Las letras de esta canción de rock han logrado que se convierta en una pieza favorita para aquellos oyentes que se sienten abatidos, destacando versos como: “You look so tired, unhappy / Bring down the…”.
¿Qué año crees que ofreció las canciones de rock más pegadizas de todos los tiempos? ¿Qué período de 12 meses vio el lanzamiento de las canciones más memorables? Si tuviéramos que adivinar, el año 1995 estaría cerca o en la cima de nuestra lista. Y eso es precisamente lo que queríamos destacar aquí.
Queríamos demostrar que 1995 albergó algunas canciones de rock realmente geniales que también eran muy pegadizas. Una vez que las escuchabas, las conocías. De hecho, estas son tres canciones clásicas de rock de una sola palabra de 1995 que son a la vez nostálgicas y memorables.
“Ironic” de Alanis Morissette de ‘Jagged Little Pill’ (1995)
Los fans del rock todavía debaten esta canción hoy en día. ¿Qué significa ser irónico? ¿Las letras de Alanis Morissette coinciden con la definición? En cierto modo, no importa en absoluto. Lo que importa es que esta canción sonaba en todas las radios a mediados de la década de 1990. De hecho, en muchos sentidos, Morissette definió la década de 1990. Su voz, lamentándose y cantando a todo pulmón sus letras, es como una cápsula del tiempo hoy en día. La rockera lanzó tantas canciones memorables en esa época. Basta con volver a escuchar su LP, Jagged Little Pill, para recordarlo.
“Wonderwall” de Oasis de ‘(What’s The Story) Morning Glory?’ (1995)
Aunque los hermanos que lideraban Oasis parecían estar siempre enfrentados en la década de 1990, la banda lanzó algunas canciones muy memorables. Quizás la primera de ellas sea “Wonderwall”. ¿Qué es un wonderwall? ¿Quién sabe? Pero la canción, impulsada por la acústica, es ciertamente memorable. Gente de todo el mundo cogía guitarras de seis cuerdas e intentaba aprender esta canción para tocarla a sus citas el sábado por la noche. A pesar de su comportamiento brusco, Oasis ofrecía poesía y buenas vibraciones en sus canciones.
“Lump” de The Presidents Of The United States Of America de ‘The Presidents Of The United States Of America’ (1995)
Hablando de buenas vibraciones, eso es exactamente lo que The Presidents Of The United States Of America le dieron a sus fans en la década de 1990. Ya sea que cantaran sobre melocotones, gatitos o bultos, la banda sabía cómo sacar una sonrisa a los fans del rock. Quizás por eso el vocalista principal Chris Ballew se dedicó más tarde a la música infantil (Caspar Babypants). De hecho, la marca de rock caricaturesco de PUSA hizo que la gente cantara sus letras entonces y ahora.
Photo by Robin Little/Redferns
La banda canadiense Simple Plan se prepara para una serie de presentaciones en diferentes ciudades de Norteamérica. Según información difundida en sus redes sociales, el grupo visitará Long Beach, Montreal, Ciudad de México y Orlando.
En un mensaje publicado en Instagram, la banda recuerda a sus seguidores revisar sus carpetas de correo no deseado (spam) para asegurarse de no perder ninguna actualización sobre sus próximas giras y eventos. @simpleplan
Una canción es más que la suma de sus partes, pero cuando un momento se vuelve icónico por sí solo, el equilibrio se altera. Las tres canciones famosas que presentamos a continuación son universalmente queridas por su atractivo general, pero también cuentan con momentos clave que podrían destacar por sí mismos. Estas legendarias pistas son todas recordadas por un único instante durante su duración.
“In the Air Tonight” (Phil Collins)
Comenzamos con una elección bastante obvia: “In the Air Tonight” de Phil Collins. Esta balada rock de construcción lenta es amada por generaciones y es completamente singular en su género. La canción está impregnada de misterio. Aunque Collins ha dicho que la canción trata sobre el divorcio, una trama mucho más siniestra está en juego, manteniendo a los fanáticos entretenidos durante décadas.
Si bien la letra es suficiente para atraer a los oyentes, solo hay un momento que ha mantenido esta canción en conversación durante tanto tiempo: el icónico redoble de batería. Este es, posiblemente, el redoble de batería más famoso de todos los tiempos. Los oyentes esperan con aliento contenido a que Collins prepare esta obra maestra rítmica. Este es el tipo de magia que obtienes con un baterista como líder.
