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Berlinale: Directores de festivales apoyan a Tricia Tuttle

by Editora de Entretenimiento marzo 4, 2026
written by Editora de Entretenimiento

La Berlinale, el prestigioso Festival Internacional de Cine de Berlín, se encuentra en el centro de una controversia que ha generado una ola de apoyo por parte de directores de festivales de todo el mundo. Figuras como Thierry Frémaux, director de Cannes, y Eugene Hernandez, de Sundance, han firmado una carta pública expresando su respaldo a Tricia Tuttle, actual directora de la Berlinale.

La misiva, firmada por un total de 32 líderes de festivales de cine, incluyendo los de Londres, Telluride, Toronto y San Sebastián, manifiesta un “apoyo al deseo de Tricia Tuttle de continuar como directora del Festival de Berlín, con plena confianza e independencia institucional”.

Este apoyo surge en medio de informes de los medios alemanes que sugieren que Tuttle podría ser destituida debido a la reacción política generada por discursos a favour de Palestina durante la ceremonia de premiación de la Berlinale. La edición de 2026 del festival ya había sido descrita como “cargada políticamente”, con debates sobre el auge del fascismo, la guerra en Gaza y la administración Trump.

Tuttle admitió a la prensa alemana que mantuvo conversaciones con el ministro de cultura alemán, Wolfram Weimer, sobre la posibilidad de una renuncia mutua, pero reafirmó su determinación de permanecer en el cargo. “Estoy muy orgullosa de mi equipo y del festival, y quiero continuar con el trabajo que hemos comenzado juntos, con plena confianza e independencia institucional”, declaró.

La carta de los directores de festivales subraya la importancia de navegar por las diversas perspectivas y opiniones, incluso aquellas que no se alinean con las posiciones socialmente aceptadas o políticamente impuestas. También enfatiza la fragilidad de los espacios dedicados al intercambio cinematográfico y de ideas, y la necesidad de preservar la libertad de expresión, incluso cuando se trata de opiniones impopulares o imperfectas.

“Necesitamos que todas nuestras partes interesadas –audiencias, creadores, equipos de festivales, socios públicos y privados, la industria, los medios de comunicación, instituciones afines– se muestren comprensión, respeto y solidaridad como comunidades y redes conectadas por el amor al cine, o corremos el riesgo de perder estos espacios por completo. Es mucho más fácil destruir que construir”, concluye la carta.

Entre los firmantes de la carta se encuentran Kristy Matheson (Festival de Cine de Londres), Jung Hanseok (Festival Internacional de Cine de Busan), Ellen Y. D. Kim (Asian Contents & Film Market), Thierry Frémaux (Festival de Cine de Cannes), y muchos otros líderes de festivales de renombre mundial.

Como directores y líderes de festivales de cine, apoyamos el deseo de Tricia Tuttle de continuar como directora de la Berlinale, con plena confianza y con independencia institucional.

En los debates que han rodeado a la Berlinale 2026 y a otros eventos culturales y artísticos en los últimos meses, reconocemos las crecientes presiones sobre los festivales de cine en todo el mundo para navegar por tiempos volátiles manteniendo al mismo tiempo un espacio seguro para el intercambio de cine e ideas.

Un aspecto fundamental de nuestro papel como custodios culturales es crear y proteger el espacio para que cineastas, artistas, profesionales y público se reúnan. Esto incluye a personas que aportan no solo un amor compartido por el cine, sino también una gran variedad de experiencias y puntos de vista. Esto es lo que le da vitalidad, relevancia y valor a nuestros festivales de cine, y es de lo que está hecho el «espíritu» del festival.

También debemos navegar con cuidado el hecho de que «todos» pueden incluir personas con puntos de vista políticos y personales que no siempre se alinean entre sí, o con posiciones socialmente aceptadas o impuestas políticamente. Y aunque los festivales de cine de larga trayectoria y gran asistencia pueden parecer lugares de encuentro indestructibles, estos espacios suelen ser frágiles, difíciles de conseguir y complejos de preservar.

