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A medida que los westerns perdían popularidad en la década de 1970, surgió una nueva ola de cineastas de autor que destacaron por su estilo visual distintivo y su profundidad temática. Sus películas eran audaces, más arriesgadas y con un enfoque diferente.
Estos cineastas de la época traspasaron los límites narrativos, ofreciéndonos historias con finales inquietantes y personajes heroicos que sufren. Muchas de estas películas son revisadas y estudiadas por su maestría en la narración, desafiando las percepciones del público sobre la moralidad y la compleja naturaleza humana, invitándonos a la reflexión.
Aquí presentamos nueve de las películas más intensas que surgieron de la bóveda cinematográfica de los años 70.
9 Películas Intensas de los Años 70 que Pondrán a Prueba tus Límites
1. Una Mujer Bajo la Influencia (1974)
A Woman Under the Influence (1974)Credit: Faces Distribution
La película cuenta la historia de una ama de casa de la clase trabajadora, desesperada y solitaria, cuyo comportamiento cada vez más volátil perturba a su esposo y expone sus firmes posturas sobre las expectativas sociales.
Gena Rowlands y Peter Falk, esposa y amigo cercano del director John Cassavetes, ofrecen dos de las mejores actuaciones de todos los tiempos como Mabel y Nick Longhetti. Una Mujer Bajo la Influencia es emocionalmente intensa y se siente como presenciar un colapso en vivo y los intentos de sanitizar la enfermedad mental.
La historia fue concebida inicialmente como una obra de teatro, pero el director John Cassavetes la adaptó para la pantalla porque pensó que el personaje de Mabel Longhetti era demasiado intenso para interpretarlo regularmente en el escenario.
2. No Mires Ahora (1973)
Don’t Look Now (1973)Credit: Paramount Pictures
Después de la muerte de su hija, una pareja en duelo se traslada a Venecia, donde se encuentra con dos ancianos psíquicos que afirman haber estado en contacto con su hija fallecida. A partir de entonces, visiones y premoniciones extrañas rodean a la familia, comenzando a ver a su hija con un abrigo rojo en las calles de Venecia.
En No Mires Ahora de Nicolas Roeg, se siente el lento aumento del pavor psicológico hasta llegar a uno de los momentos finales más inolvidables del cine. El dolor de la familia por la muerte de su hija se apodera de todo, y comienza a sentirse como una película de terror.
Desde el uso del color rojo como medio narrativo hasta la narración a través de una edición fragmentada, Nicolas Roeg incorpora todos los elementos posibles del cine para hacernos sentir incómodos.
3. Perros de Paja (1971)
Straw Dogs (1971)Credit: Cinerama Releasing
David Sumner (Dustin Hoffman), un hombre de carácter tranquilo, y su esposa Amy (Susan George), recién casados, llegan a un pueblo rural en Cornualles para una escapada, donde Amy creció. Sin embargo, un incidente horrible con su esposa que involucra a lugareños obliga a un David civilizado a elegir el camino de la violencia para la redención.
Perros de Paja es fea, perturbadora y difícil de aceptar, tal como debe ser. Su violencia no es solo mecánica; te aterroriza al mostrar el lado extremo de la civilidad que se desmorona en las personas.
La película trata sobre la masculinidad y cómo un hombre supera su miedo para desbloquear un impulso primordial para defenderse a sí mismo y a sus seres queridos.
4. Maratón Man (1976)
Marathon Man (1976)Credit: Paramount Pictures
Dustin Hoffman interpreta a Thomas ‘Babe’ Levy, un graduado de Columbia y corredor de larga distancia, quien, tras la muerte de su hermano, se ve envuelto en una caza mortal que involucra a criminales de guerra nazis.
Laurence Olivier ofrece una de las actuaciones más notoriamente aterradoras por la que fue nominado a los Premios de la Academia como Mejor Actor de Reparto, pero ganó los Globos de Oro en 1977. Dustin Hoffman también está en esta película como un hombre indefenso en fuga.
Una escena en particular que involucra a la odontología te hará odiar toda la profesión y seguramente no es para los débiles de corazón.
5. El Hombre de Mimbre (1973)
The Wicker Man (1973)Credit: British Lion Films, Abraxas Releasing
El sargento Howie (Edward Woodward) llega a una isla escocesa remota para investigar el caso de un niño desaparecido, donde se encuentra con el extraño estilo de vida y los impactantes rituales espirituales de casi todos los residentes. Cuanto más descubre sobre sus siniestras intenciones, más se acerca a la verdad.
