‘Tristana’ llega al Teatro Pérez con una propuesta basada en el libreto de la obra homónima de Benito Pérez Galdós. Esta puesta en escena cuenta además con el guion de Luis Buñuel y Julio Alejandro.
El joven actor Timothée Chalamet se encuentra en el ojo de la tormenta tras unas declaraciones que han generado indignación, especialmente en las comunidades de la ópera y el ballet. El revuelo comenzó a raíz de la viralización de un video donde Chalamet conversaba con Matthew McConaughey sobre la dificultad de captar la atención del público actual y la viabilidad de películas de ritmo lento.
Si bien Chalamet reconoció que a los jóvenes les gustan películas como «Frankenstein» en Netflix, expresó su preocupación por la presión de promocionar el cine como algo «serio» para atraer a quienes buscan entretenimiento inmediato. «Estoy en medio de esto, Matthew,» comentó Chalamet en el video. «Admiro a la gente –y yo mismo lo he hecho– que va a programas de entrevistas y dice, ‘Tenemos que mantener vivos los cines, este género no debe morir’. Pero, por otro lado, siento que si la gente quiere ver algo, como el fenómeno de ‘Barbie’ o ‘Oppenheimer’, lo harán por sí mismos y se sentirán orgullosos de ello.»
La polémica estalló cuando, con tono jocoso, comparó el cine con la ópera y el ballet. «No quiero trabajar en ballet u ópera donde la atmósfera sea como, ‘¡Por favor, mantengan viva esta forma de arte, cuando en realidad a nadie le importa!’,» bromeó. Inmediatamente después, se disculpó, anticipando la reacción: «Lo siento a todos los bailarines y cantantes de ópera. Creo que acabo de perder algunos fans. Estoy buscando problemas donde no los hay.»
A pesar de su intención humorística, sus palabras fueron consideradas arrogantes y una falta de respeto hacia estas disciplinas artísticas. Instituciones de renombre como la Metropolitan Opera y el Royal Ballet respondieron publicando pruebas de entradas agotadas, en una clara indirecta al actor.
La crítica cinematográfica Angelica Jade Bastién, en un artículo para Vulture titulado «Film Is in Its Own Crisis, Timothée», señaló que Chalamet podría no ser consciente de la ironía de sus palabras. Bastién argumenta que el actor refleja la ansiedad que también afecta a la industria del cine, que lucha contra una crisis de identidad, la dependencia de secuelas y una disminución en la asistencia a las salas.
El artículo destaca cómo Chalamet, a menudo visto como un representante de la nueva generación de actores «serios», podría estar atrapado en una mentalidad que ignora la historia del arte. «Chalamet podría no darse cuenta, pero está expresando un miedo que sus compañeros no reconocen. Hay una ansiedad inteligente detrás del caos público que ha creado,» escribió Bastién.
La controversia no ha pasado desapercibida para el mundo de la ópera y el ballet, quienes han aprovechado la oportunidad para promocionar sus espectáculos. Algunos teatros incluso han ofrecido códigos de descuento utilizando el nombre «CHALAMET» como una forma creativa de protesta e invitación para que el actor presencie por sí mismo el interés que aún existe por estas artes.
Artistas como la cantante de ópera canadiense Deepa Johnny, expresaron su decepción, afirmando que la magia del teatro en vivo, el ballet y la ópera son incomparables. «Deberíamos apoyarnos mutuamente entre las diferentes disciplinas artísticas, en lugar de derribarnos,» enfatizó Johnny.
De manera similar, el cantante de ópera irlandés Seán Tester, criticó en Instagram la simplista equiparación entre «popularidad» y «valor cultural» que, según él, subyace en las declaraciones de Chalamet. Para Tester, el ballet y la ópera no son reliquias del pasado, sino artes «vivas», en constante evolución e interpretación. «Es extraño que un artista con influencia global como él considere irrelevantes la ópera y el ballet. Estas artes han sobrevivido a numerosas guerras,» escribió. Y añadió: «Decir que estas formas de arte son irrelevantes no dice nada sobre el arte en sí, sino sobre el poco tiempo que esa persona ha dedicado a experimentarlo directamente.»
