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DC Comics presenta a Team Thunder: los nuevos protectores de Kandor

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DC Comics ha revelado a los nuevos protectores de Kandor: Team Thunder. Esta nueva iniciativa del Consejo de Ciencia llega en el número 12 de Supergirl, una entrega escrita y dibujada por Sophie Campbell, con colores de Tamra Bonvillain y Becca Carey.

Kara en una situación crítica

En esta entrega, Kara se encuentra en una situación desesperada tras enfrentarse a Black Flame, una joven kryptoniana que lidera una rebelión de jóvenes en Kandor contra el Consejo de Ciencia. El conflicto surge debido a que el Consejo ocultó la existencia de una anomalía genética que impide a los habitantes salir de la ciudad embotellada.

Tras quedar gravemente herida en la batalla, la vida de Supergirl es salvada por la científica Kim-Da, quien le implanta mejoras cibernéticas. Esta transformación en una versión «cyborg» de Supergirl ha dejado a Kara molesta, especialmente con las acciones del Consejo de Ciencia.

El legado de Boy Thunder

La creación de Team Thunder utiliza como base el concepto de Boy Thunder (David Sikela), personaje introducido previamente por Mark Waid y Dan Mora en Batman/Superman: World’s Finest. David, un sobreviviente de otro universo con poderes similares a los de Superman bajo el sol terrestre, sirvió como compañero del Hombre de Acero antes de ser transportado a la Tierra-22, donde se convirtió en el violento anti-héroe Magog.

Ahora, DC retoma ese legado para dar paso a esta nueva generación de héroes en Kandor, mientras la ciudad se sumerge en una guerra civil que coloca a Supergirl en el centro del conflicto.

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Marvel Comics: Camino a los 1000 números

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La cuenta regresiva hacia el número 1000 de Amazing Spider-Man ya ha comenzado. Alcanzar los mil números representa uno de los hitos más importantes que un cómic puede lograr.

Este camino hacia el gran acontecimiento continúa con una de las revelaciones más grandes en la historia de Spider-Man. Además, la muerte del personaje más odiado de Marvel está preparando el terreno para el final de la historia más controversial del arácnido.

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Batman: ¿Bruce Wayne es una máscara? La verdad revelada

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Batman es, sin duda, uno de los superhéroes más populares del mundo, generando debates constantes entre sus millones de fans. Este impacto demuestra el cariño y el entretenimiento que el personaje de Batman inspira en la gente. Es un ícono que trasciende incluso a aquellos que no son seguidores del género, gracias a su presencia en la cultura popular. Sin embargo, la popularidad también tiene su lado negativo: la inevitable mala interpretación del personaje por parte de algunos, quienes difunden ideas erróneas como si fueran verdades absolutas.

Las teorías de los fans y las interpretaciones son una parte valiosa de la cultura del fandom, pero puede ser frustrante cuando se repite información incorrecta. Batman es particularmente susceptible a este fenómeno. Una de las interpretaciones más comunes, a menudo respaldada por ciertas adaptaciones, es la idea de que Bruce Wayne es una máscara y Batman su verdadero ser. Esta teoría ha sido refutada en numerosas ocasiones en los cómics, pero persiste. No obstante, hace veinticuatro años, Batman “confirmó” esta idea de una manera sorprendente y brillante.

Bruce Wayne: Asesino, Fugitivo, Máscara

Image Courtesy of DC Comics

Batman #600, “The Scene of the Crime”, se sitúa en medio de la trama “Bruce Wayne: Asesino Convertido en Fugitivo”. Bruce Wayne había sido acusado del asesinato de su exnovia, Vesper Fairchild, y todas las pruebas apuntaban a él. Ante un caso irrefutable y la posibilidad de prisión, Batman escapó de la cárcel. En lugar de resolver el asesinato, planeó hacer desaparecer a Bruce Wayne. Cuando la Batifamilia lo confrontó, les dijo que Bruce era una máscara que usaba para integrarse en la sociedad, pero que ya había cumplido su función, por lo que se retiraría para centrarse en ser Batman.

