las mismas condiciones – conflictos sangrientos en el extranjero, corrupción política, entretenimiento convencional monolítico – y que se esfuerzan por lograr una libertad similar. El año pasado, Sean Baker, un cineasta independiente que había dirigido cuatro películas antes de su éxito en la corriente principal y que a menudo filma y edita su propio trabajo, ganó cuatro premios de la Academia por Anora, incluyendo Mejor Película y Mejor Director, igualando a Walt Disney en el mayor número de premios Oscar ganados por una sola persona en un mismo año. Este año, Sinners de Ryan Coogler recibió el mayor número de nominaciones a los Oscar en la historia del cine, y es una película que revertirá a su propiedad personal en veinticinco años, un acuerdo no desconocido y similar a los acuerdos que Francis Coppola negoció para conservar la propiedad de algunas de sus propias obras, aunque criticado por algunos insiders de Hollywood que prefieren que ciertos cineastas no puedan hacerlo. Mientras escribo esto, la actriz Kristen Stewart está promocionando su primera película aclamada como directora denunciando la industria como un “infierno capitalista” del que los cineastas necesitan “empezar a robar” sus propias películas. James Cameron, como George Lucas hace décadas, autofinancia su propia franquicia de blockbusters tecnológicamente innovadores, y que le digan lo que tiene que hacer. Ellos, y cientos de otros cineastas estadounidenses, luchan contra uno de los legados de Coppola, Lucas y Spielberg: los blockbusters y la “propiedad intelectual franquiciable”, como Star Wars e Indiana Jones, que han llegado a dominar todo el entretenimiento. Sin embargo, al mismo tiempo, continúan con otro legado, el que Coppola y Lucas defendieron cuando se alejaron de Hollywood y comenzaron una pequeña productora en un almacén alquilado en la parte conflictiva de San Francisco: el de los cineastas populares que luchan por mantener la autonomía de un artista.