Los festivales de cine, tal como los conocemos y necesitamos, se están volviendo cada vez más difíciles de mantener en un clima donde la apreciación del matiz está disminuyendo. Apoyar la genuina libertad de expresión, incluida la libertad de articular opiniones imperfectas o impopulares, nunca ha sido tan importante. Necesitamos mantener espacios donde la incomodidad sea bienvenida, donde los debates puedan ser amplios, donde las nuevas ideas puedan propagarse y donde las perspectivas inesperadas y, a veces, conflictivas sean visibles.

Necesitamos que todas nuestras partes interesadas –audiencias, creadores, equipos de festivales, socios públicos y privados, industria, medios de comunicación, instituciones afines– se muestren comprensión, respeto y solidaridad como comunidades y redes conectadas por el amor al cine, o corremos el riesgo de perder estos espacios por completo. Es mucho más fácil destruir que construir.

marzo 4, 2026 0 comments
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Entretenimiento

Mouse: La nueva película de los directores de Ghostlight en Berlín

by Editora de Entretenimiento febrero 7, 2026
written by Editora de Entretenimiento

Kelly O’Sullivan y Alex Thompson describen su última película, Ghostlight, como una “audición” para el proyecto que tenían en mente: Mouse, que se estrenará el 13 de febrero en la Berlinale. Para Ghostlight, contrataron a una familia real de actores locales de Chicago para interpretar a una familia ficticia en duelo, y lograron reunir un presupuesto de 500.000 dólares para demostrar que podían dirigir su guion más ambicioso, aunque no necesariamente con el mismo presupuesto, pero sí con menos de lo que sus productores en ese momento habían estimado.

Pero Ghostlight, tras su estreno en Sundance, recibió elogios de la crítica, se vendió rápidamente a IFC Films y realizó una exitosa campaña de premios, obteniendo múltiples nominaciones a los Spirit Awards y un lugar en la lista de las 10 mejores películas independientes de la National Board of Review. La película consolidó a O’Sullivan y Thompson como cineastas prometedores.

“En muchos sentidos, todo esto iba encaminado hacia Mouse”, afirma Thompson, aunque añade con ironía que Ghostlight creció por sí sola.

Ghostlight superó la prueba, en otras palabras, allanando el camino para Mouse, un drama de madurez expansivo que muestra lo que esta dupla de cineastas (que saltó a la fama con Saint Frances en 2019, escrita por O’Sullivan y dirigida por Thompson; desde entonces han dirigido juntos) puede lograr a mayor escala. Cuentan con una nominada al Oscar, Sophie Okonedo (Hotel Rwanda, 2004), que ofrece una de sus interpretaciones más conmovedoras y ricas en la gran pantalla. Comparte protagonismo con Katherine Mallen Kupferer, el descubrimiento de O’Sullivan y Thompson, la joven estrella de Ghostlight (donde actuó junto a sus padres en la vida real), que ahora se sumerge en un papel aún más complejo.

Sophie Okonedo and Katherine Mallen Kupferrer in Mouse

O’Sullivan, quien escribe los guiones que luego dirige junto con Thompson, había completado el borrador de Mouse antes de que la pandemia terminara en 2020. “Saint Frances se escribió muy rápido, Ghostlight también, y Mouse es el guion en el que más tiempo he trabajado”, explica. “Seguí incorporando cosas que iba aprendiendo a medida que evolucionaba como escritora y directora”. El estreno mundial en Berlín, el primero en un festival europeo, es una señal de este nuevo paso adelante. “Ghostlight tenía una narrativa de viaje del héroe, y esta es un poco más indirecta, pero creo que de una buena manera, como la vida misma”, dice O’Sullivan. “Hay más películas europeas que exhiben estas cualidades que las estadounidenses”, añade Thompson, refiriéndose al enfoque intencionalmente divagante de la película en cuanto a la narrativa.