Esto provocó una pelea entre Batman y Nightwing, quien se negó a aceptar que Bruce Wayne no fuera real. Desafortunadamente, Batman se mantuvo firme y escapó de la Baticueva, decidido a dejar atrás todo su pasado. Mientras el resto de la Batifamilia intentaba encontrar pruebas para demostrar que Bruce no había matado a Vesper, Batman redobló su patrulla en Gotham. A primera vista, esto parece una prueba irrefutable de que Bruce Wayne no es real, pero la realidad es muy diferente. Bruce Wayne es el corazón de Batman, no su máscara, y la razón por la que esto solo tiene sentido en este número es que Batman estaba equivocado e inestable, como demostró la misma trama más adelante.

Batman es una máscara para ocultar el dolor

Image Courtesy of DC Comics

La decisión de Batman de abandonar su identidad como Bruce Wayne solo se produjo cuando estaba en uno de los peores momentos de su vida. En ese momento, la vida de Bruce se estaba desmoronando. Había enfrentado innumerables tragedias y dificultades, desde tramas trágicas como “Officer Down” hasta tener que revelar su identidad a un guardaespaldas que fue empujado en su lugar. Aunque Vesper no es una pareja amorosa muy conocida, Bruce realmente se preocupaba por ella, y su corazón se rompió cuando sus repetidas ausencias como Batman le costaron la relación. Mientras se preparaba para renunciar a su vida civil, Batman recordó todo el dolor de las amantes que lo dejaron porque Batman se interponía en el camino. Ser Bruce Wayne no le había traído a Batman más que problemas y dolor de corazón.

El abandono de la identidad de Bruce Wayne por parte de Batman no fue una revelación de su verdadero ser, sino una huida del dolor de ser humano. Intentó vivir solo como Batman, y al final de la historia, descubrió que no podía. Bruce Wayne era lo que impulsaba a Batman. Sin Bruce Wayne, Batman no podría existir. Batman intentó ser una máquina de lucha contra el crimen fría y solitaria, pero nadie puede serlo. Solo cuando abrazó todo su dolor y sus conexiones humanas, aquello que Bruce Wayne encarnaba, salvó el día y demostró su inocencia. Que Batman sea la verdadera cara de Bruce no es algo que admirar, sino un final malo donde Bruce se convierte en una cáscara de lo que fue.

¿Qué interpretación de Batman te molesta más? ¡Déjanos saber en los comentarios o comparte tus pensamientos en el ComicBook Forum!

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DC: Despair-the-Zero, el villano más siniestro del Universo Absoluto

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El Universo Absoluto de DC Comics está lleno de grandes villanos, pero todos palidecen en comparación con el nuevo antagonista en escena. La línea Absolute ha sido un éxito rotundo entre los fans, gracias en gran medida a sus historias increíblemente cercanas y a las actualizaciones creativas del lore de DC. Pero, como suele suceder con los cómics, lo que realmente atrae a la gente son los villanos. En el Universo Absoluto, los villanos tienen mucho más poder e influencia que los héroes. Personajes como el Joker, Ra’s al Ghul, Hector Hammond y otros representan amenazas mucho mayores que en el Universo Prime.

Incluso el dúo principal de Absolute Martian Manhunter se ha visto superado por la entidad psíquica negativa, el White Martian. Desafortunadamente, John y el Marciano tomaron un breve descanso para que Jones intentara reparar su relación con su esposa. El Marciano ha sido tomado como rehén, dejando a John vulnerable. La última vez que vimos a John, le estaban presentando a su nueva ‘pareja’, un ser incorpóreo que se hacía llamar Despair-the-Zero. Pero Despair-the-Zero no se parece en nada al Marciano, y las cosas que le está haciendo a John lo convierten en uno de los seres más malvados que habitan el Universo Absoluto.

DC Comics presenta a un nuevo villano: la negatividad convertida en arma

En Absolute Martian Manhunter #9, de Deniz Camp, Javier Rodríguez y Hassan Otsemane-Elhaou, el Marciano se encuentra en una situación desesperada, ya que ha sido capturado por la Agencia y está siendo viviseccionado. John está haciendo todo lo posible por rastrear a su compañero, siguiendo el rastro psíquico del Marciano desde la noche en que desapareció. John está acompañado por Despair-the-Zero, quien comenta sobre todos con quienes habla John, añadiendo un comentario amargo y negativo a lo largo de la investigación. Despair-the-Zero no oculta sus intenciones a John, diciéndole claramente que está aquí para destruir a Jones en todos los sentidos, y a través de él, destruir el resto de la realidad.

