Sundance ha llegado a su fin. Bueno, casi. El Sundance que todos conocemos, con Robert Redford a la cabeza y Park City, Utah, como sede, ha quedado atrás. El amado fundador del festival falleció el año pasado, meses después de que el festival también optara por trasladarse a Boulder, Colorado.
Pero sobre el terreno, notablemente con menos nieve de lo habitual, también se escuchaban conversaciones sobre el futuro de Sundance, que alguna vez fue el faro del cine independiente estadounidense, tras entrar en una nueva fase. Hubo películas destacadas, como siempre, pero quizás no suficientes para disipar las preocupaciones sobre lo que representa ahora el festival en un mundo cambiante, donde es quizás más fácil hacer una película independiente (o lo que sea que se pueda crear combinando fragmentos de basura generada por IA), pero más difícil venderla.
La identidad del festival siempre ha estado ligada a Redford y a Utah, así como a un cierto tipo de película y a una definición particular de cine independiente. La trayectoria tradicional de una película de Sundance – una recepción entusiasta en el estreno, una subasta acalorada durante toda la noche, un éxito sorpresivo en los cines y, posiblemente, algunas nominaciones al Oscar al año siguiente– es ahora más difícil, si no imposible, de lograr. Hay ejemplos clásicos de películas que lo consiguieron, como Little Miss Sunshine, Napoleon Dynamite, Garden State y The Big Sick, pero ahora hay más obstáculos y una generación de cineastas criados con estas películas intentando conjurar el mismo éxito con demasiada insistencia. Los asistentes y los críticos ávidos de atención en redes sociales como X o Letterboxd han intentado forzar esto en los últimos años, a menudo con suficiente ruido para convencer a los estudios o, cada vez más, a las plataformas de streaming, pero al verlas sin esa atmósfera, los éxitos se han convertido en fracasos. Películas como Patti Cake$, Brittany Runs a Marathon, Blinded by the Night, Late Night y Me and Earl and the Dying Girl apenas existen fuera de Utah, y aunque siempre ha habido apuestas fallidas en Sundance (¿alguien recuerda Happy, Texas o Hamlet 2?), estamos en un momento en que cada fracaso duele más y los riesgos parecen menos justificables a ojos de los ejecutivos cautelosos.
La idea de una “película de Sundance” ha evolucionado y se ha estratificado con el tiempo: el éxito de terror, el documental imprescindible, el éxito de cine de autor, el drama cómico que aspira a premios, el avance de material más comercial. Y este año nos dio todo eso y más. Una vez más, las películas que parecían menos calculadas, menos fabricadas para atraer al público de Sundance, fueron las que mejor funcionaron. Entre las películas narrativas más destacadas del año pasado, destaco Lurker (un thriller oscuro sobre la industria musical, la obsesión y la fama), Twinless (un relato que cambia de género sobre sexo, mentiras e identidad), Together (un salvaje riff de terror corporal sobre la codependencia extrema) y If I Had Legs I’d Kick You (una espiral abrasiva y oscura sobre el agotamiento de la maternidad), todas ellas únicas y no calculadas para complacer a un Sundance pasado o al público de uno nuevo.