En resumen, la comunidad artística ha dejado claro que la falta de «tendencia» en TikTok no disminuye el valor o la importancia de estas expresiones culturales.
¿Puede nombrar rápidamente a siete estrellas importantes del ballet y la ópera? Si menciona a Jonas Kaufmann, Anna Netrebko, Misty Copeland y Marianela Núñez, es un verdadero aficionado a las artes. Felicidades. Si se quedó rascándose la cabeza, no está solo. Ahora, intente enumerar a siete actores de Hollywood importantes en la actualidad. Apuesto a que su mente se llena de tantos nombres que no sabe por dónde empezar.
Uno de esos nombres podría ser Timothée Chalamet, el joven y delgado actor de 30 años que a la gente le encanta odiar. Hace unas semanas, Chalamet era considerado el favorito para ganar el Oscar al mejor actor por su papel de un joven y arrogante estrella de ping-pong en “Marty Supreme”, pero desde entonces su popularidad ha disminuido debido a su creciente reputación de ser una estrella de cine arrogante, agravada por su relación con Kylie Jenner.
Chalamet generó aún más antipatía durante el fin de semana (aunque la votación para los Oscar ya había cerrado) con comentarios que hizo sobre las artes durante un programa de Variety y CNN con Matthew McConaughey en febrero. Durante esa conversación, que llegó a 8.35 millones de personas en todo el mundo, Chalamet le dijo a McConaughey cuánto apreciaba a las personas que se esforzaban por mantener vivos los cines en un momento en que el streaming está socavando esa experiencia.
Luego, cambió de tema con una declaración contundente: “No quiero trabajar en ballet u ópera o en cosas donde sea como, ‘¡Eh! Mantengan viva esta cosa’. Aunque es como si a nadie le importara más”.
Se rió antes de empeorar las cosas: “Con todo el respeto a la gente del ballet y la ópera… creo que he perdido 14 centavos de audiencia. Estoy disparando sin razón”.
Vale la pena detenerse un momento para apreciar las cifras en juego. Una conversación entre dos celebridades de Hollywood llegó a más de 8 millones de personas en todo el mundo, y Chalamet señaló que si todos sus fans de la ópera y el ballet dejaran de amarlo, perdería 14 centavos de audiencia. Doblemente doloroso. Parafraseando a Homero Simpson, “Es triste porque es verdad”.
Antes de que me lancen tomates, escúchenme. No estoy diciendo que a nadie le importe la ópera o el ballet, ni que Chalamet no debiera haber dicho eso, pero sí estoy diciendo que, en comparación con la presencia desmesurada de las celebridades de Hollywood en la imaginación pública, las artes escénicas son realmente una ocurrencia tardía. Y eso duele. Es por eso que los comentarios de Chalamet hicieron llorar a artistas y fanáticos de las artes trabajadores, mal pagados y fervientemente dedicados.
Soy una escritora de arte de larga trayectoria, y si tuviera un dólar por cada vez que un ejecutivo, director, intérprete o escritor de ópera, ballet, teatro o música clásica me dijera que su forma de arte tiene un “problema de juventud”, sería una mujer rica. Las bellas artes han luchado durante mucho tiempo con una audiencia que envejece, y han movido montañas para innovar de maneras que mantengan los géneros frescos para atraer a multitudes más jóvenes y entusiastas.
También están teniendo éxito. Aquí en Los Ángeles, la compañía de ópera vanguardista de Yuval Sharon, The Industry, ayudó a lanzar una verdadera revolución operística y catapultó la carrera de Sharon a la estratosfera: ahora debutará en el Metropolitan Opera, que tiene ya agotado todas las entradas. Y Nederlands Dans Theater está rompiendo las convenciones del ballet clásico, mientras que el Ballet de la Ópera de París y el Ballet de la Ciudad de Nueva York siguen siendo potencias a tener en cuenta.