John tiene que dejar su investigación de lado, ya que tiene terapia familiar y llega tarde. Llega a su cita, donde encuentra a su esposa, Bridget. Y sí, Despair-the-Zero también está aquí, susurrándole horrores al oído de John, animándolo a suicidarse y a cometer otras atrocidades. A pesar de que John quiere ser emocionalmente honesto en terapia para intentar solucionar las cosas con Bridget, Despair-the-Zero se lo dificulta, haciéndole dudar de sí mismo y de Bridget y de su terapeuta, especialmente cuando John descubre que Bridget ha revelado la relación de John con el Marciano.

Los comentarios de Despair-the-Zero se vuelven tan fuertes que John no puede escuchar lo que dicen Bridget o su terapeuta, solo la interpretación de Despair-the-Zero. Despair-the-Zero incluso activa ‘Despero-Vision’, una versión retorcida de la visión marciana del Marciano. Bajo la influencia de Despair-the-Zero, la entidad le muestra a John el ‘verdadero significado’ detrás de las declaraciones de las personas, sin importar cuán inocuas sean. Despair-the-Zero es honesto sobre una cosa: el White Martian ha poseído al hijo de John, y los seres de nivel superior que han atacado a John ya no tienen ningún uso para él, y un escuadrón de exterminio ya está en camino para eliminar a Jones permanentemente.

Despair-the-Zero es un tipo de mal más insidioso para el Universo Absoluto

Ahora bien, sé que el Universo Absoluto tiene algunos de los peores (y por eso mismo, los mejores) tipos de villanos. Desde la naturaleza megalómana de Hector Hammond en Absolute Green Lantern hasta la crueldad absoluta del Joker en Absolute Batman, los villanos de este mundo se sienten mucho más amenazantes que en el Universo Prime de DC. Pero lo que hace a Despair-the-Zero tan aterrador no es su riqueza o influencia. Es porque Despair-the-Zero está trabajando activamente para asegurarse de que personas como John sientan y experimenten solo dolor emocional y negatividad.

El Marciano es un protagonista tan cautivador porque ve las imperfecciones de la mayoría de los humanos como parte de un hermoso tapiz. Actúa como un observador externo que nos recuerda a todos que los humanos somos complicados y desordenados, pero en última instancia, buenos. Despair-the-Zero, sin embargo, actúa como un opuesto diametral. No le importa la autorrealización o la comprensión. Prospera en las emociones negativas y la autodestrucción. En lugar de atacar desde el exterior, Despair-the-Zero va hacia adentro, aprovechándose de las inseguridades y ansiedades de las personas. Y como vemos en este número, eso es mucho más efectivo, y Despair-the-Zero hace un gran trabajo al destrozar a John.

Seguramente, Despair-the-Zero no es tan llamativo o comercial como algunos de los otros villanos de Absolute. Pero es increíblemente siniestro, porque las cosas que hace en este número se sienten inquietantemente reales. ¿Buscar el significado negativo oculto de lo que dicen las personas, esos pequeños comentarios negativos que experimentamos cuando estamos en nuestro punto más bajo? Despair-the-Zero puede no ser real, pero extrañamente, realmente se siente como el diablo en tu hombro cuando estás cayendo en espiral. Este fue un número intenso, y tengo mucha curiosidad por ver cómo esta serie maneja a un villano tan inquietantemente identificable como Despair-the-Zero.

¿Qué opinas de Despair-the-Zero? ¡Déjanos saber en los comentarios o comparte tus pensamientos en el ComicBook Forum!

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Disney y Pixar: ¿Fin de la racha de premios en animación?

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Disney y Pixar, tradicionalmente los reyes de la animación, atraviesan un momento complicado. Llevan cuatro años sin conseguir un premio importante, una racha inusual para estos gigantes de la industria. La década de 2020 ha sido particularmente desafiante, marcada por el impacto de la pandemia, el cambio a estrenos en Disney+ y, en algunos casos, una calidad inconsistente en sus producciones.

Si bien algunas secuelas como Moana 2, Inside Out 2 y Zootopia 2 han superado los mil millones de dólares en taquilla, películas originales como Elemental, Turning Red, Wish y Strange World no han logrado el mismo éxito. Incluso cuando el éxito comercial está presente, no siempre se traduce en reconocimientos de la crítica.