El Hombre de Mimbre de Robin Hardy es una película profundamente inquietante y visualmente brillante. Lo que hace que la película sea tan intensa es su representación de los peligros de la mentalidad de culto. Además, poner una ideología cristiana conservadora y religiosa en confrontación con la idea de un paganismo extraño es suficiente para crear un ambiente tenso en la película.
6. La Naranja Mecánica (1971)
A Clockwork Orange (1971)Credit: Warner Bros.
Alex (Malcolm McDowell) es un sociópata carismático que se embarca en una última ola de violencia antes de ser arrestado por asesinato y violación. Para recuperar su libertad, acepta someterse a un programa de modificación del comportamiento, un experimento para reducir la capacidad de hacer violencia.
Con la brillante dirección y el guion de Kubrick (basado en Anthony Burgess), La Naranja Mecánica es una obra maestra técnica e ideológica. Es definitivamente una de sus películas más controvertidas, ya que profundiza en la violencia en la sociedad moderna. La película también muestra una fuerte influencia de los medios de comunicación, ya que el tratamiento Ludovico se convierte en una metáfora popular de la violencia institucionalizada.
7. Tiburón (1975)
Jaws (1975)Credit: Universal Pictures
Cuando el pueblo turístico de Amity Island es atacado por un gigantesco tiburón blanco, el jefe de policía Martin Brody (Roy Scheider) se une a un biólogo y a un pescador local para dar caza a la criatura.
Tras los primeros fracasos en el tiburón mecánico, Steven Spielberg no presentó el tiburón claramente hasta la mitad de Tiburón. Esta improvisación creativa resultó genial para la película, ya que la anticipación solo alimentó la imaginación de los espectadores, y la idea del tiburón se volvió más letal hasta la revelación final. Steven Spielberg es verdaderamente un genio cinematográfico que te cautiva cada vez con su intensa narración.
8. La Masacre de Texas (1974)
The Texas Chain Saw Massacre (1974)Credit: Bryanston Distributing
De camino a visitar una finca familiar, un grupo de amigos se detiene en una casa de campo abandonada y espeluznante. Poco saben que han invadido a una familia caníbal y loca que los caza uno por uno con motosierras.
La película de Tobe Hooper es una de las pocas obras maestras de bajo presupuesto que impactó al mundo con su historia y gore únicos. Gran parte de las escenas intensamente perturbadoras de la película se basan en la imaginación del espectador en lugar de en imágenes explícitas. El uso de técnicas de cámara manual y un estilo de cine documental-ficción definitivamente hace que el horror se sienta innovador y real.
9. Taxi Driver (1976)
Taxi Driver (1976)Credit: Columbia Pictures
Martin Scorsese’s Taxi Driver es un clásico de todos los tiempos que sigue a un taxista solitario e insomne que lentamente se va desconectando del mundo civilizado y materialista y se convierte en un justiciero para salvar a una prostituta de 16 años.
Martin Scorsese y Robert De Niro han creado un retrato surrealista de la alienación urbana y la soledad en las calles de Nueva York en la década de 1970. Robert De Niro interpreta a Travis Bickle, quien lentamente desciende a la locura al no poder encajar en la estructura civil y obediente de la sociedad.
El trabajo de cámara de Scorsese es muy aplaudido en la película, especialmente en una escena donde la cámara se desplaza hacia la derecha para ahorrarnos las imágenes desesperadas de Travis Bickle, que está de guardia, tratando desesperadamente de obtener una respuesta de una chica que lo ha ignorado.
En Resumen
El cine intenso e intransigente de la década de 1970, junto con muchos otros, ha sido un gran contribuyente a la estética cinematográfica actual. Sus ideas fueron audaces y únicas, lo que sigue fascinando e inspirando a los cineastas.
¿Tomaste la guitarra siendo joven en los años 70? Si todavía tocas la guitarra hoy en día, es posible que te hayas sentido inspirado a empezar décadas atrás por estas canciones de rock de 1974. E incluso si no te inspiraron particularmente, definitivamente vale la pena revisitarlas.
“Come And Get Your Love” de Redbone
No solo es probable que Redbone inspirara a muchos jóvenes de los 70 a tomar la guitarra con esta canción icónica, sino que también inspiró a innumerables bandas de garaje a formarse en 1974. “Come And Get Your Love” fue una de las canciones pop-rock más populares del año, alcanzando el puesto número 5 en la lista Billboard Hot 100. El solo de guitarra de Lolly Vegas es simplemente inigualable.