El propio Chalamet se benefició enormemente de su familiaridad con el mundo del ballet. Su madre y su hermana estudiaron en la School of American Ballet, y creció en un rico ambiente de artes escénicas. La actuación, como ha demostrado Chalamet una y otra vez, requiere tanto un cuerpo ágil y flexible como una psique emotiva.
Pero esto no quita el hecho de que la asistencia a la ópera y el ballet en Estados Unidos es baja, lo que convierte a ambas formas de arte en increíblemente nicho. Según informes recientes de la industria, la venta de entradas para óperas y ballets estadounidenses oscila entre 1.4 y 3 millones cada año, dependiendo del año. Compare esas cifras con los 19 millones de espectadores promedio que sintonizan los Premios de la Academia cada año. El mismo número de personas que estarán animando activamente a Chalamet a ganar o odiándolo por su derrota.
También es revelador que mi opinión sobre la opinión de Chalamet sobre la ópera y el ballet probablemente tenga más clics que cualquier artículo que haya escrito a lo largo de los años sobre ópera y ballet.
De nuevo, por favor, no lancen el tomate. No soy yo quien hace clic. Ustedes son.
Un niño de un año y poco más de diez kilos de peso ha sido operado con éxito mediante cirugía robótica en el Hospital General Doctor Balmis.
Una ricerca pubblicata su The Lancet conferma che l’ADHD non è ancora pienamente compreso. Parallelamente, un nuovo libro offre una prospettiva innovativa, suggerendo che ansia e depressione potrebbero spesso mascherare la condizione.
Per anni, l’ADHD è stato interpretato come un problema di disciplina, difficoltà di concentrazione e mancanza di autocontrollo. Tuttavia, le neuroscienze stanno proponendo una nuova interpretazione: quella di un cervello che elabora, percepisce e interagisce con il mondo in modo diverso rispetto a ciò che consideriamo «normale». Non si tratta di un difetto da correggere, ma di una diversa modalità di essere umano.
Questa visione è promossa, tra gli altri, dal neuroscienziato Miguel Toribio-Mateas nel suo libro recentemente pubblicato, Cuerpo y mente. ADHD (Alienta Editorial), che potrebbe cambiare il modo in cui milioni di persone comprendono se stesse. Toribio-Mateas stesso ha ricevuto una diagnosi di ADHD e autismo in età adulta, dopo anni trascorsi senza comprenderne le ragioni.
In un’intervista a Europa Salus, lo scienziato ha spiegato che l’ADHD è un’esperienza che coinvolge sia il corpo che la mente, non una malattia, ma una condizione biochimica differente. Secondo Toribio-Mateas, le persone con ADHD sono naturalmente predisposte al pensiero divergente, ovvero alla capacità di collegare idee inaspettate e generare soluzioni originali. Ciò che può apparire come distrazione è spesso un sistema nervoso che opera secondo logiche più complesse di quanto si possa pensare, e che in determinate circostanze può rivelarsi un vantaggio.
Lo scienziato critica il linguaggio utilizzato nella letteratura accademica sull’ADHD, che spesso continua a definirlo una malattia. «Una persona con ADHD non è malata», sottolinea. Questa prospettiva ha delle conseguenze: la ricerca pubblicata su The Lancet evidenzia come l’ADHD sia sistematicamente sottovalutato in almeno cinque paesi, tra cui Germania, Regno Unito e Spagna. Molte persone coinvolte, prima di ricevere una diagnosi corretta, sono state curate per ansia o depressione, condizioni spesso causate da anni trascorsi cercando di adattarsi a un mondo non progettato per il loro modo di funzionare. «L’ansia, la depressione e l’esaurimento non derivano dall’ADHD stesso», spiega Toribio-Mateas, «ma dallo sbilanciamento tra ciò che l’ambiente si aspetta da noi e ciò di cui abbiamo realmente bisogno».
Ma come funziona esattamente un cervello con ADHD? Durante l’infanzia, la corteccia prefrontale – responsabile della pianificazione, della memoria di lavoro e del processo decisionale – matura più lentamente del solito. Si tratta di un ritardo, non di un danno strutturale. Nell’età adulta, le differenze anatomiche tendono a ridursi, mentre cambia il modo in cui le reti cerebrali interagiscono tra loro: il sistema limbico risulta più attivo, mentre il sistema della dopamina opera con picchi che possono ricordare, per intensità, l’effetto di sostanze stimolanti come la caffeina.