“I Will Always Love You” (Whitney Houston)
Whitney Houston añadió aún más drama a su icónica interpretación de la ya cargada de emoción “I Will Always Love You”. Toda la canción es muy memorable, pero el momento al que los fanáticos regresan una y otra vez es el golpe de batería antes del último coro.
Houston elevó la versión original de Dolly Parton de esta canción a otro nivel. Y luego se superó a sí misma con el final de “I Will Always Love You”. Cuando pensabas que Houston no podía ser más impresionante, entrega la nota alta acentuada por la batería.
“Gimme Shelter” (The Rolling Stones)
The Rolling Stones se esforzó al máximo para “Gimme Shelter”. Si bien la voz de Mick Jagger es impresionante, la adición de Merry Clayton le da a esta canción el toque que merece.
Se puede escuchar la voz de una mujer a lo largo de este clásico del rock, pero esa perspectiva se hace sentir con fuerza al final de la canción, cuando Clayton toma la delantera. Los fanáticos esperan este momento decisivo, considerándolo el punto culminante de esta legendaria pista.
(Foto por Brian Rasic/WireImage)
Hay canciones de rock que simplemente son imposibles de versionar adecuadamente. Ya sea por su instrumentación única, la inigualable calidad de sus intérpretes, o una vibra general que es demasiado difícil de replicar a la perfección. A continuación, exploramos algunos temas icónicos que encajan en la descripción de “imposibles de cubrir”.
Cabe destacar que algunos músicos sí se han atrevido a intentarlo con estas canciones. No se trata de decir que esos covers sean malos, sino simplemente de señalar que estos temas son casi imposibles de versionar a la perfección.
“Army Of Me” de Björk (1995)
Seamos realistas. Björk posee una de las voces más singulares del planeta. Cubrir cualquiera de sus canciones ya es una tarea ardua. Pero cuando se trata de su éxito industrial rock “Army Of Me”, reunir una banda para versionarla adecuadamente sería extremadamente complicado. Desde la voz de Björk hasta el diseño sonoro general de la canción, no hay manera de que nadie pueda cubrirla fielmente y con la calidad necesaria, tal como se presentó en el álbum Post de 1995.
“White Rabbit” de Jefferson Airplane (1967)
Este clásico del rock psicodélico es amado por muchos, incluso por aquellos que no estaban vivos cuando se estrenó. Y, siendo realistas, no es una canción fácil de versionar correctamente. Si bien la melodía y la falta de un coro son relativamente fáciles de dominar, la voz de Grace Slick es muy particular. Se necesitaría un cantante con características muy específicas para abordarla. Además, el sonido analógico y psicodélico único de la canción la eleva. Una banda moderna tendría dificultades para cubrirla sin que resultara demasiado “limpia”. Aunque debo decir que la banda de metal Sanctuary logró una versión decente en 1988.
“Bohemian Rhapsody” de Queen (1975)
Esta canción era inevitable en nuestra lista de temas de rock imposibles de versionar a la perfección. ¿Quién puede cantar exactamente como Freddie Mercury? ¿Cuántas bandas conocen que puedan armonizar entre sí a la perfección? ¿Quién puede producir una versión tan operística como la original? ¿Quién puede ejecutar el solo de guitarra de Brian May con la misma facilidad y talento que él parece tener? Nadie. “Bohemian Rhapsody” de Queen ha sido versionada innumerables veces, pero aún no he escuchado una versión que realmente me haya impresionado. Y está bien. Algunas canciones son simplemente intocables.
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Bruno Mars es uno de esos artistas excepcionales capaces de crear canciones que parecen atemporales desde el primer instante. Su habilidad reside en la fusión, sin esfuerzo aparente, de géneros como el funk, el soul, el pop y el R&B.
La década de los 80 nos regaló incontables éxitos del pop y el rock, pero algunas canciones se encontraron con la censura de instituciones como la BBC o el Parents Music Resource Center. A pesar de los intentos por silenciarlas, estas melodías siguen siendo clásicos perdurables. ¡Echemos un vistazo a algunas de ellas!
“Like A Prayer” de Madonna (1989)
Madonna ya estaba acostumbrada a la polémica, pero el rechazo que recibió “Like A Prayer” en 1989 fue particularmente notable. Esta canción dance-pop, con imágenes de carácter sexual y religioso, y un videoclip que aborda la injusticia racial, generó controversia a principios de la década.
