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Marc Newson: 40 años de diseño en Château La Coste

by Editora de Entretenimiento abril 14, 2026
written by Editora de Entretenimiento

El prestigioso centro de arte y hotel Château La Coste, ubicado cerca de Aix-en-Provence, Francia, se ha convertido en el escenario de una exposición excepcional que reúne cuatro décadas de trayectoria del influyente diseñador australiano Marc Newson.

La muestra, que se extiende desde el 15 de marzo hasta el 21 de junio de 2026, presenta catorce obras icónicas distribuidas entre el paisaje provenzal y el interior del Auditorio Oscar Niemeyer, el pabellón acristalado que representó la última obra del arquitecto brasileño.

El regreso de «Electra»

Uno de los puntos más destacados de la exhibición es la escultura Electra, una pieza monumental de seis metros de altura que se presenta aquí por primera vez. Newson describe la obra como un «diapasón gigante» con dos lóbulos en la parte superior, la cual fue producida originalmente en los años 90 por una fundición de aluminio en Newport Pagnell, Inglaterra.

El regreso de "Electra"

Curiosamente, Electra fue comisionada en 1994 para los Juegos Olímpicos de Atlanta 1996, compartiendo proyecto con diseñadores como Ron Arad y Alessandro Mendini. A pesar de haber sido trasladada posteriormente a Sídney para los siguientes juegos, la pieza nunca fue instalada en ninguna de las dos ciudades. Tras más de 30 años y haber recorrido el mundo, Newson logró localizarla y restaurarla completamente para que ahora sirva como umbral escultórico a la entrada del sitio.

Un diálogo entre diseño y arquitectura

Además de Electra, la exposición incluye la legendaria silla Lockheed Lounge (1988), pieza fundamental que ejemplifica el enfoque pionero de Newson. La selección de obras, que abarca desde el uso de aluminio y mármol hasta compuestos contemporáneos, busca generar un diálogo entre la libertad formal del diseñador y la arquitectura fluida de Niemeyer.

Esta colaboración fue posible gracias a las conversaciones mantenidas durante varios años entre Marc Newson y Paddy McKillen, el propietario irlandés de Château La Coste y destacado coleccionista de arte y diseño, quien posee diversas obras del autor.

abril 14, 2026 0 comments
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Friends Experience: Pop-up en Singapur – Entradas y fechas

by Editora de Entretenimiento febrero 6, 2026
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¡Buenas noticias para los fans de Friends! La exitosa experiencia inmersiva dedicada a la icónica serie de televisión llegará a Singapur, organizada por GMG Productions en colaboración con Warner Bros. Discovery Global Experiences.

Esta exposición itinerante ya ha cautivado al público en ciudades de Estados Unidos, Europa y Australia, con paradas destacadas en Nueva York y Las Vegas. Según Carlos Candal, director ejecutivo de GMG Productions, traer The Friends Experience a Singapur es una «maravillosa oportunidad para celebrar una de las series más queridas de la televisión con los fans de aquí».

Candal añadió que Friends ha generado «generaciones de risas y conexión», y que están entusiasmados de ofrecer a los seguidores la posibilidad de sumergirse en el universo de la serie de una forma completamente nueva.

La venta de entradas al público general comenzará el 12 de febrero. Sin embargo, aquellos que se unan a la lista de espera en la página web tendrán acceso anticipado a la compra de entradas a partir del 11 de febrero.

febrero 6, 2026 0 comments
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Iris van Herpen: Escultura Sensorial y el Futuro de la Moda

by Editora de Entretenimiento enero 22, 2026
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El BAM (Brooklyn Academy of Music) se ha consolidado como un espacio clave para las exhibiciones de moda, incluso después de que el Museo de Brooklyn transfiriera sus colecciones de vestuario al Costume Institute en 2009. Con una serie de exposiciones exitosas dedicadas a diseñadores como Virgil Abloh, Thierry Mugler, Christian Dior, Pierre Cardin y Jean Paul Gaultier, así como a temas más amplios como “Solid Gold”, “Africa Fashion” y “Studio 54: Night Magic”, ¿cómo encaja la nueva exposición “Sculpting the Senses” en esta trayectoria, y qué la distingue?