Questo, secondo lo scienziato, potrebbe spiegare perché alcune persone con ADHD manifestano comportamenti di dipendenza, non necessariamente legati a sostanze, ma anche ad altre attività. «A volte, le persone con ADHD si dedicano con tanta passione a qualcosa da immergersi completamente, concentrandosi esclusivamente su quella cosa, mentre il resto del mondo scompare. È semplicemente un’altra manifestazione di quella stessa funzione cerebrale che può causare problemi nella vita quotidiana.»
Hamburgo, Alemania — La ópera “Monster’s Paradise” (“Paraíso de Monstruos”), con música de Olga Neuwirth y libreto de Elfriede Jelinek, se estrenó mundialmente generando asombro y reflexión. La obra, una sátira mordaz, presenta a un Presidente-Rey glotón, voraz e insaciable, que es una clara parodia del expresidente estadounidense Donald Trump.
Tobias Kratzer, director artístico de la Ópera Estatal de Hamburgo, expresaba su incredulidad antes del estreno. “La metáfora se ha convertido en realidad”, comentó el domingo por la mañana. “Espero que, en ocho horas, la obra no quede obsoleta, porque hasta ahora se ha acercado cada vez más a dejar de ser una sátira para convertirse en una realidad palpable.”
Jelinek, de 79 años y ganadora del Premio Nobel de Literatura en 2004, colaboró con Neuwirth, de 57 años, por primera vez en dos décadas. Ambas autoras austriacas crearon un libreto en alemán. Neuwirth, galardonada con el Premio Grawemeyer de Composición Musical en 2022, fue la primera mujer compositora en presentar una obra en la Ópera Estatal de Viena tres años antes.
La atmósfera previa al estreno fue inusual, con miembros del coro disfrazados de zombis deambulando por los vestíbulos, junto a princesas al estilo Disney y perros calientes danzantes. La ópera comenzó con una señalización LED al estilo Las Vegas y acción en una pasarela.
Un clásico del siglo XIX como punto de partida
La inspiración para “Monster’s Paradise” proviene de la obra de 1896 de Alfred Jarry, “Ubu Roi”, una pieza escandalosa y escatológica que solo tuvo una representación en París debido a la reacción airada del público. Elementos de los personajes Rey Wenceslas y Ubu de Jarry fueron adaptados para crear al Presidente-Rey, en lo que Neuwirth y Jelinek describen como una ópera Grand Guignol, que tendrá seis funciones hasta el 19 de febrero. Posteriormente, la producción se trasladará a la Ópera de Zúrich del 8 de marzo al 12 de abril y, la próxima temporada, a la Oper Graz de Austria. Se planea una grabación de audio.
El Presidente-Rey hizo su entrada en una Oficina Oval dorada, con un refrigerador lleno de Coca-Cola. Una corona dorada descansaba sobre su escritorio, junto a un botón rojo que expulsaba a visitantes, como un imitador de Elvis Presley, al estilo de un programa de televisión, con el parpadeo de tres luces rojas en forma de X. En el fondo, se vislumbraba una mujer que recordaba a Melania Trump.
“Siempre he conocido la obra de Jarry, pero cuando Trump llegó al poder, inmediatamente pensé en ella”, declaró Jelinek en una respuesta por correo electrónico traducida del alemán.
Vampi y Bampi, un dúo de vampiros propensos a los juegos de palabras interpretados por Sarah Defrise y Kristina Stanek, son avatares de las autoras a lo largo de cinco escenas que duran 2 horas y 45 minutos. Actúan como las Sirenas del Rin y las Nornas de Wagner, enmarcando la acción. El Presidente-Rey (interpretado por Georg Nigl) se enfrenta a Gorgonzilla (Anna Clementi), un monstruo nacido de un accidente nuclear. Originalmente, la obra se titulaba “Godzilla”, pero el nombre fue cambiado por problemas de derechos.
