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Cine: Maura, McCartney y Chastain, estrenos y BAMPFA

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by Editora de Entretenimiento
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Esta semana, los cines presentan estrenos con Carmen Maura, Paul McCartney y Jessica Chastain. Además, BAMPFA ofrece una programación de cine internacional.

Carmen Maura, conocida por su colaboración con Pedro Almodóvar, ofrece una actuación imperdible en “Calle Málaga”, el debut cinematográfico en español de la escritora y directora marroquí Maryam Touzani. La película, coescrita con Nabil Ayouch, sigue a María Ángeles, una viuda española de finales de los setenta que ha pasado toda su vida en Tánger, Marruecos. La vida de María se ve alterada cuando su hija, Clara (Marta Etura), llega desde Madrid con dificultades económicas y la intención de vender la casa familiar. Ante la posibilidad de mudarse a España con Clara o vivir en una residencia, María elabora ingeniosamente su propio plan, que incluye un inesperado romance.

Si bien la película carece de la complejidad emocional de “The Blue Caftan” de Touzani, y su tratamiento de la relación madre-hija resulta poco destacable, el tono cálido y sincero de la directora resulta cautivador. Al igual que en “The Blue Caftan”, el talento de Touzani para lo romántico brilla. La película también destaca por su representación de las personas mayores como individuos dinámicos, merecedores y con vida sexual. Maura, por su parte, ofrece una interpretación brillante, mostrando el talento cómico que ya demostró en películas de Almodóvar como “Mujeres al borde de un ataque de nervios” y “Volver”, creando un personaje entrañable al que seguiríamos a cualquier lugar.

Actualmente en los cines de la Bahía de San Francisco.

Paul McCartney in “Man on the Run,” a documentary that looks at his post-Beatles years with his band Wings. (Amazon MGM Studios via Bay City News)

“Man on the Run” también es una película reconfortante y difícil de resistir, un recorrido apreciativo por los años de Paul McCartney después de los Beatles. Dirigida por Morgan Neville (“20 Feet From Stardom”), el documental se centra en la otra banda de McCartney, Wings, formada en 1971 tras el lanzamiento de dos álbumes en solitario de bajo perfil después de la disolución de los Beatles. Los miembros de Wings incluían a la esposa y colaboradora creativa de Paul, Linda McCartney; el guitarrista Denny Laine; y un puñado de otros músicos que cambiaban con frecuencia. El ambiente familiar y las canciones de amor tontas de McCartney disgustaron a muchos, pero Wings finalmente logró el éxito crítico y comercial, especialmente con su álbum “Band on the Run” y su gira mundial. La película, que termina a principios de la década de 1980 con la disolución de Wings y la muerte de John Lennon, no es un retrato penetrante o revelador de McCartney, quien, cabe destacar, figura como productor ejecutivo. Pero la riqueza de material de archivo que contiene, incluyendo imágenes de conciertos impactantes y clips de noticias de los años 70, deja claro que Wings fue un impresionante segundo acto. Fotografías de Linda McCartney; curiosidades de la cultura pop como los rumores de que “Paul está muerto”; y entrevistas, aunque solo en forma de voz en off, con otros músicos, familiares y el propio McCartney, enriquecen la imagen. Las críticas provienen de antiguos músicos de Wings, quienes dicen que la banda era el show de Paul y que, como miembros, se sentían como nadie. Por su parte, Sean Ono Lennon, hijo de John Lennon, califica el álbum en solitario de McCartney, a menudo criticado, “Ram”, de obra maestra. También atribuye el infame comentario de McCartney “(It’s a) drag, isn’t it?” en respuesta a la muerte de John Lennon, a un shock, no a la insensibilidad. Los fans y los recién llegados disfrutarán de esta película, que, tras su paso por los cines, está disponible en Amazon Prime Video.