El curador de la exposición explicó que, en el caso de Dior, se incorporaron más de 20 obras significativas de la colección permanente del museo, estableciendo un diálogo entre los intereses de Christian Dior, sus sucesores y artistas con enfoques similares. Recordó que, en la década de 1950, Dior expresaba su preferencia por el negro, a pesar de la amplia gama de colores y tejidos disponibles, una convicción que resonaba con el trabajo de artistas como Louise Nevelson y Ad Reinhardt. Esta conexión visual entre los vestidos y las obras de arte fue un punto culminante de la exhibición.

En cuanto a Iris van Herpen, el curador señaló que sus fuentes de inspiración difieren de las de otros diseñadores, inclinándose hacia imágenes del universo acuático, dibujos del sistema nervioso y especímenes paleontológicos de millones de años de antigüedad. Esta singularidad confiere a sus creaciones un aspecto “de otro mundo” y completamente nuevo. Por ello, la exposición “Sculpting the Senses” incluye objetos como corales y una obra de Collectif Me que evoca una “porción de océano” dentro de la galería.

La exposición de Van Herpen no es una retrospectiva en el sentido tradicional, como lo fue la de Mugler, ya que la diseñadora sigue activa y su carrera está en constante evolución. Según Yokobosky, “el trabajo de Van Herpen se siente profundamente arraigado en el presente”. En consecuencia, la experiencia del visitante se centrará más en una historia en desarrollo que en una contextualización del trabajo de moda del pasado. El curador prefiere que los visitantes se sumerjan en la experiencia, que exploren lo que les resulta interesante y se lleven consigo una interpretación personal, en lugar de imponer una única lectura de la exposición. Esta aproximación curatorial refleja la forma en que se está pensando sobre el estilo en la actualidad.

Iris van Herpen, fall 2025 couture

Photo: Thomas Samson / Getty Images

enero 22, 2026 0 comments
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Exposiciones de anime y manga: el auge del arte pop japonés

by Editora de Entretenimiento diciembre 27, 2025
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Lo que antes se consideraba desechable en la industria del anime, los materiales de producción, ahora se valora como arte. En 2025, la cantidad y variedad de exposiciones dedicadas al anime, manga, videojuegos y otros elementos de la cultura pop japonesa han aumentado considerablemente.

Este mes, en Tokio, los aficionados pueden disfrutar de muestras que celebran el 30º aniversario de «Neon Genesis Evangelion», la obra del pionero diseñador de personajes y director de animación de «Mobile Suit Gundam», Yoshikazu Yasuhiko, el popular manga de los años 80 «City Hunter», el trabajo del aclamado animador Takeshi Honda y los videojuegos de Capcom, incluyendo «Street Fighter» y «Resident Evil».

Estas exposiciones se llevan a cabo en diversos lugares, desde el Ueno Royal Museum hasta Anime Tokyo Station, inaugurado en 2023 y que se ha convertido en un espacio permanente para exhibir y preservar obras de arte de anime, incluyendo cels de animación, arte de fondo y materiales de planificación. El año pasado también se abrió la Shueisha Manga-Art Heritage Tokyo Gallery en Azabudai Hills, el primer espacio expositivo dedicado al manga por parte de la editorial, con una exposición de arte original de «One Piece», seguida de pergaminos de «Bleach» bendecidos en una ceremonia budista y una próxima exposición en tres partes de obras de arte de «JoJo’s Bizarre Adventure».

©EIICHIRO ODA / SHUEISHA INC.