Mickey y Tuckey, los adjuntos del Presidente-Rey, interpretados por los contratenores Andrew Watts y Eric Jurenas, están inspirados en Elon Musk y Mark Zuckerberg, según Kratzer, quien dirigió la producción. Cantan versos como: “Nadie tiene tantos números como tú”.
Charlotte Rampling, a través de varios videos proyectados, encarna a La Diosa, un personaje que defiende la naturaleza y la civilización. Gorgonzilla devora al Presidente-Rey, pero la criatura también se vuelve autoritaria. La ópera concluye con un video de los vampiros flotando en una plataforma sobre el Elba mientras tocan Schubert en un piano Bösendorfer, preocupados por la posibilidad de que la Tierra haya sido destruida por sus líderes.
Una representación extravagante de un personaje similar a Trump
El Presidente-Rey adquiere dimensiones gigantescas mientras viste un pañal y una corbata dorada, en el diseño de vestuario y escenografía de Rainer Sellmaier. Planta un palo de golf en la roca de Gorgonzilla, al igual que en la foto generada por IA de la Casa Blanca que mostraba a Trump aterrizando en Groenlandia. El Presidente-Rey se jacta de haber ganado “Ohoho” y “Tuxus”, y su ventaja en “Pennsilfania” es abrumadora.
Vestidos con máscaras de Kermit el sapo y Miss Piggy, los vampiros atacan al Presidente-Rey con mazas y sierras, sin causar ningún impacto. La vampira que representa a Miss Piggy simula disparar un rifle, lo que provoca que el Presidente-Rey levante el puño en desafío.
“Las personas en el poder siempre temen al humor”, afirmó Neuwirth. “Por ejemplo, Hitler tenía mucho miedo de ‘El Gran Dictador’ de Charlie Chaplin; la veía en secreto en su habitación de Berlín, porque temen ser ridiculizados. Tienen un ego que no debe ser cuestionado”.
Neuwirth compuso para una orquesta del tamaño de Mozart, añadiendo una guitarra eléctrica y una batería, y los personajes a menudo utilizan el Sprechstimme, una técnica de canto hablado. El director Titus Engle fusionó los diversos géneros musicales de Neuwirth.
“No estoy interpretando al presidente estadounidense, pero es muy cercano”, dijo Nigl. “Estoy interpretando a un misógino. Estoy interpretando a un fanfarrón. Estoy interpretando a un estafador, a un despreciador”.
Nigl interpretó al presidente ruso Vladimir Putin el año pasado en “Die Kreide im Mund des Wolfs (La tiza en la boca del lobo)” de Gordon Kampe. Nigl señaló que sus palabras más importantes en esta ópera son cuando canta: “Quien tiene millones no necesita votantes”.
La reacción de Trump está en sus mentes
Neuwirth prometió: “Nunca más escribiré una ópera”, añadiendo que revelará el motivo más adelante.
Es consciente de que podría enfrentarse a repercusiones por parte de la administración estadounidense.
“Tengo un poco de miedo, porque quiero seguir entrando en Estados Unidos”, admitió.
Jelinek, por su parte, se mostró imperturbable.
“No tengo miedo. Soy una mujer europea pequeña e insignificante”, escribió en sus respuestas por correo electrónico.
Dialogues des Carmélites, la ópera de Francis Poulenc estrenada en 1957 en la Scala de Milán, es descrita por Olivier Py como una obra oscura, trágica y profundamente conmovedora, con un atisbo de trascendencia al final. Basada en una obra de Georges Bernanos, la ópera se sumerge en el clima de terror revolucionario que persiguió a las comunidades religiosas, explorando los conflictos internos de las carmelitas de Compiègne en su camino hacia la guillotina.
La producción de Olivier Py, que ya cosechó éxitos en 2013 en el Théâtre des Champs-Elysées de París, destaca la figura de Blanche de La Force, el personaje principal. Esta joven aristócrata, marcada por su naturaleza tímida y obstinada, abandona los privilegios de la nobleza para abrazar una vida monástica. El libreto plantea interrogantes sobre sus verdaderas motivaciones, sin ofrecer respuestas definitivas, y es precisamente esta ambigüedad la que permite al público adentrarse en las profundidades de la psique humana.