Okonedo, que también está en una racha independiente tras Janet Planet, la película lírica de Annie Baker, tuvo una idea principal al leer Mouse: ¿cómo llegó esta mujer a Arkansas? Interpreta a Helen, una pianista de concierto británica que de alguna manera ha terminado en las afueras de North Little Rock alrededor de 2002, criando a su hija Callie (Chloe Coleman) mientras atraviesa un matrimonio infeliz. “Está atrapada en un pueblo que le parece muy lejano a su persona”, dice Okonedo. La película se abre como una pieza de memoria elegíaca, centrada en el estrecho vínculo entre Callie, una especie de estrella en el departamento de teatro de su instituto, y su mejor amiga Minnie (Katherine Mallen Kupferer), que a menudo parece eclipsada por Callie. También examinamos la vida familiar de Minnie, con su madre soltera Barbara (Tara Mallen, la madre de Katherine en la vida real), y la dinámica en su escuela, especialmente la clase de teatro supervisada por el Sr. Murdaugh (David Hyde Pierce).

El mundo se siente completamente realizado mientras Mouse te atrapa. Los matices memorísticos ayudan: O’Sullivan fue adolescente en Arkansas en 2002. Estaba decidida a rodar Mouse en su ciudad natal, una de las razones por las que el presupuesto fue un problema durante años, y en lugares que recordaba vívidamente: donde se hizo las fotos de graduación, donde solía pasar el rato después de la escuela. Los dialectos son precisos; se puede sentir la cultura cristiana del Cinturón Bíblico filtrándose sutilmente en las conversaciones cotidianas. “Rodamos en muchos lugares que ella conocía muy bien”, dice Okonedo. Añade Mallen Kupferer: “Vivir en Arkansas y simplemente ir a la tienda era una experiencia muy diferente a cualquier otra que haya tenido”.

David Hyde Pierce in Mouse

Rodaron con lentes esféricos y, a menudo, con una configuración de dos cámaras y dos directores de fotografía para garantizar una autenticidad natural y emocional. Es un drama íntimamente humano, pero se puede sentir una gran envergadura en la realización. “Nuestros puntos de referencia no eran indies pequeños”, dice Thompson. “Eran como La Delgada Línea Roja y El Hilo Fantasma, películas grandes que tienen ese sentido del lugar”.

El giro narrativo inesperado de la historia también está inspirado en un incidente de la juventud de O’Sullivan. “Empecé con esa experiencia crucial y luego quise pensar en ello desde el punto de vista de los padres, algo que no podía comprender cuando tenía 17 años”, explica. “Cuando rodamos Mouse, ya era madre, y no lo era cuando empecé a escribirlo. Eso fue muy interesante, tener eso como parte de mi experiencia vital en una película que trata tanto sobre la paternidad”.

El giro de Mouse profundiza en una relación inesperada, profunda y espinosa entre Helen, interpretada por Okonedo, y Minnie, interpretada por Mallen Kupferer, dos personas fuera de lugar, cuestionando su sentido de sí mismas y anhelando un tipo diferente de conexión. “La forma en que eres en una relación con otra persona se ve afectada por la personalidad de esa persona”, dice O’Sullivan, una de las ideas centrales del guion. En los estudios de personajes interconectados de la película, incluso pensó en su propia dinámica con Thompson y los roles que desempeñan como pareja de dirección: “A veces, en nuestra dinámica, especialmente como cineastas, se le conoce como el soñador y a mí como la realista, y ambos resentimos eso”.

Okonedo in Mouse

Al igual que con Ghostlight, Mouse se siente emocionalmente experimental, observando con texturas realistas, es decir, con cierta imperfección, lo que surge de esta conexión poco convencional y multigeneracional. Ayuda tener a una actriz tan cruda y, a menudo, desgarradora como Okonedo. “Pienso profundamente en las cosas, pero sobre todo es instintivo y simplemente probar cosas”, dice sobre su proceso. “A menudo no sé realmente cómo voy a hacer las cosas hasta que llego allí”. Esto funcionó a la perfección con el enfoque de O’Sullivan y Thompson. Okonedo caminaba al set desde su Airbnb cercano, vestida con el atuendo del día y sin maquillaje, y notaba que las cámaras ya estaban grabando. La línea se difuminaba entre acción y corte; las escenas continuaban mientras quisieran permanecer en ellas. “Fue una forma de trabajar increíblemente libre”, dice Okonedo.

