Los signos los reconocí de inmediato: los giros, las miradas al espejo, la obsesión con su caja de música. No necesité que mi hija me preguntara si quería ver su “espectáculo de magia” para confirmarlo: era una niña de la danza.
A pesar de mis intentos por ofrecerle camiones y tutús, deportes con brillos, me emocioné en silencio. Yo misma había sido una dedicada niña de la danza (y más tarde una adolescente de ballet descontrolada) y estaba entusiasmada de verla unirse a la tribu. Pero cuando mencioné las clases de ballet a mi pareja, se horrorizó. Se preocupó por la presión, la imagen corporal, los estereotipos de género y, sobre todo, el maquillaje.
De niña, usar maquillaje para competiciones y conciertos era una parte divertida, aunque menor, de la cultura de la danza. Sin embargo, cada vez más, la pregunta de si se debe alentar a los niños a usar maquillaje está preocupando a padres y profesores de danza por igual. Como mi pareja, muchos se preguntan si es realmente apropiado animar a preadolescentes a dominar el delineado de ojos antes de que hayan obtenido su licencia de conducir.
Antes de fundar Awaken Dance & Fitness Academy en las afueras del norte de Wollongong, Australia, Amy Graham bailó profesionalmente, trabajó en cuidado infantil y desempeñó funciones de apoyo a jóvenes en riesgo y niños con necesidades especiales. Estas experiencias la inspiraron a abrir un estudio centrado en la inclusión, el desarrollo de la confianza y la comodidad de los estudiantes.
Con esa filosofía, se unió a una creciente ola de estudios que no requieren uniformes, el cabello recogido en moños, competiciones ni maquillaje para las presentaciones. “La danza, especialmente en los primeros años, se trata de alegría, movimiento, autoexpresión y pertenencia, más que de apariencia”, dice Graham.
“Los niños ya son hermosos sin necesidad de adornos, y somos conscientes de los sutiles mensajes que el maquillaje puede enviar sobre la necesidad de ‘verse diferentes’ para actuar”.
Para Graham, la danza siempre ha sido una actividad nutritiva y afirmativa. Quiere que sus alumnos formen asociaciones similares, sin verse agobiados por las expectativas sobre cómo deben lucir. “Queremos que nuestros alumnos recuerden sus presentaciones y se vean como realmente eran a esa edad: naturales, expresivos y felices”.
También cree que el maquillaje presenta barreras prácticas para la participación. “Eliminar los requisitos de maquillaje reduce los costos y la presión sobre las familias, especialmente durante la temporada de conciertos”, dice. “Nuestro enfoque garantiza que ningún niño se sienta señalado o incómodo por razones personales, culturales o médicas”.
A pesar de este razonamiento, muchos todavía ven el maquillaje como integral para la actuación. El maquillaje escénico juega un papel práctico, explica Damian Smith, director artístico de la National Ballet and Drama school en Melbourne. “Bajo la iluminación teatral, el rostro se deslava rápidamente y se pierde la expresión. El maquillaje no existe por vanidad, sino para restaurar la definición, permitir que el público lea las expresiones faciales e identificar claramente al intérprete en el escenario”.
Aun así, enfatiza la necesidad de moderación con las bailarinas más jóvenes. “El propósito [del maquillaje] es resaltar sutilmente las características naturales, no abrumarlas… debe seguir siendo apropiado para la edad, de buen gusto y contenido.
“El maquillaje debe apoyar a la bailarina, no competir con ella. El sentido común es fundamental”.
Más allá de las consideraciones prácticas –¿se puede ver la cara del niño desde el público, y realmente importa en entornos no profesionales?– la pregunta de si usar o no colorete toca un debate más profundo sobre el papel y el valor de la danza en la vida de los jóvenes.
Recordando su propia carrera, Yahna, una ex bailarina profesional que solicitó ser identificada solo por su nombre de pila, tiene buenos recuerdos de usar maquillaje en el escenario.
“La mayoría de las veces era solo delineado de ojos, tal vez un poco de colorete y lápiz labial”, dice. “Pero a medida que crecía, con competiciones más intensas y disfraces y tutús más elaborados, también usábamos pestañas postizas”.