Con la victoria de KPop Demon Hunters en los Globos de Oro 2026, han pasado cuatro años desde que una película de Disney o Pixar ganara este prestigioso galardón, remontándose a su triunfo con Encanto en 2022. A continuación, se detalla la situación en los últimos años:

Year Disney/Pixar Nominee(s) Winner
2023 Turning Red Guillermo del Toro’s Pinocchio
2024 Elemental, Wish The Boy and the Heron
2025 Inside Out 2, Moana 2 Flow
2026 Elio, Zootopia 2 KPop Demon Hunters

¿Recuperará Disney su corona en los premios de animación?

Image Courtesy of Pixar

Esta sequía de tres años ya era un récord, y ahora se ha extendido aún más. La situación se repite en los premios Oscar, donde la última victoria data de Encanto, y KPop Demon Hunters se perfila como un fuerte contendiente para el premio a la Mejor Película de Animación.

¿Podrán las películas de Disney y Pixar de 2026 recuperar su antigua gloria en los premios? Pixar comenzará el año con Hoppers, una historia original que se estrenará el 6 de marzo de 2026, sobre un animal enamorado cuyo cerebro es transportado al cuerpo de un castor. Si bien Pixar ha tenido un éxito variable en los últimos años, priorizando la viabilidad comercial sobre la calidad, esta película podría ser su oportunidad para volver a conectar con el público.

Sin embargo, Toy Story 5 podría ser la apuesta más segura. Las primeras dos entregas de Toy Story no fueron elegibles para los Oscar de animación (introducidos en 2002), pero Toy Story 3 y 4 sí ganaron el premio. Si Toy Story 5 logra igualar su calidad, será una de las favoritas. En los Globos de Oro, la historia es diferente, ya que Toy Story 4 no obtuvo el reconocimiento.

Disney también tiene preparada una nueva película original, Hexed, que se estrenará en otoño. La trama se centra en una joven con poderes mágicos que es transportada a un mundo donde la magia es libre. Si esta película, al igual que Encanto, logra cautivar al público, a la crítica y a los votantes, Disney podría volver a la cima de la animación en 2026. Este año promete ser emocionante para la animación, con títulos como The Super Mario Galaxy Movie, Forgotten Island de DreamWorks y Goat de Sony Pictures Animation como posibles rivales.

Más allá de este año, hay muchas secuelas en desarrollo. Aparte de Toy Story, Disney y Pixar rara vez han sido recompensados por sus secuelas en los Oscar o los Globos de Oro. Ni Incredibles 2 ni Frozen II ganaron, e incluso Frozen II no recibió una nominación al Oscar. En la actualidad, los estudios tienen en marcha secuelas de ambas películas, así como Coco 2, pero tendrán que romper con la tradición para llevarse un premio. Pixar también tiene Gatto, una historia sobre un gato en Venecia endeudado con la mafia felina local, que podría tener una buena acogida. Una película original de Pixar no gana desde Soul, pero es probable que eso cambie eventualmente.

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Beast: La Oscura Evolución del Héroe X-Men

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Los X-Men han sido uno de los equipos más importantes de Marvel durante décadas, y gran parte de su éxito radica en la magistral combinación de drama humano y acción de superhéroes que catapultaron a la editorial a la fama. En esencia, los X-Men son un equipo impulsado por sus personajes, y brillan especialmente cuando sus arcos emocionales se exploran a fondo. Magneto es uno de los personajes más reconocidos de los X-Men, y un ejemplo perfecto de esta profundidad emocional. Su evolución, desde un supervillano que desahogaba su ira en el mundo, hasta un hombre con buenas intenciones pero métodos equivocados, y finalmente, un héroe consumado, es una de las más grandes de la historia del cómic, y con justa razón es tan querido.

Ahora, después de décadas de dominio de Magneto, otro X-Man clásico está atravesando un arco argumental tan cautivador como el suyo, e incluso podría superarlo en desarrollo de personaje. Beast, conocido como el científico optimista y algo despistado de los X-Men, que lucha contra su propia inseguridad y la tendencia a priorizar la lógica sobre la moralidad, ha experimentado una transformación radical en los últimos años, y su historia merece ser celebrada.