Mallen Kupferer, por su parte, demuestra su versatilidad. Su personaje extrovertido en Ghostlight reflejaba más de cerca su personalidad, mientras que el viaje de Minnie de salir lentamente de su caparazón y entrar en su sexualidad y sentido del propósito es mucho más interno. “Seguía pensando, como, ‘Oh, esto no es algo que yo haría nunca, estas chicas son muy malas con ella’, y simplemente me decía: ‘¡Cállate!’”, dice Mallen Kupferer. “Esta fue la primera vez que me desafiaron realmente como actriz para no simplemente traerme a mí misma a la mesa”.

La trayectoria de O’Sullivan y Thompson en los últimos siete años marca un tipo de ascenso orgánico que es cada vez más raro en el cine independiente estadounidense, incluso considerando el cambio de un estreno en Sundance a un festival europeo. Pero Okonedo, que aquí trabaja en el espacio que dice que más ama, argumenta que hay sabiduría en su forma de operar. “Descubren cómo hacerlo con muy poco y simplemente lo hacen, de lo contrario nunca se lograría nada, tal como son las cosas ahora”, dice. “Esto me devolvió a esa sensación que tenías cuando empezaste a actuar, cuando te das cuenta de que ‘ahora estoy haciendo lo que siempre quise hacer’. Estaba desconsolada cuando terminamos”.

Y al igual que Mallen Kupferer regresó al universo de O’Sullivan y Thompson para Mouse, Okonedo ve la oportunidad de construir algo más grande con ellos: “Esperamos formar un poco de un conjunto”, dice. “Esperemos que este sea el primero de muchos”.

Kelly O’Sullivan and Alex Thompson on the set of Mouse

Mouse se estrenará mundialmente el 13 de febrero en el Festival Internacional de Cine de Berlín.

febrero 7, 2026 0 comments
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Entretenimiento

Olivia Wilde vende su nueva comedia en Sundance por 12 millones $

by Editora de Entretenimiento enero 31, 2026
written by Editora de Entretenimiento

La nueva película de Olivia Wilde, presentada el fin de semana pasado en el Festival de Sundance, recibió una ovación de pie que encendió las alarmas en Hollywood. El entusiasmo generado desató una intensa guerra de ofertas por los derechos de distribución.

Sundance, un festival de culto conocido por ser el trampolín de muchos filmes independientes exitosos, no es ajeno a estas batallas por los derechos. La más reciente se centra en la comedia The Invite, la nueva propuesta de la actriz y directora Olivia Wilde, quien saltó a la fama con su ópera prima, la comedia adolescente Booksmart (2019), antes de generar opiniones divididas con su segundo trabajo, el thriller Don’t Worry Darling (2022), protagonizado por Florence Pugh y Harry Styles.

Un remake de una película que ya tuvo su versión francesa

La trama de la nueva película gira en torno a una pareja en crisis, interpretada por la propia Wilde y Seth Rogen, que recibe una invitación a cenar por parte de sus enigmáticos vecinos, interpretados por Edward Norton y Penélope Cruz, quienes resultan ser poliamorosos y les hacen una propuesta inesperada…

Si esta premisa le suena familiar, quizás haya visto Et plus si affinités. De hecho, The Invite es un remake de la película española Sentimental, que inspiró la comedia protagonizada por Isabelle Carré y Bernard Campan, estrenada en 2024. El guion de la versión estadounidense fue escrito por la actriz Rashida Jones (Parks and Recreation) y Will McCormack.

Una comedia para adultos que conquistó Sundance

Con un 91% de opiniones positivas en Rotten Tomatoes, la película de Olivia Wilde ha sido un éxito rotundo. «Maravillosamente entretenida«, según Variety; «una comedia realmente divertida e inusualmente inteligente para adultos«, en palabras de The Guardian; o «un verdadero placer, una comedia para adultos que tiene mucho que decir y aún más que hacer reír«, según IndieWire. The Invite ha cautivado tanto a la crítica como al público del Festival de Sundance, que le dedicó una merecida ovación al final de la proyección.

A24

Tras esta acogida, el largometraje se convirtió rápidamente en el centro de una guerra de ofertas entre varias compañías por los derechos de distribución. Neon, Focus Features, Searchlight Pictures, e incluso Netflix y Apple, mostraron su interés, pero finalmente fue A24 quien ganó la batalla. Según Variety, la venta superó los 12 millones de dólares por los derechos en territorio estadounidense.