El Vaticano condenó la canción y se produjeron protestas contra la emisión del videoclip. Pepsi la utilizó en un anuncio publicitario que provocó tal rechazo y boicots que la marca terminó cancelando su patrocinio con Madonna. A pesar de todo, “Like A Prayer” alcanzó el número 1 en la lista Billboard Hot 100.
“I Want Your Sex” de George Michael (1987)
El título de este éxito de George Michael ya deja claro el motivo por el que fue vetada. Michael lanzó “I Want Your Sex” en tres partes, siendo la primera, “Rhythm One: Lust”, tan explícita que la BBC la prohibió. La canción en su totalidad fue vetada de la radio durante el día. El propio Michael no se tomó la decisión con agrado.
“No esperaba una prohibición total”, declaró Michael en una entrevista con Jonathan Ross. “Creo que es injusto porque es la primera prohibición de este tipo en mucho tiempo y creo que si no fuera George Michael, no tendría ningún problema en ser emitido en esas estaciones. Y es increíblemente irritante tener un disco lanzado durante un par de semanas y saber que la gente no lo ha escuchado”.
A pesar de la censura, este sensual tema de Michael llegó al número 2 en el Hot 100 y al número 3 en la lista de éxitos del Reino Unido.
“We’re Not Gonna Take It” de Twisted Sister (1984)
Este clásico del glam metal sigue siendo un himno para los jóvenes rebeldes. Y, como era de esperar, la canción más famosa de Twisted Sister también encontró resistencia en su momento. El Parents Music Resource Center, liderado por Tipper Gore, incluyó “We’re Not Gonna Take It” en su lista de las “Quince Más Sucias”, un intento de prohibir la música “inadecuada” para niños. Pero Dee Snider no se quedó de brazos cruzados, y la canción alcanzó el puesto número 21 en el Hot 100.
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El músico Joe Ely, figura clave de la escena “progressive country” que floreció en Austin, Texas, durante las décadas de 1970 y 1980, ha fallecido a los 78 años. Reconocido por sus colegas y con colaboraciones que incluyeron a artistas como The Clash y Bruce Springsteen, Ely dejó una huella imborrable en la música.
Un encuentro memorable tuvo lugar en 1978, mientras Ely realizaba pruebas de sonido antes de un concierto en el Venue Club de Londres. Le informaron que algunos jóvenes músicos deseaban conocerlo. Inicialmente, pensó que Joe Strummer, Mick Jones y sus compañeros eran “unos jóvenes desaliñados” con intenciones poco claras, pero pronto descubrió una conexión musical con The Clash, especialmente a través de las baladas de pistoleros de Marty Robbins.
Después del concierto, Ely recordaba: “Fuimos a los clubes del East End, pasamos toda la noche y lo pasamos muy bien. Fue como la reunión de los inconformistas de Texas con los de Londres. Veníamos de mundos diferentes, pero fue como decir, ‘¡De acuerdo! ¡Sigamos saliendo!’”.
Uno de los aspectos más valiosos de una sólida asociación creativa entre compositores es la capacidad de cada músico para redirigir a su colega cuando este se dirige claramente por un camino cursi, inapropiado o simplemente equivocado. John Lennon y Paul McCartney no eran una excepción. Por eso, cuando lanzaron lo que se convertiría en uno de sus primeros y más queridos sencillos en Estados Unidos el 26 de diciembre de 1963, la canción no incluyó todas las letras originales de McCartney, incluyendo una que era tan mala que provocó una carcajada incrédula de Lennon.
Según McCartney en The Beatles Off the Record, la canción marcó una de las primeras veces que supo que no podría engañar a su compañero de composición. “Con John y yo en una canción, si se me ocurren algunas líneas que sé que no son muy buenas, y solo espero confundirlo, sé que no lo lograré. ‘I Saw Her Standing There’ fue el mejor ejemplo de ello. Se me ocurrió la idea mientras conducía a casa después de un concierto en Southport; tenía ‘She was just seventeen’ (Tenía solo diecisiete años).
La siguiente línea, como la conocemos hoy, fue, por supuesto, “You know what I mean” (Ya sabes lo que quiero decir). Pero antes de la cuidadosa edición de Lennon, la letra era “She was just seventeen, she’d never been a beauty queen” (Tenía solo diecisiete años, nunca había sido reina de belleza). McCartney dijo: “Sabía que esto era una tontería y que lo había puesto solo porque rimaba. Cuando se lo mostré a John, gritó de risa”.