En una línea similar, la mejor película que vi este año fue Josephine, una película devastadora sobre las consecuencias de que una niña de ocho años sea testigo de una agresión sexual, contada de una manera que no habíamos visto antes. En el papel, suena demasiado familiar (el drama de “temas serios” es otro subgénero de Sundance), pero la directora Beth de Araujo lo convierte en algo totalmente original y profundamente conmovedor, una pesadilla parental al límite de lo imaginable que se acerca al terror sin caer en la explotación gratuita. Fue la película de la que todos hablaban en el festival (y en la que no he podido dejar de pensar desde entonces) y logró algo relativamente inusual: ganar tanto el Gran Premio del Jurado como el Premio del Público. El Gran Premio del Jurado en sí ha perdido gran parte de su significado (Nanny, Atropia e In the Summers son ganadores recientes y poco conocidos), pero ganar ambos premios suele reservarse para películas con un futuro más prometedor (Minari, Coda, Whiplash, Fruitvale Station). Creo que Channing Tatum, que interpreta a uno de los personajes paternos más fascinantes y bien interpretados que he visto en mucho tiempo, podría ganar impulso para los premios (me sorprendería si no es uno de los favoritos para el premio al mejor actor de reparto el año que viene), pero la película aún no se ha vendido. Imagino que se debe a la delicadeza del tema (la escena de violación sin censura es muy difícil de ver) pero también a la forma incómoda en que se aborda (me contaron que un productor salió furioso después de exclamar: “¡Eso es suficiente, ya basta!”).
También es un mercado de ventas más lento que antes. Sundance es el festival de cine más orientado al mercado que existe, la gran mayoría de las películas entran sin distribución, pero los compradores se han vuelto más cautelosos, al menos fuera de aquellos con más dinero (véase: Netflix). Al final del festival del año pasado, títulos protagonizados por Jennifer Lopez, Josh O’Connor, Benedict Cumberbatch y Olivia Colman aún no habían encontrado compradores, y este año ha sido igualmente tranquilo.
Hubo entusiasmo por The Invite de Olivia Wilde, que tuvo un estreno el sábado por la noche que fue un éxito rotundo (Wilde lo calificó como “la mejor noche de mi vida”). La comedia ácida y repleta de estrellas, protagonizada por Wilde, Seth Rogen, Penélope Cruz y Edward Norton como dos parejas que discuten y coquetean durante una noche cada vez más reveladora y atrevida, fue un éxito arrollador y, como alguien que ha visto muchas comedias de festivales poco divertidas que aún así han encontrado risas de un público ansioso por engañarse a sí mismo, fue una experiencia comunitaria rara en la que pude participar. Esto llevó a una subasta a la antigua usanza con prácticamente todos los estudios o plataformas de streaming importantes haciendo una oferta, pero Wilde, que ha demostrado ser una cineasta que prioriza la artesanía y que realmente se preocupa por el cine clásico, exigió acertadamente un estreno en cines y encontró un hogar para la película en A24. Diría que es una comedia de estudio más sofisticada que un “indie genial” (más Toronto que Sundance en última instancia, esperaba que el nuevo sello independiente de Warner’s ganara), pero fue una venta de más de 12 millones de dólares por una película que lo merece. Wilde tuvo un festival bastante bueno, también impresionando en un papel cómico muy diferente en el romance dom-sub tibio de Gregg Araki I Want Your Sex, ganándose el título de la bella del baile, algo que muchos esperaban que Charli xcx lograra, protagonizando tres películas que se presentaban. Pero su gran falso documental The Moment decepcionó y sus papeles de cameo más pequeños en comedias no hicieron mucho para asegurar que su asalto a la gran pantalla (hay más películas en camino) sea del tamaño de Brat.
La otra gran venta, aunque a una escala mucho menor, fue una historia de éxito orgánica de Sundance: una pequeña película de terror queer australiana llamada Leviticus. Sigo sin estar convencido por el título bastante engañoso, pero la película, sobre una maldición de terapia de conversión que hace que los adolescentes homosexuales sean atormentados por un demonio con la apariencia de la persona que más desean, fue un éxito rotundo. Las comparaciones instantáneas con Heated Rivalry parecieron un poco inspiradas en el SEO (el sexo gay en realidad existía antes de ese programa), pero creo que su éxito inevitable ayudó a impulsar una película como esta, que tenía mucho amor y lujuria gay, de un posible lanzamiento en Shudder a un sí de Neon. La compañía, que ha tenido un gran éxito en los premios en los últimos años y un historial irregular con el terror, pagó alrededor de 5 millones de dólares, lo que al menos reduce la presión para que la película se convierta en un gran éxito (la venta de 17 millones de dólares de Together el año pasado solo generó 21 millones de dólares en la taquilla estadounidense). Con una campaña inteligente y una puntuación crítica casi perfecta hasta ahora, podría ser un éxito modesto a finales del verano, si no un éxito del tamaño de Talk to Me. También ayudó a mantener las credenciales de terror del festival, con otras ofertas (Buddy, Rock Springs, Saccharine) decepcionantes.
