Uno de los filmes británicos favoritos de la última década es Medusa Deluxe, un intrigante thriller de asesinato en una peluquería filmado en un solo plano secuencia, el debut como director de Tom Hardiman. Una película que, según confiesa, ha recomendado a todo aquel que quisiera escucharla desde que la vio hace unos años en el Manchester Film Festival (actualmente disponible en BBC iPlayer, así que no hay excusa para perdérsela). Impresionado por su trabajo, se puso en contacto con Hardiman para una entrevista, que derivó en dos largas conversaciones sobre su carrera, su obra y el cine en general.
Hardiman explica que su camino hacia el cine fue poco convencional, proveniente de una formación en artes visuales y comenzando su carrera en los departamentos de arte de programas infantiles de televisión. Asegura que el estudio de la historia del arte fue fundamental para su enfoque cinematográfico: “Te hace pensar en lo que es nuevo en tu época y cómo puedes desarrollarlo… Creo que eso es lo que aportan los directores con formación artística al cine. Son los más experimentales, los que se atreven a lanzarse de cabeza”.
Esta versatilidad se refleja en su filmografía, que incluye, antes de su largometraje, el corto Radical Hardcore, una mezcla audaz de música techno y alfombras, videoclips para artistas como Mura Masa y Peggy Gou, y un corto animado de estilo Fleischer Brothers de los años 30 llamado Pitch Black Panacea.
Al preguntarle sobre las diferencias entre dirigir animación y acción real, Hardiman responde que, para él, no son tan distintas. “Haces exactamente lo mismo en términos de ‘¿Qué se supone que debe hacer esto? ¿Qué estoy tratando de comunicar con esta línea? ¿Cuál es el ritmo aquí?’. No es tan diferente”.
La colaboración es clave en su proceso creativo. “Hacer la animación en colaboración con Chris Cornwell, un animador brillante. Y, obviamente, Eugene Souleiman hizo el peinado en Medusa Deluxe, y confié en su habilidad porque yo no sé peinar. Es un genio. Y lo mismo con Chris en la animación. Hay ciertas personas en cada proyecto en las que confías más”.
Hardiman señala que, a diferencia de directores como Brad Bird, son pocos los que trabajan en ambos medios. Sugiere que esto no se debe a presiones de la industria, sino a la necesidad de mantenerse trabajando. “Para subsistir como director, es intenso. Tienes que aceptar proyectos para pagar el alquiler y la gente te dará proyectos en los que saben que puedes entregar resultados. Si estás haciendo muchas cosas por primera vez, te complicas mucho la vida para ganarte la vida”. Reconoce, con una sonrisa, que a él le gusta experimentar demasiado.
La conversación se centra en la animación, y Hardiman menciona Cloudy with a Chance of Meatballs como una de sus películas animadas favoritas. La describe como una obra que se sitúa “en el límite de lo convencional y lo experimental, una faceta interesante del cine mainstream que tiene un toque de rareza, pero que atrae a un público amplio sin dejar de ser experimental. Creo que Chris Lord y Phil Miller son los directores mainstream más experimentales que he visto”.
Esta búsqueda de lo inusual es evidente en Medusa Deluxe, una película que, a pesar de su extrañeza formal y narrativa, resulta sorprendentemente atractiva. Hardiman y el entrevistador discuten otros cineastas que encajan en esta categoría, mencionando a las Wachowski (The Matrix), quienes, según Hardiman, “siempre están probando cosas nuevas” y combinan elementos mainstream y subculturales. También hablan de Speed Racer, la aclamada y luego criticada secuela de la trilogía de The Matrix. “Mencioné que Speed Racer era una película interesante y me miraron como si estuviera loco”, comenta Hardiman, “pero creo que es obviamente interesante, aunque no sé si es exitosa. Las Wachowski son, sin duda, interesantes”.