Isaac Hernandez as Fernando and Jessica Chastain as Jennifer share a romantic moment in “Dreams.” (Greenwich Entertainment via Bay City News)

Los temas son relevantes, pero los personajes son demasiado despreciables para resultar agradables en “Dreams”, un drama de inmigración y thriller erótico del director mexicano Michel Franco que explora el poder, la desigualdad y los cruces geográficos y morales. Jessica Chastain, quien protagonizó “Memory” (2023) de Franco, interpreta a Jennifer, una rica filántropa y socialité de San Francisco que se presenta como una defensora de los inmigrantes. Jennifer dirige una escuela de ballet en la Ciudad de México, donde ha mantenido un apasionado romance con el talentoso bailarín Fernando (interpretado por el bailarín principal del American Ballet Theatre, Isaac Hernandez). Jennifer quiere que Fernando se quede en México, donde puedan estar juntos cómodamente y legalmente, pero Fernando decide cruzar la frontera para seguir una carrera en esta ciudad montañosa. Hartándose de que Jennifer se niegue a reconocer su relación ante el mundo, Fernando se marcha. Ejercitando su poder y privilegio, Jennifer toma medidas desesperadas para reunirlos. Otros acontecimientos incluyen a un investigador privado, la deportación y, desafiando la credibilidad, el fichaje de Fernando para un papel importante en una producción del Ballet de San Francisco. Inicialmente con potencial para convertirse en un drama urgente y provocador sobre la inmigración y la pasión, la película degenera en un descenso feo y violento de traición, venganza y obsesión. Ni la cautivadora Chastain, en modo gélido, ni Hernandez logran que nos preocupemos por estas personas, aunque los increíbles movimientos de ballet de Hernandez nos permiten tomar a Fernando en serio como un artista merecedor.

Actualmente en los cines de la Bahía de San Francisco.

“The Merchant of Four Seasons,” from German filmmaker Rainer Werner Fassbinder, playing Sunday, March 8, 2026, at BAMPFA. (BAMPFA)

BAMPFA, en Berkeley, que presenta programas de estrenos recientes y clásicos restaurados, tiene varias series de películas que se inaugurarán esta semana. “Fassbinder y el Nuevo Cine Alemán” (del 6 de marzo al 17 de mayo) presenta películas del prolífico Rainer Werner Fassbinder y otros directores de posguerra de Alemania Occidental. Próximamente se presentarán “Ali: Fear Eats the Soul” (1974) de Fassbinder el viernes 6 de marzo y “The Merchant of Four Seasons” (1971) el domingo 8 de marzo. “Cine iraní: de la estética a la política” (del 7 de marzo al 23 de abril) incluye restauraciones digitales de tres películas clásicas realizadas por directores de la Nueva Ola iraní. “The Postman” (1972), la adaptación moderna de Dariush Mehrjui al drama “Woyzeck” del dramaturgo Georg Buchner, se proyectará el sábado 7 de marzo. El Festival de Cine Africano de BAMPFA (del 8 de marzo al 9 de mayo) presenta historias de África y su diáspora. El domingo 8 de marzo: “After the Long Rains” (2023), el drama de iniciación de Damien Hauser centrado en una niña keniata. Visite bampfa.org para obtener más información.

El Mechanics’ Institute, en San Francisco, proyectará el musical de 1936 “San Francisco”, dirigido por W. S. Van Dyke y protagonizado por Clark Gable, Jeanette MacDonald y un desastroso terremoto, a las 6 p. M. Del viernes. Para obtener más información o registrarse, visite milibrary.org.

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Breakdown: 1975: Cine y Conflicto en la Nueva Hollywood

by Editora de Entretenimiento
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Los primeros años de la década de 1970 fueron un período fascinante: caótico, impredecible, complejo y profundamente contradictorio. El cine de esos años reflejó esa sensación de confusión con una precisión notable, diferenciándose tanto de los años 60 –o, más precisamente, de la segunda mitad de esa década– como de lo que vendría después. Breakdown: 1975 es un documental que intenta capturar ese año tenso a través del lente del cine, rastreando conflictos que abarcaron desde lo político hasta lo cultural, desde lo social hasta lo profundamente personal. Al igual que la era que retrata, el resultado es intrigante y a menudo sorprendente, aunque también está plagado de trucos y atajos que, en última instancia, socavan algunos de sus logros.

Dirigido por Morgan Neville, el ganador del Oscar detrás de 20 Feet from Stardom, el documental evoca eficazmente el período a través de material de archivo, fragmentos de películas clave y testimonios de muchas de sus figuras centrales. El problema, sin embargo, radica en la noción algo engañosa que tiene la película de su propio “momento”. Lo que Neville presenta como una visión general de la cultura, el cine y la política en 1975 es, en realidad, una encuesta más amplia que abarca varios años, retrocediendo hasta 1972 o 1973 y extendiéndose hasta 1976. Como resultado, lo que se enmarca como un año único y decisivo en la historia del cine, la televisión y la sociedad estadounidense representa en realidad casi una década.