De Hombre Elegante a Bestia en Corazón

Image Courtesy of Marvel Comics

Beast solía ser uno de los X-Men más optimistas. Si bien sufría de serios problemas de confianza en sí mismo, realmente creía en hacer lo correcto y en que podían hacer del mundo un lugar mejor. Desafortunadamente, como le sucede a casi todos los centros morales del Universo Marvel, la década de 2000 endureció su corazón. Beast comenzó a hacer concesiones en pos de lo que consideraba el bien mayor. Trabajó con los Illuminati y llegó a acuerdos con el Señor Siniestro, pero sus peores acciones llegaron después. Tras años de ver cómo la raza mutante se desmoronaba y soportar múltiples instancias de tortura, Beast decidió priorizar siempre los fines sobre los medios.

Su punto más bajo llegó en X-Force (2019), donde fue elegido líder del equipo titular, que servía como la versión de la CIA de Krakoa. Beast realmente perdió la cordura, actuando como un monstruo para asegurar la prosperidad de su nueva nación. Asesinó repetidamente a Wolverine y convirtió a sus diversos clones en sus asesinos. Sus peores acciones incluyeron el sabotaje deliberado del país centroamericano de Terra Verde, el sabotaje del hijo de su presidente y, finalmente, el control mental de toda la nación durante meses para asegurar un tratado. Cuando Beast intentó exiliar a todos los mutantes del mundo para poder remodelarlo en una utopía para ellos, fue asesinado y reemplazado por una versión más joven y heroica de sí mismo.

El Hombre Que Quiere Ser Un Héroe, Pero Siempre Se Convierte En Un Villano

Image Courtesy of Marvel Comics

El nuevo y más joven Beast ha pasado cada número desde que se encontró a sí mismo tratando de demostrar que era un buen hombre. Pero es un héroe a la antigua en un mundo roto, que regresa para encontrar a todos sus amigos, y el concepto de los X-Men en sí, mucho más oscuros y más dispuestos a matar. Ha sido torturado repetidamente por el pensamiento de su yo futuro y la idea de que podría llegar a ser como él, y la conclusión de “Age of Revelation” finalmente ha llevado su arco a un nuevo nivel.

Mientras que todos pensaban que el nuevo Beast había sido arrastrado al futuro junto con Cyclops, en realidad fue el Beast original, quien había sobrevivido y ocupado el puesto de Presidente de 3K, los principales villanos de la serie X-Men (2024). Beast no solo debe lidiar con el conocimiento de que su yo malvado sobrevivió y todavía está en funcionamiento, sino también con el conocimiento de lo que su propio yo futuro habría hecho. El nuevo Beast llamó a Cyclops del futuro un traidor y un monstruo por querer matar a Doug en lugar de ayudarlo a evitar cometer los errores que cometería. Cyclops respondió que Beast lo ayudó a planearlo, que Beast se había convertido en un monstruo él mismo.

Este es el núcleo del increíble arco de Beast. Él es el centro moral de los X-Men y un idealista heroico en el corazón, pero aparentemente todos sus futuros yo se convierten en asesinos que anteponen el fin a los medios. Es un hombre que lucha por seguir siendo humano en el corazón, que vive en un cuerpo que teme que se vuelva monstruoso, y un corazón y una mente que rutinariamente lo hacen. Su lucha por ser el héroe que sabe que debe ser frente al hombre en el que el mundo siempre lo convierte es realmente interesante. Donde Magneto era el rey de los arcos de redención, Beast es el rey de los arcos de villanos potenciales, y su lucha espiritual es una de las mejores historias de los X-Men en décadas.

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Power Rangers: Regreso de los héroes originales tras 30 años

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Es difícil de creer, pero han pasado 30 años desde que Mighty Morphin Power Rangers llegó a la televisión en 1993, transformando a un grupo de adolescentes con colores distintivos en un fenómeno global. Ahora, en 2026, el equipo original está listo para reunirse en un nuevo y audaz lanzamiento de cómics que promete reimaginar su legado y sumergirlos en un territorio narrativo inexplorado.