También cita a Yorgos Lanthimos y Paul Thomas Anderson como ejemplos contemporáneos, pero añade que a veces la innovación reside en un solo trabajo o incluso en un aspecto específico, como el plano secuencia que atraviesa todo el edificio en Panic Room. “Esa es una toma bastante loca y crea una tensión interesante. Lo que me interesa es descubrir quiénes son los que están superando los límites”.
La conversación se extiende a otros ejemplos, como Peter O’Toole en Lawrence of Arabia y Paul Schrader en Mishima. Hardiman se muestra abierto a explorar diversas ideas y conceptos cinematográficos.
Volviendo a Medusa Deluxe, Hardiman explica que la película se presenta como un único plano secuencia, pero a diferencia de otras películas similares como 1917, no hay escenas de acción espectaculares, sino una conversación ininterrumpida a lo largo de todo el metraje. “No me interesan las grandes epopeyas ni las películas de ciencia ficción llenas de acción. No es lo que busco en el cine”.
“Me cautiva más la conversación y la forma en que podemos entender a las personas a través de lo que dicen”. El uso de la técnica del plano secuencia enfatiza la importancia del diálogo ingenioso y bien escrito. “Creo que la verdadera pregunta es: ¿cómo adaptar las técnicas cinematográficas mainstream a momentos más sutiles? Si van a usar ‘bullet time’ para alguien esquivando una bala, ¿cómo usar esa técnica para personas hablando alrededor de una mesa?”
Una de las cosas que más le gusta de Medusa Deluxe es el peso que se le da a la conversación. La analogía con el ‘bullet time’ es acertada, ya que un intercambio sobre peinados puede ser tan tenso como un tiroteo.
La comedia también es fundamental para el éxito de la película, algo que Hardiman valora mucho. “Permite hacer mucho en términos de narración, porque un chiste puede hacer varias cosas a la vez: hacer reír a alguien, revelar algo sobre el personaje y, al mismo tiempo, avanzar la historia. Es una herramienta muy hábil para un narrador”. Una vez más, menciona a Paul Thomas Anderson como un maestro en este arte.
Pero Hardiman cree que la comedia en el cine no es solo útil para contar historias. “La comedia es una parte importante del realismo. Todos hemos pasado por momentos difíciles en la vida, y no siempre hay risas, pero a menudo, incluso en los peores momentos, alguien hace un chiste para aliviar la tensión, aunque no funcione. Creo que el humor y la comedia son una parte extremadamente importante de la vida, y el realismo no funciona sin ellos”.
Este punto de vista es fácil de compartir, y Hardiman reconoce que es una cuestión personal. “No quiero criticar el trabajo de otros cineastas”, dice con humildad.
Para Hardiman, la comedia también es una forma de “intentar hacer que el cine experimental sea más accesible”. Menciona como influencias la escritura postmodernista de Donald Barthelme y la película Slacker de Richard Linklater, en particular “la conversación en cadena”.
También habla de películas que admira pero que no considera influencias directas en su trabajo. Menciona su amor por la cineasta francesa Claire Denis, pero reconoce que al comenzar a hacer películas, se dio cuenta de que era una persona diferente y que, aunque ama sus películas, nunca hará nada parecido. En cuanto a la Nueva Ola de Hollywood de los años 70, aunque aprecia ciertas películas de la época, siente que algunas conversaciones culturales están sobreexplotadas. “No necesito ver otra película sobre un hombre luchando con su lugar en el mundo a mediados de los 20 y enloqueciendo. Ya he visto esa película cientos de veces entre 1970 y 1985, y aunque te gusten, es difícil inspirarse en ellas porque las conversaciones son radicalmente diferentes ahora, estamos lidiando con una forma diferente de masculinidad tóxica”.
Finalmente, al preguntarle sobre las mejores películas del año, Hardiman responde: “No puedo elegir una favorita”. Menciona One Battle After Another, Misericordia, Pillion, Sorry Baby y Marty Supreme (cuando se estrene) como ejemplos de un gran año para el cine.