Bernanos plantea la idea de que se muere por los demás, en lugar de uno mismo, evocando el sacrificio de Cristo como un acto de entrega para alcanzar la vida eterna.
El tenor samoano Pene Pati deslumbra en el rol titular de la ópera de Massenet, dirigida por Raphaël Pichon con su conjunto Pygmalion, en el escenario de la Opéra-Comique. La puesta en escena, sobria y a cargo de Ted Huffman, realza la pureza y la fuerza de este drama sobre un amor desafortunado, mientras la música encantadora de Massenet despliega todo su esplendor.
“Mi sueño de música: la verdad”
®Jean-Louis-Fernandez
Estrenada en Viena el 16 de febrero de 1892, esta obra en cuatro actos y cinco escenas, que no tuvo el éxito esperado debido al escándalo moral provocado por el suicidio del héroe, marcó profundamente al compositor Jules Massenet. “Atesoro especialmente este drama porque en él logré lo que siempre ha sido mi sueño en la música: la verdad”, escribió sobre su creación. Inspirada en Las desventuras del joven Werther de Goethe, Massenet modifica ligeramente la historia, presentando a Charlotte como una verdadera amante que se une a Werther en un final trágico. El director Raphaël Pichon opta por resaltar esta búsqueda absoluta, este amor imposible –dado que Charlotte está casada–, con la precisión y la aspereza de instrumentos de época. Lejos de los violines melosos y los movimientos grandilocuentes, su orquestación, brillante desde el preludio, se adapta íntimamente a la nerviosidad, el contraste, la inestabilidad y la tensión psicológica que electrifican las emociones y las relaciones entre los personajes, como si se tratara de una disección clínica.
Deseo y desesperación
®Jean-Louis-Fernandez
El tenor Pene Pati encarna a Werther con una facilidad que combina intimidad y calidez vocal, desplegando colores inéditos en este personaje radiante y desesperado. Su carisma y sencillez cautivan al público desde su primera aparición. Con una potencia vocal natural, su timbre se matiza con una diversidad de tonos, capaz de explotar en un torrente de agudos que rivalizan con los metales sonoros de la orquesta. Es un apasionado, feliz de amar, con un idealismo solar, que respeta, a pesar de sí mismo, la unión de Charlotte con Albert, admirando la forma maternal en que la joven cuida de sus hermanos tras la muerte de su madre. Adèle Charvet retoma el papel de Charlotte, que interpretó el año pasado en Ginebra, deslizándose suavemente y con sobriedad en este personaje de mujer sabia, con una línea de canto contenida y una emoción que despliega su intensidad en el acto III con la conmovedora aria “Va ! Laisse couler mes larmes”. Su hermana pequeña, Sophie, es interpretada con brillantez por la joven soprano Julie Roset, que hace vibrar al personaje con sus agudos celestiales.
La naturalidad de una puesta en escena austera
®Jean-Louis-Fernandez
El resto del elenco está a la altura de las exigencias musicales, con John Chest en el papel del marido Albert, Christian Immler como el autoritario Bailli, Jean-Christophe Lanièce y Carl Ghazarossian interpretando a los compañeros Johann y Schmidt. Toda esta sociedad, junto con los niños solistas de la Maîtrise populaire de l’Opéra-Comique, evoluciona en un escenario único: paredes negras que dejan a media altura la jaula escénica, mesas y sillas para las comidas, y un órgano para la iglesia del domingo por la mañana. La intensa luz de Bertrand Courderc inunda el escenario, como para acentuar el contraste entre la intensidad secreta de los sentimientos y la franqueza de una verdad que se revela. De hecho, la sala misma permanece iluminada, como si debiéramos ser testigos del drama. No está claro si la extrema sobriedad de un decorado único, esta luz intensa y los trajes de elegancia sobria contribuyan a intensificar la emoción. Pero el canto y la música lo conquistan todo, y el público, cautivado, ovaciona a los intérpretes.