Para una franquicia que inicialmente se construyó en torno a la venta de juguetes y tramas de monstruos semanales, la perdurable relevancia cultural de Power Rangers dice mucho sobre su impacto. Lo que comenzó como una adaptación desenfadada de la serie Super Sentai de Japón rápidamente se convirtió en un programa que marcó a toda una generación. Sin embargo, para muchos fanáticos, el corazón de la franquicia siempre serán los Mighty Morphin Power Rangers originales, el equipo que les enseñó a los niños sobre el trabajo en equipo y la defensa de lo correcto. Ahora, tres décadas después, su regreso presenta una oportunidad para profundizar en los temas más profundos del heroísmo.

Power Rangers: El peso de 30 años

Courtesy of Hasbro

Para aquellos que crecieron viendo a Jason, Kimberly, Billy, Zack, Trini y Tommy salvar Angel Grove, el mundo ha cambiado drásticamente desde entonces. Esos niños han crecido, enfrentado sus propios desafíos y quizás incluso compartido la franquicia con sus hijos. De manera similar, los Rangers originales también han madurado, al menos eso es lo que promete explorar el próximo cómic. Programado para su debut como parte del Comics Giveaway Day de Penguin Random House en mayo de 2026, la nueva historia reúne a la alineación original por primera vez en años. A diferencia de los primeros días de la serie, los Rangers ya no son adolescentes con actitud. Revisitarles como adultos completamente realizados permite un nivel de complejidad emocional que la serie original nunca pudo alcanzar. Es una jugada audaz.

La decisión de reunir al equipo original en formato de cómic también puede reflejar la creciente libertad creativa que ha encontrado la franquicia en los últimos años. Si bien la serie de televisión sigue siendo una piedra angular, a menudo se ha visto limitada por la necesidad de atraer a un público más joven y vender juguetes. Los cómics, por otro lado, se han convertido en un espacio para una narración más profunda y experimental. BOOM! Studios, que ha estado publicando cómics de Power Rangers desde 2016, ha recibido elogios por su capacidad para equilibrar la nostalgia con la innovación, creando historias que honran la historia de la franquicia al tiempo que la impulsan en nuevas direcciones.

El próximo número de cómic no se trata solo del equipo original. Es parte de una narrativa más amplia que abarca múltiples eras del universo Power Rangers. Desde crossovers con Rangers de diferentes líneas de tiempo hasta historias independientes más oscuras, el número promete explorar la mitología de la franquicia de maneras que se sienten frescas y ambiciosas. Pero la reunión del equipo Mighty Morphin es, sin duda, lo más destacado. Los fanáticos verán caras familiares como Billy Cranston, quien llama al equipo a la acción, y sentirán la ausencia de Tommy Oliver, un personaje cuyo legado se cierne sobre la historia. Con un reinicio de Disney+ en el horizonte y los cómics que continúan superando los límites, la franquicia está demostrando que es más que una reliquia de los años 90.

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X-Man: El Cómic de Cable que Superó las Expectativas

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Cable fue, en su momento, uno de los mutantes más populares. Debutó en 1990 con New Mutants #87 y rápidamente alcanzó una popularidad similar a la de Wolverine, obteniendo su primera oportunidad como protagonista en 1992 con Cable: Blood and Metal #1-2. Un ascenso notable que no tardaría en llevarlo a tener su propia serie regular. Si bien Cable no siempre fue una obra maestra, a menudo era bastante buena y se vendía bien. Al igual que todos los títulos de los X-Men de principios de los 90, formó parte de “Age of Apocalypse” y fue reemplazado por X-Man. Este nuevo título presentaba a la versión de Cable de ese universo: un joven clon creado a partir del ADN de Cyclops y Jean Grey por el Doctor Siniestro, llamado Nate Grey, y diseñado como un arma secreta contra Apocalipsis.

“Age of Apocalypse” es una historia legendaria, y X-Man, de Jeph Loeb y Steve Skroce, tuvo una oportunidad que ningún otro título de AoA recibió: continuó después del final de la saga. Siendo honestos, los primeros años del cómic fueron sensacionales. Durante poco más de dos años, X-Man fue el mejor título protagonizado por Cable, con la contribución de creadores como John Ostrander, Terry Kavanagh, Luke Ross, Roger Cruz, Val Semeiks, Alan Davis, Pasqual Ferry, Cary Nord, ChrisCross, Ariel Olivetti, Marc Pajarillo y J.H. Williams III, quienes realizaron un gran trabajo con el personaje a lo largo de 48 números. Cable siempre fue uno de los anti-héroes mutantes más populares de Marvel, pero X-Man logró explorar nuevas direcciones y ofreció a los lectores una serie de superhéroes clásica que no recibe el reconocimiento que merece.