“Disfrutaba del proceso; era parte de la actuación, la presentación y la magia. No era algo que nos impusieran”.
Cree que los niños pueden distinguir entre la estética escénica y los ideales de belleza cotidianos. “No se trataba de estándares de belleza; se trataba de ponerse un disfraz y convertirse en un personaje. Es parte de la narración”.
“Te subías al escenario y eras Giselle, o Aurora, o una rata en El Cascanueces. Luego te bajabas y volvías a ser una niña de siete años”.
Con esa perspectiva, no dudó en inscribir a su propia hija en clases de danza cuando mostró interés cuando era pequeña. Como Smith, ve el maquillaje escénico como parte de la tradición, la cultura y los valores de la danza, algo que está ansiosa por transmitir.
“Lo que la danza realmente les enseña a los niños es presentación, disciplina y respeto. Llegas 15 minutos antes para estirar, el cabello recogido en un moño, el uniforme limpio y, cuando subes al escenario, te pones delineado de ojos. Es una forma de arte hermosa y diligente que rinde homenaje a la tradición”.
No todos ven esa tradición de manera tan romántica.
Lauren, una trabajadora social, lleva a su hija de tres años a clases de danza generales en un estudio que no exige requisitos de maquillaje, disfraces o peinado en clase o en el escenario.
“Los niños naturalmente se disfrazan solos”, dice. “Usan vestidos de baile y tutús, lo cual creo que es genial. Les permite expresar su individualidad a través del movimiento”.
Lauren y su hija visitaron estudios más formales con estándares de presentación estrictos. Preparándose para una clase, visitaron una tienda de danza para comprar ropa nueva. “Ella eligió un número azul brillante y muy llamativo”, dice Lauren. “Luego estuvo en clase de ballet con todas esas pequeñas bailarinas con uniforme estándar, y pensé, ‘No quiero que pierda su brillo, lo que la hace diferente, o que empiece a preocuparse por lo que usan las otras chicas’”.
No quiere que su hija esté demasiado disciplinada, o que experimente la danza a través de esa lente. “Quiero que la danza sea una expresión de quién es”.
Para Lauren, el maquillaje escénico va en contra de ese objetivo. “Sé que la gente usa maquillaje por muchas razones, pero el mensaje subyacente suele ser que necesitas mejorarte, verte de cierta manera, para encajar y desempeñar el papel”.
“Cuando seamos mayores, podemos tomar esas decisiones por nosotros mismos. Pero cuando tienen tres años, el mensaje que quiero que reciba mi hija es que todo lo que está haciendo ya es suficiente, no necesita cambiar su apariencia para participar”.
La danza puede ser muchas cosas: un espacio para la expresión, la alegría, la conexión, la disciplina y la tradición. O puede ser una introducción temprana a las expectativas de belleza de género con las que los niños pueden luchar durante años.
Mientras observo a mi hija girar frente al espejo, me pregunto dónde aterrizará entre esas dos experiencias. Pero no estoy convencida de que la respuesta dependa de si se pone pestañas postizas unas cuantas veces al año.
Tuve suerte. Como Yahna y Amy, la danza fue una parte formativa y afirmativa de mi vida. Eso no significa que mi pareja, o Lauren, estén equivocados al expresar sus preocupaciones. En última instancia, el problema va más allá del maquillaje y se extiende a cuestiones de control y autonomía: cómo enseñamos a los jóvenes a verse a sí mismos, dentro y fuera del escenario.
Cuando llegue el momento de elegir un estudio de danza, no sé si los requisitos de maquillaje o peinado influirán en mi decisión. Lo que espero es una comunidad donde la cara y el cuerpo de mi hija se sientan propios, donde nunca sea juzgada o presionada, y donde la opción de participar ocasionalmente en tradiciones escénicas sea genuinamente suya.
Si la ayuda a sentirse conectada con siglos de historia, o le permite encarnar mejor a un personaje, la apoyaré. De lo contrario, seré la primera en intervenir con un paño húmedo.