Las decepciones, bueno, hubo muchas, la mayoría de las cuales parecieron intentos débiles de evocar películas de Sundance más antiguas y mejores (comedias pequeñas y de pueblo sobreactuadas y con guiones pobres como Carousel y Chasing Summer). La peor fue la sátira del mundo del arte y repleta de estrellas de la directora de Dead Pigs, Cathy Yan, The Gallerist, que desperdició a Natalie Portman, Jenna Ortega, Da’Vine Joy Randolph y Catherine Zeta-Jones. Fue un trago exasperante y anticuado (aunque, como la mayoría de las películas de Sundance, era corta, no se sintió así), además de que tuvo la mala suerte de estrenarse justo después de The Invite, donde las risas se disiparon en gemidos. A pesar de ese reparto (tres ganadoras del Oscar), no ha habido rumores de una posible venta.
El festival comenzó el mismo día que los anuncios de los Oscar, lo que trajo buenas noticias para las películas narrativas del año pasado, con nominaciones para If I Had Legs I’d Kick You y Train Dreams, pero excelentes noticias para los documentales. El año pasado, cuatro de los cinco documentales nominados fueron estrenados en Sundance, pero este año fueron los cinco, lo que ha convertido al festival en el lugar más deseable para estrenar una película de no ficción, y aunque este año hubo menos éxitos evidentes, hubo suficientes para sugerir que la Academia podría volver a recurrir al festival en busca de recomendaciones. El documental del que todos hablaban fue Once Upon a Time in Harlem, un montaje elegante de material de archivo de una cena de los años 70 que reunió a figuras clave del Renacimiento de Harlem. Summer of Soul, que también se estrenó en el festival y fue una película que dio nueva vida a imágenes antiguas también en Harlem, logró ganar un Oscar, por lo que, aunque las noticias de ventas han sido tranquilas, espero una avalancha de ofertas.
Con rumores sobre quién podría comprar qué limitados principalmente a The Invite, la mayoría de las personas con las que hablé estaban más interesadas en lo que podría convertirse Sundance cuando se traslade a Boulder. El festival ha mantenido un flujo constante de asistentes ricos de Utah que tienen poco respeto por el espacio personal (nunca me han desplegado tantas chaquetas sobre mí en mi vida) pero mucho dinero para gastar en pases prioritarios y entradas para el estreno. Una comunidad similar existirá en Colorado con sombreros igualmente grandes, pero tomará tiempo ganárselos, especialmente con los festivales de cine de Denver y Telluride ya establecidos en el estado. Lo que el estado tiene a su favor es una mejor política (una preocupación rumoreada por dejar Utah con un aumento de la legislación anti-LGBTQ+ entre otros problemas) y un alojamiento más asequible, con la esperanza de que una sección más diversa de críticos pueda asistir (Park City sigue siendo absurdamente caro).
Las preguntas más importantes son más existenciales. ¿Qué es Sundance ahora? ¿Qué queremos o necesitamos del cine independiente? ¿Qué permite o fomenta el sistema tal como está? Un cambio de ubicación no cambiará las películas que se están haciendo, y aunque la calidad puede haber disminuido, sigue siendo una institución estadounidense importante, especialmente porque las nuevas y terribles fusiones amenazan con marginar al más débil. Sundance regresará el año que viene a Colorado con muchas expectativas, y con suerte, una renovación significará que la mirada se centrará menos en el pasado y más en el futuro.