X-Man Capturó la Esencia de los Primeros Spider-Man

Image COurtesy of Marvel Comics

Desde el principio, X-Man representó una ruptura con Cable, y creo que esa fue la principal razón de su éxito. Cable era exactamente el tipo de cómic que se esperaba en 1994. Loeb estaba desarrollando el pasado de Nathan en el futuro, introduciendo personajes como Blaquesmith y explorando direcciones ligeramente interesantes. Era muy representativo del cómic de antihéroes de principios de los 90; correcto para lo que era, pero nada especial, con un arte que solía ser mejor que el guion. X-Man, en cambio, era un cómic completamente diferente, con un adolescente traumatizado con un poder inmenso intentando encontrar su lugar en el mundo.

Los números de AoA siguieron a Nate, Forge, Toad, Sauron, Mastermind y Brute huyendo de Apocalipsis y Siniestro, lo que culminó con Nate en camino a enfrentarse a Apocalipsis. X-Men Omega #1 lo vio arrastrado por el Cristal M’Kraan al universo principal, y el número 5 se abrió con él intentando comprender lo sucedido y sobrevivir. El cómic alcanzó una segunda marcha durante este período, con la leyenda de Suicide Squad, John Ostrander, uniendo a Nate con Madelyne Pryor, mientras ambos comenzaban a causar sensación en el Universo Marvel, con batallas contra Xavier, su némesis de AoA Holocaust, Exodus, X-Cutioner y más. El breve paso de Ostrander por el título, desde el número 9 hasta que Terry Kavanagh comenzó a co-escribir en el número 15, fue tan bueno como se esperaba y preparó el terreno para la siguiente fase bajo la dirección de Kavanagh.

Kavanagh encontró el punto ideal del cómic cuando trabajó con el artista Roger Cruz. Dado que Nate era un adolescente, Kavanagh, quien había trabajado en Spider-Man durante un tiempo, cambió el enfoque del cómic a la vieja fórmula del Trepamuros, con algunos ajustes. Era una historia sobre un joven héroe intentando encontrar su lugar en un nuevo mundo, con enemigos y aliados aprovechándose de su inexperiencia. Nate consiguió un segundo compañero después de que Madelyne se marchara, en la figura de Threnody, y ambos se convirtieron en los héroes de Washington Square Park en Nueva York. Había la cantidad justa de angustia adolescente y tensión romántica, utilizando el entorno para poner a prueba a Nate con varios villanos, y eso atrajo a los lectores. Kavanagh incluso comenzó a desarrollar una amistad entre X-Man y Spider-Man, sacándolo del ámbito de los X-Men y posicionándolo como un nuevo héroe importante.

Spider-Man funcionaba porque era cercano, y Kavanagh le dio ese mismo aire a Nate. Funcionó a la perfección, y el arte de inspiración anime de Cruz fue clave. Pudo capturar la juventud de Nate y el cómic lucía moderno, y esa nueva energía fue un gran acierto. El arte de Skroce funcionaba mejor en la preparación porque podía capturar el poder de las grandes batallas en las que Nate luchaba bajo la dirección de Ostrander; sin embargo, el trabajo de Cruz era mejor para el ambiente de héroe de barrio que Kavanagh le dio al personaje. Además, la gran cantidad de artistas invitados y las series cortas le dieron al cómic una identidad visual diferente a la de la mayoría de los otros títulos mutantes. Era una anacronismo en muchos sentidos: un cómic mutante de los 90 que intentaba ser un cómic clásico de superhéroes adolescentes, y lo logró más a menudo de lo que fallaba.

X-Man Superó a Cable

X-Man guarding himself from attack with a telekinetic bubble
Image Courtesy of Marvel Comics

Cable era un cómic interesante, pero parecía venderse más por inercia. X-Man creó una nueva versión del personaje y lo llevó en una dirección completamente diferente a la que podría haber tomado Cable, intentando hacer algo inesperado. Nate Grey era un personaje muy diferente a Nathan Summers, y eso permitió a los escritores explorarlo en direcciones que mantuvieron el título relevante durante cuatro años.