Cómo “I Saw Her Standing There” de The Beatles tomó su forma final
Aunque es fácil imaginar a The Beatles siempre en su mejor momento, la creación de la Beatlemanía fue mucho más que frases ingeniosas y riffs de guitarra al estilo de Chuck Berry. John Lennon y Paul McCartney tuvieron que escribir su buena cantidad de canciones fallidas mientras se conocían las tendencias creativas, musicales y líricas del otro. Cada compositor aportó un conjunto único de habilidades al equipo, y la combinación de esos poderes fue lo que hizo que el grupo fuera tan mágico.
Tomemos, por ejemplo, las líneas finales de “I Saw Her Standing There”. La línea, admitidamente “vergonzosa” de McCartney sobre una joven de 17 años que, según él mismo dijo, no era exactamente atractiva de forma convencional, no era la mejor opción. Pero la contrapropuesta de Lennon, “You know what I mean”, probablemente no se le habría ocurrido a McCartney por sí solo. Él es un escritor demasiado narrativo y centrado en los personajes. Pero sabía que la idea de Lennon era lo que la canción necesitaba. Era “buena”, dijo en Anthology, “porque no sabes lo que quiero decir”. Rock ‘n’ roll, baby.
The Beatles lanzó “I Saw Her Standing There” como la canción de apertura de su debut estadounidense de 1963, Introducing…The Beatles. Sirvió como lado B de “I Want to Hold Your Hand” en Estados Unidos, que, como era de esperar, eclipsó por completo a la primera canción. Aún así, “I Saw Her Standing There” disfrutó de un éxito impresionante, considerando todo, alcanzando el puesto número 14 en la lista Billboard Hot 100 y el número 1 en Canadá, Dinamarca, Australia y Nueva Zelanda.
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A veces, las canciones eclipsan a las bandas que las interpretan. No siempre un éxito garantiza una carrera perdurable para un grupo musical. A continuación, revisamos tres canciones clásicas de rock que resultaron ser más famosas que sus creadores, verdaderos himnos generacionales que, sin embargo, no lograron consolidar una trayectoria duradera para sus bandas.
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“Brandy (You’re a Fine Girl)” (Looking Glass)
El lanzamiento de Guardians of the Galaxy Vol. 2 en 2017 reintrodujo “Brandy (You’re a Fine Girl)” de Looking Glass a una nueva generación. Para quienes la escucharon en los años 70, fue un recordatorio instantáneo de su calidad excepcional.
Looking Glass es considerada, indiscutiblemente, una banda de un solo éxito. Aunque esta etiqueta a veces puede sonar despectiva, en este caso es un testimonio de la perfección de “Brandy”. Es difícil replicar la perfección, y ese fue precisamente el caso con este tema icónico de una época.
“Carry On My Wayward Son” (Kansas)
Kansas no es una banda de un solo éxito, pero para muchos, “Carry On My Wayward Son” es lo único que conocen de su repertorio. Esta canción es, sin duda, su mayor logro, y mucha gente la reconoce sin saber quiénes son los artistas detrás de ella.
Este tipo de éxito es un arma de doble filo. “Carry On My Wayward Son” ha sido popular durante décadas, lo cual es todo lo que una banda puede pedir. Sin embargo, su legado se ve empañado por el hecho de que, para el público en general, la canción a menudo parece existir sin un autor claro.
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“Dancing in the Moonlight” (King Harvest)
King Harvest es ampliamente considerada una banda de un solo éxito, pero ese único éxito fue definitorio para toda una generación. “Dancing in the Moonlight” capturó a la perfección el espíritu de los años 70. Everybody here is out of sight / They don’t bark and they don’t bite / They keep things loose, they keep things light / Everybody was dancing in the moonlight, reza la letra.
“Dancing in the Moonlight” tiene una historia de fondo intrigante que solo añade a su misticismo. El compositor, Sherman Kelly, fue brutalmente agredido por un grupo de hombres una noche. Sobrevivió y escribió esta canción para imaginar un mundo en el que algo así nunca hubiera sucedido.
“Sentí que era recompensado por transformar este terrible revés en algo positivo, celebrando lo bueno”, explicó Kelly en una ocasión. “Creo que el universo disfrutó mi respuesta.”
(Photo by John Atashian/Getty Images)
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