Esta manipulación disminuye el impacto de la película. Neville podría haber limitado el alcance a lo que promete el título sin alterar significativamente el propósito conceptual del documental. Forzar a películas como Taxi Driver, All the President’s Men, Chinatown, Carrie, The Godfather Part II, Rocky, The Conversation y Network –películas estrenadas en 1974 o 1976– a encajar en un documental supuestamente sobre 1975 se siente innecesario. El año en sí ofrece suficiente material. 1975 fue el año de Jaws, cuyo éxito sin precedentes comenzó a señalar el fin de la era del Nuevo Hollywood, pero también vio el estreno de One Flew Over the Cuckoo’s Nest, Dog Day Afternoon, Nashville, Monty Python and the Holy Grail, Shampoo, Grey Gardens, Night Moves, Three Days of the Condor, Rollerball, así como títulos como Barry Lyndon y Love and Death, sin mencionar numerosas películas internacionales que reciben poca o ninguna atención.

Un problema similar surge con el contexto político. Si bien los eventos centrales son específicos del año –Gerald Ford era el presidente tras la renuncia de Nixon, y la noticia más importante fue la retirada de Estados Unidos de Vietnam–, muchos de los análisis de Neville difuminan un período de tres o cuatro años. A pesar de ello, el documental transmite claramente la intensidad y la volatilidad de la época, marcada por conflictos cambiantes que incluyeron el auge de la llamada “Década del Yo”, que vio a los jóvenes desilusionados de la década de 1960 volverse hacia la exploración personal, junto con la creciente influencia de los movimientos conservadores que darían forma cada vez más al núcleo político del país.

Más allá del espacio que Neville dedica –comprensiblemente, dado el contexto– a Ronald Reagan y la expansión de organizaciones conservadoras que veían a Ford, un republicano, como casi de izquierda, la película revisita ideas, eventos e interpretaciones familiares para cualquiera con un interés básico en la cultura estadounidense del período: asesinatos políticos, Watergate, la crisis del petróleo, tensiones raciales, dificultades económicas y una generalizada sensación de que el Sueño Americano había comenzado a parecerse a una pesadilla larga e interminable.

Dejando a un lado esos debates, el material más sólido del documental reside en su tratamiento de las películas en sí, discutidas por algunos de sus creadores y por comentaristas informados. Aparecen Martin Scorsese (cuyas películas se sitúan en 1974 y 1976, más que en 1975), Oliver Stone, Ellen Burstyn y Albert Brooks, junto con productores, guionistas, periodistas y críticos culturales como Frank Rich, Wesley Morris y Kurt Andersen. También intervienen contemporáneos actores-cinéfilos como Seth Rogen, Patton Oswalt y Josh Brolin, mientras que una aparición de Bill Gates alude al amanecer de la era de la informática doméstica. A propósito, la narración es proporcionada por la inconfundible voz de Jodie Foster.

La idea, repetida a menudo, pero no menos válida, de que el cine estadounidense durante este período disfrutó de un grado inusual de libertad creativa y de toma de riesgos sirve como principio organizador de Breakdown: 1975. Un vistazo a escenas de las películas canónicas de 1973-76 citadas aquí confirma el caso. Aprovechando el declive del sistema de estudios tradicional, los llamados “jóvenes turcos” del cine estadounidense tomaron el control de la corriente principal, impulsando a Hollywood hacia películas adultas, complejas, extrañas y desafiantes. Ese momento llegó a su fin con el uno-dos de Jaws y Star Wars –irónicamente dirigidas por cineastas que surgieron de la misma generación–. Desde entonces, cineastas y cinéfilos han mirado esa era con profunda nostalgia, incluso si muchos nunca la experimentaron de primera mano. Lo que queda son las películas en sí, prueba irrefutable de que en 1975 y los años circundantes, el cine estadounidense era diferente a todo lo que había venido antes –o después.

P.D.: Cuando Netflix finalmente compre Warner Bros., solo se puede esperar que también recuerde transmitir al menos algunas de estas películas.

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