X-Man a mediados y finales de los 90 se inspiró en la Edad de Plata de Marvel, situando al nuevo héroe en Nueva York y enfrentándolo a diferentes villanos, al mismo tiempo que lo unía a Spider-Man para que la conexión fuera aún más evidente. Kavanagh, quien escribió el cómic durante más tiempo que Loeb y Ostrander juntos, se inspiró en los cómics de Spider-Man de los años 70 para crear un título mutante totalmente diferente a cualquier otro en el mercado. En serio, X-Man (Vol. 1) #1-48 vale la pena echarle un vistazo; es lo mejor que ha sido Cable y es una joya oculta de Marvel de finales de los 90.

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Rachel Summers: ¿Recupera su nivel Omega y qué significan las clasificaciones de poder mutantes?

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En el universo Marvel, el nivel Omega representa la cúspide del poder mutante. Los mutantes clasificados como Omega son los más poderosos en sus respectivas habilidades, convirtiéndose en amenazas formidables. Esta clasificación se originó en la historia “Days of Future Past” en 1986, cuando Rachel Summers recibió la designación, indicando que su “límite superior” de poder era desconocido. Desde entonces, el concepto ha evolucionado y la lista de mutantes que califican como “nivel Omega” también ha cambiado.

Uno de esos cambios incluyó la pérdida de la designación Omega de Rachel Summers durante la era Krakoana, algo que no sentó bien a muchos fans de los X-Men. Sin embargo, ahora Marvel parece estar corrigiendo el rumbo y restaurando el estatus de Rachel. Aunque es hora de reconocer el poder de Rachel, esto plantea algunas interrogantes.

Quentin Quire Reconoce que Rachel Summers es Más Fuerte que Él

En Omega Kids #3, Quentin Quire enfrenta un problema importante. Los Omega Kids que ha estado entrenando lo han paralizado psíquicamente y han iniciado un protocolo telepático para eliminar a cualquier mutante que haya tenido un solo pensamiento negativo sobre Revelation, llevando a cabo, en esencia, un genocidio mutante. Rachel esencialmente tiene que rescatarlo para que los niños puedan ser detenidos, pero cuando se preparan para enfrentarse a los Omega Kids, Quentin le dice a Rachel que ella no puede ir.

Rachel protesta al serle dicho que no puede ir a detener a los Omega Kids con él, pero Quentin le dice que si lo que van a intentar no funciona, “alguien más fuerte tendrá que venir a limpiar mi desastre”. La implicación es que Rachel es más fuerte que él, y eso es significativo. La era Krakoa de los X-Men vio a Quentin clasificado como nivel Omega, pero a Rachel se le retiró ese nivel de poder. Por lo tanto, si Quentin ahora señala que Rachel es la persona más fuerte que necesitaría limpiar su desastre, eso la convertiría también en nivel Omega.

¿Son Relevantes las Clasificaciones de Poder de los X-Men?

Sin embargo, con Rachel aparentemente restaurada al nivel Omega gracias al reconocimiento de Quentin, surge una pregunta más importante que va más allá de lo que significa para su clasificación real. Esa pregunta es si las clasificaciones de poder siquiera importan. La realidad es que Marvel no es particularmente consistente con quién es o no nivel Omega, y tampoco lo hace muy bien al establecer exactamente qué significa eso. En X-Men #13 a principios de este año, Charles Xavier se declaró también nivel Omega y luego redefinió lo que significa, incluyendo que no hay límite para ese nivel de poder, antes de proponer algunos conceptos complicados de “otras variables” para determinar cómo lucharían dos mutantes de poder aparentemente igual.

Con el concepto de nivel Omega volviéndose cada vez más complejo y la lista de quién está y quién no en ese nivel aparentemente arbitrario (porque, seamos honestos, hay varios mutantes que son casi estúpidamente poderosos que por alguna razón no son formalmente nivel Omega), nos preguntamos si siquiera importa. Al final del día, muchas de las batallas entre mutantes y otros personajes en el universo Marvel se reducen a variables que van más allá de sus conjuntos de habilidades, y si hay otras formas de medir las fortalezas reales de cualquier personaje, ¿realmente importa quién es nivel Omega y quién no? Omega Kids #3 parece dejar claro que incluso los mutantes más poderosos pueden hacer cosas bastante tontas, después de todo.

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