Fundada en 2012, A24 se ha hecho rápidamente un hueco en Hollywood, convirtiéndose en una de las compañías de producción y distribución más destacadas de los últimos años gracias a obras singulares como Moonlight (2016), Hérédité (2018), Everything Everywhere All at Once (2022) o The Brutalist (2024). Su próximo gran estreno es Marty Supreme, que se espera en los cines franceses el 18 de febrero, y que ha valido a Timothée Chalamet una nueva nominación al Oscar al Mejor Actor.

Aún no se ha anunciado una fecha de estreno para The Invite.

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enero 31, 2026 0 comments
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Entretenimiento

Cinematógrafos en Sundance: Última Edición en Park City

by Editora de Entretenimiento enero 31, 2026
written by Editora de Entretenimiento

El Festival de Sundance cerró su edición más reciente en Park City, Utah, dejando una sensación de nostalgia entre los directores de fotografía que participaron. Desde veteranos consagrados hasta nuevos talentos, todos reflexionaron sobre el legado del festival y su impacto en sus carreras.

Lol Crawley, ASC, BSC (Wicker), recordó cómo su trabajo en el drama de 2008, Ballast –su primera película en Sundance, que le valió el premio a la Mejor Cinematografía del festival– sigue abriéndole puertas en Estados Unidos. Sam Levy (The Only Living Pickpocket in New York), por su parte, ha sido director de fotografía en cinco películas estrenadas en Sundance y operador de cámara en otra, además de haber sido becario de cinematografía del festival hace años.

Otros, como Stefan Weinberger, están comenzando su camino. Union County es su debut como director de fotografía, después de conocer a su esposa en el festival en 2019. Lidia Nikonova, quien vio interrumpida su primera presentación en Sundance en 2021 por la transición a una edición completamente en línea, tuvo la oportunidad de estrenar este año dos películas: el thriller psicológico Night Nurse y el cortometraje Birdie.

Un hilo conductor entre los siete largometrajes destacados fue la intención de los cineastas de sumergir al espectador en la mente de sus personajes principales. En Chasing Summer, filmada por Eric Branco, ASC, se alternaron movimientos con trípode y tomas a mano, dependiendo del estado interno de la protagonista. Por su parte, The Huntress, con la cinematografía de Maria Sarasvati Herrera, buscó mantener al público inmerso en la deteriorada salud mental del personaje principal, incluso en una compleja secuencia que transcurre en un autobús en movimiento por Ciudad Juárez, México.

A continuación, exploramos la inspiración, las experiencias y el equipo técnico que impulsaron a ocho directores de fotografía con películas en Sundance 2026.

Eric Branco, ASC — Chasing Summer

El Enfoque

«En la etapa de preproducción, la directora Josephine Decker me dijo: ‘Quiero probar algo diferente. Quiero menos trabajo con la cámara en la mano, más control’. La película trata sobre una mujer llamada Jamie (interpretada por Iliza Shlesinger) que regresa a casa y no se siente cómoda consigo misma ni en su lugar en el mundo, así que tuvimos que encontrar una manera de reflejar eso visualmente. La primera mitad de la película se rodó completamente en estudio: con trípode, dolly y composiciones fijas. La película se abre con un largo travelling con Steadicam, y en la siguiente escena, la pareja de Jamie rompe con ella y todo se desequilibra; pasamos a un mundo más rígido. Así que, la película comienza con una especie de fluidez y eventualmente se vuelve más fija, con encuadres más ‘torpes’ –ya sea centrados o muy descentrados– para representar a Jamie como más pequeña en un mundo más grande, o para enfatizar momentos marcados por la indecisión o la incomodidad de su personaje. Más tarde, hay un momento en el que conoce a un nuevo interés amoroso, y a partir de esa escena, la película se filma completamente a mano hasta el final, cuando volvemos a una combinación de tomas a mano y en estudio.»

Eric Branco, ASC.

El Mayor Desafío

«Hasta Chasing Summer, nunca había intentado lograr este nivel de movimiento de cámara en estudio con un presupuesto tan ajustado. Nuestros planos más desafiantes fueron los tomas largas. Hicimos 15 tomas del travelling con Steadicam que abre la película bajo un calor de 110 grados en St. Louis. Esa parte del rodaje consistió en asegurarnos de estar hidratados y con la cabeza fría para tomar decisiones claras en el calor.»