“Sweet Home Alabama” de Lynyrd Skynyrd
Pocos riffs de guitarra de la década de 1970 son tan memorables como la introducción de Ed King en “Sweet Home Alabama”. Y las líneas de guitarra a lo largo de la canción también son bastante memorables. Lanzada en el verano de 1974, “Sweet Home Alabama” sigue siendo la canción más conocida de la banda y muchos la consideran una de las melodías de Southern rock más perdurables de la década. Alcanzó el puesto número 8 en la lista Hot 100.
“Killer Queen” de Queen
Otras canciones de Queen podrían haber entrado en esta lista, como “Brighton Rock”. Sin embargo, elegí “Killer Queen” por lo increíbles que son los ganchos de guitarra de Brian May a lo largo de esta querida canción de Queen. Un sencillo destacado de Sheer Heart Attack, “Killer Queen” fue popular entre los fans y alcanzó el puesto número 12 en la lista Hot 100 y el número 2 en la lista de sencillos del Reino Unido.
“Can’t Get Enough” de Bad Company
¡Que vuelvan los riffs de guitarra contundentes! “Can’t Get Enough” de Bad Company es una canción fantástica con riffs increíblemente memorables de Mick Ralphs y Paul Rodgers. Incluso si no fuiste un niño de los 70, probablemente podrías identificar ese riff instantáneamente reconocible en un segundo. “Can’t Get Enough” es una de las mejores canciones de rock impulsadas por la guitarra de 1974, y los oyentes de la época ciertamente vibraron con ella. Esta canción encabezó la lista Cashbox Top 100 en los EE. UU. y llegó hasta el puesto número 5 en la Hot 100.
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Nacido el 18 de marzo de 1934 en Sledge, Mississippi, Charley Pride rompió barreras raciales para convertirse en la primera superestrella negra de la música country tras el lanzamiento de su álbum debut en 1966, Country Charley Pride. 1972 fue un año particularmente exitoso para el ganador de cuatro premios Grammy, pasando gran parte del tiempo en lo más alto de la lista Billboard de álbumes country. En este día de 1972, Charley Pride volvió a alcanzar el número 1 con el mayor éxito crossover de su carrera, “Kiss An Angel Good Mornin’”.
Este tema mostró el potencial completo de Charley Pride
El primer sencillo de su decimotercer álbum de estudio, Charley Pride Sings Heart Songs, “Kiss An Angel Good Mornin’” comparte un secreto tierno y sencillo para un romance duradero: Tienes que besar a un ángel por la mañana… Y amarla como al diablo cuando vuelvas a casa.
El primer sencillo número 1 de Pride fue una versión en vivo de “Kaw-Liga” de Hank Williams, de 1953, en 1969. Su interpretación, con toques modernos, no podría haber sido más diferente a la melodía swing bluegrass de Williams. Y para el legendario productor Jack Clement, ese era exactamente el punto.
“Toda la música sonaba igual. Y no había un movimiento real en ella, ni cambios. Era todo un poco ‘pegajoso’”, dijo Clement en el documental Country Music de Ken Burns en 2019. El miembro del Salón de la Fama de los Compositores de Nashville buscaba algo más “inventivo”.
“Pensé que debería moverse un poco”, dijo. “Y finalmente lo hizo”.
“Kiss an Angel Good Mornin’” fue esa canción. Al combinar sonidos modernos con la voz “de otro mundo” de Pride, el tema ayudó a cambiar la música country hacia un ambiente más influenciado por el soul, conocido como countrypolitan.
“Es mi música también”
“Kiss An Angel Good Mornin’” le dio a Charley Pride su octavo éxito número 1, pero no solo a los fans del country les encantó la canción. También se convirtió en el único éxito del Top 40 de Pride, alcanzando el puesto número 21 en el Hot 100.
Tanto George Jones como Conway Twitty versionaron “Kiss An Angel Good Mornin’” en 1972. Y casi tres décadas después, Alan Jackson le dio su propio toque a la canción de amor para su álbum de 1999, Under the Influence. Pero hasta el día de hoy, sigue siendo la canción más emblemática de Charley Pride y una de sus contribuciones más impactantes a la música country.
“Mi hermana mayor solía decirme, ‘¿Por qué cantas su música?’” reflexionó Pride durante una aparición en 2015 en The Big Interview with Dan Rather, cinco años antes de su muerte en 2020 a la edad de 86. “Sabes, ustedes, ellos y nosotros, vamos directo al grano. Yo dije, ‘Bueno, es mi música también, si me gusta’”.
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