El anime, el manga y los videojuegos se han consolidado como formas de arte por derecho propio, pero también existe un componente financiero en este creciente espacio expositivo. En la última década, las ventas de medios físicos como DVDs y Blu-rays, que antes eran un pilar financiero clave de la industria del anime, han disminuido, mientras que los ingresos por eventos en vivo, como conciertos, han aumentado. De manera similar, las ventas de manga impreso han disminuido a favor de las aplicaciones y sitios web de manga. Según un informe de la Asociación de Animaciones Japonesas, los museos y exposiciones relacionados con el anime generaron un récord de 17.300 millones de yenes (aproximadamente 111.17 millones de dólares) en 2023.

La explosión del turismo postpandemia también proporciona más público potencial para este tipo de exposiciones, ya que muchos amantes de la cultura japonesa se sienten atraídos por el país gracias a sus exportaciones culturales. Las exposiciones de anime y manga pueden ser una insignia de honor turística para los fans, y las ediciones limitadas ofrecen un itinerario único además de las exposiciones permanentes como el Museo Ghibli, que también es muy popular.

Sin embargo, no todas las exposiciones son iguales. Los curadores deben decidir cómo utilizar de manera más efectiva el espacio que tienen y las obras que pueden exhibir. Algunas exposiciones presentan una visión cronológica directa de los materiales detrás de escena, mientras que otras son más conceptuales, como la exposición de este año «Godzilla The Art Exhibition«, que utilizó al monstruo cinematográfico como punto de partida para obras de arte originales.

Cuando se utilizan materiales originales, el anime anterior a los años 2000 tiene ciertas ventajas. Esto se debe a que fue animado con cels físicos pintados a mano que son un placer para examinar de cerca. Hoy en día, el anime todavía se dibuja principalmente a mano, pero los fotogramas se escanean y se finalizan mediante software de animación, o se ilustran directamente en tabletas digitales, por lo que hay menos material físico para admirar. Esta diferencia es evidente, por ejemplo, en la actual exposición «All of Evangelion» en Tokyo City View en Roppongi Hills, que presenta materiales tanto de la serie de televisión original de 1995 como de sus películas de reinicio de la década de 2000.

“All of Evangelion,” an exhibition at Tokyo City View in Roppongi Hills, features materials from both the original 1995

“All of Evangelion,” an exhibition at Tokyo City View in Roppongi Hills, features materials from both the original 1995 «Neon Genesis Evangelion» TV series and its 2000s reboot films.
| © KHARA / PROJECT EVA

Otras exposiciones acercan aún más a los espectadores al arte involucrando activamente a los artistas de manga o anime. Una de mis exposiciones favoritas de este año, la retrospectiva del Museo Literario de Setagaya sobre el artista de manga Masamune Shirow (de la fama de «Appleseed» y «Ghost in the Shell») presentó extensas notas de Shirow que ofrecieron nuevas perspectivas sobre sus mundos cyberpunk e influencias, incluyendo un voraz apetito por revistas científicas, lo que podría explicar por qué su trabajo se siente tan adelantado a su tiempo. El hecho de que las notas contuvieran una excelente traducción al inglés tampoco perjudicó.

Para 2026, habrá una retrospectiva de las múltiples adaptaciones al anime del manga «Ghost in the Shell» de Shirow, entre otros espectáculos, incluyendo una mirada a la creación de la exitosa película de anime «Look Back«.

No existe un enfoque único para una exposición exitosa. Algunas pueden apoyarse en la participación de sus respectivos artistas, mientras que otras deben confiar en el acceso a archivos y una curación exhaustiva (la retrospectiva de este año sobre el difunto director Isao Takahata es un gran ejemplo de esto último). Si bien algunas exposiciones parecen poco más que una oportunidad de negocio, las mejores ofrecen a los visitantes una nueva perspectiva sobre sus títulos favoritos y un recordatorio de que incluso el manga y el anime más épicos comienzan con alguien sentado y poniendo lápiz sobre papel.

diciembre 27, 2025 0 comments
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