Hélène Kuttner
Ipu Laga’aia, un talentoso barítono de origen samoano y tongano, se prepara para brillar en el escenario de Opera in the Park este mes en Auckland. El artista, quien fue el artista destacado de la Ópera de Nueva Zelanda en 2025, debutó profesionalmente el pasado septiembre interpretando al héroe Teseo en The Monster in the Maze.
Laga’aia también forma parte, desde hace una década, del cuarteto The Shades, un grupo vocal clásico que ha tenido el honor de cantar el himno nacional para el equipo de netball Silver Ferns y de ofrecer entretenimiento previo a los partidos durante la gira de los British and Irish Lions en 2017.
Además de su carrera musical, Laga’aia dedica su tiempo como trabajador social en Barnardo’s y la Fundación Graeme Dingle. Sus tres hermanas mayores le apodaron cariñosamente “Princesa”, porque, según ellas, “siempre se sale con la suya”.
Criado en la fe católica por sus padres samoanos, Laga’aia cantó Ave Maria como el Ángel Gabriel en una obra navideña cuando tenía solo 7 años. Su conexión con la música y la fe se fortaleció aún más durante un viaje de dos semanas a Italia con un grupo de su iglesia, donde tuvieron asientos en primera fila para una audiencia papal con el Papa León XIV en la Plaza de San Pedro, ondeando las banderas de Samoa y Nueva Zelanda.
Laga’aia, de 29 años, estudió canto clásico en la Universidad de Auckland y sorprendió a Dame Kiri Te Kanawa con una serenata durante la gala de renombración del Aotea Centre, ahora llamado en honor a la renombrada soprano.
Además de encabezar dos espectáculos de Opera in the Park este mes, Laga’aia subirá al escenario del Bruce Mason Centre el 23 de febrero como parte de un concierto gratuito de la Ópera de Nueva Zelanda que inaugura la temporada Auckland Live Morning Melodies.
Para Laga’aia, cantar es su vocación, y el tiempo que pasó en Italia no solo profundizó su fe, sino que también “encendió una chispa” para perseguir más seriamente su talento en el extranjero.
Dos miembros de The Shades ya están radicados en Europa. El tenor Manase Latu, quien interpretó el papel principal en la producción de 2024 de la Ópera de Nueva Zelanda de Le comte Ory, es miembro de la Opera Troupe en París. El bajo-barítono Samson Setu actualmente se presenta en Don Giovanni con la Opera Vlaanderen de Bélgica en Amberes.
El cuarteto, que también incluye al barítono Taka Vuni, se conoció el primer día de universidad, uniendo fuerzas como los únicos isleños del Pacífico en el curso.
En muchos sentidos, Laga’aia se sintió como en casa en Italia. El idioma tiene un ritmo similar al samoano, y la cultura familiar también resonó con él. Sin embargo, lo que realmente enamoró, fue la pizza.
“No creo que pueda volver a comer pizza aquí”, dice riendo. “Cada vez que ves a los italianos cocinar, están sonriendo y riendo con la gente que los rodea. Cocinan con amor y eso es lo que añade un toque especial al sabor”.
Joanna Wane es una destacada escritora de estilo de vida con un interés especial en temas sociales y las artes.
Miles de estudiantes de primaria en Savannah, Georgia, están a punto de vivir una experiencia musical única gracias al programa Musical Explorers del Savannah Music Festival. Durante la “Semana de Conciertos de los Exploradores”, que se llevará a cabo del 12 al 16 de enero, los alumnos de los grados K-2 asistirán a conciertos en el Trustees Theater y tendrán la oportunidad de conocer a músicos profesionales.
Estos conciertos son el punto culminante de la temporada 2025 del programa, que comenzó en julio. Los estudiantes explorarán a través de la música los géneros de la ópera, la música afrocubana y la música coreana, los cuales fueron el foco de estudio durante este año.
El programa Musical Explorers ha impactado a más de 60,000 estudiantes desde su inicio en 2014. Casi 8,000 alumnos participaron en la temporada actual. Las inscripciones para la temporada 2026 se abrirán en julio.
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