Iliza Schlesinger como Jamie en ‘Chasing Summer.’

Especificaciones Técnicas

Cámara: Arri Alexa Mini LF

Lentes: Cooke Anamorphic/i FF

Lol Crawley, ASC, BSC — Wicker

El Enfoque

«Estábamos construyendo un mundo y queríamos el campo de visión más amplio posible. Los filtros de impresión acoplables, que se colocan en la parte posterior del objetivo, crearon una calidad de bokeh arremolinado que era bastante mágica y atemporal para esta película. Trabajando con Máté Ternyik, nuestro colorista en The Brutalist, hicimos mucho trabajo de emulación de película, agregando grano y otros elementos para eliminar la modernidad del aspecto digital de la imagen. Para las escenas íntimas en la cabaña de la pescadora (Olivia Colman), utilizamos un objetivo Canon K35mm, que tiene una interesante caída del enfoque, por lo que parece que el mundo de la película simplemente se desvanece.»

Lol Crawley, ASC, BSC.

Mi Escena Favorita

«Una de mis escenas favoritas es cuando la pescadora confronta al esposo de mimbre (Alexander Skarsgård) porque sospecha que le ha sido infiel. Es cuando su relación comienza a desmoronarse, la podredumbre comienza a aparecer. Es una escena simple, pero me gusta la forma en que la cubrimos, en términos de nuestro uso del volumen, acercándonos e envolviendo a Olivia. Ambos son geniales en esa escena; Olivia es desgarradora, y me conmueve cada vez que la veo. De nuevo, es simple, pero la realizamos delicadamente.»

Olivia Colman como La Pescadora en ‘Wicker.’

Especificaciones Técnicas

Cámara: Arri Alexa Mini LF

Lentes: Arri Signature Primes; Canon K35

Maria Sarasvati Herrera — The Huntress (La Cazadora)

El Enfoque

«La película trata sobre una mujer, Luz (Adriana Paz), que está pasando por un trauma, así que queríamos estar cerca de nuestra actriz principal para transmitir lo que siente al espectador. Queríamos lentes que se abrieran lo máximo posible en términos de apertura. Encontramos las Lomo Illumina Mark II, que tienen un aspecto nítido, pero también redondeado en el fondo, con algunas aberraciones. Estábamos trabajando con comunidades en la ubicación en Ciudad Juárez, México, así que no podíamos iluminar toda la calle ni cambiar el color de nuestro alumbrado público. Tuvimos que iluminar con lo que había. Yo también era la operadora, así que estaba conectada con Adriana y con el resto del elenco, reaccionando a lo que sentían y retratándolo.»

Maria Sarasvati Herrera en la locación de ‘The Huntress (La Cazadora).’

Mi Mayor Desafío

«Todo lo que se filmó en el autobús fue un desafío. Mientras el autobús estaba en movimiento, solo intentábamos agarrarnos para no caernos, y también teníamos que mantenernos conectados con Adriana durante estos momentos intensos y emocionales. Mientras estaban en el autobús, su personaje comienza a ver fantasmas, y para construir esto en efectos visuales, necesitábamos bengalas y luz solar real. Tuvimos que perseguir al sol para que siempre estuviera del mismo lado, mientras el autobús se desplazaba por las calles de Juárez, y solo tuvimos una tarde para lograrlo.»

The Huntress (La Cazadora), filmada por Maria Sarasvati Herrera.

Especificaciones Técnicas

Cámara: Arri Alexa Mini LF

Lentes: Lomo Illumina Mark II

Sam Levy — The Only Living Pickpocket in New York

El Enfoque

«Me inspiré en la última película de Robert Bresson, L’Argent. He probado estos objetivos Super Baltar de la década de 1960, que son los que Gordon Willis, ASC usó para filmar The Godfather, muchas veces. Tienen un aspecto grande y distintivo, y nunca me gustaron antes… pero fueron perfectos para este thriller criminal noir.»

Sam Levy (en la cámara) filma a John Turturro (también representado abajo, como Harry) en la locación de ‘The Only Living Pickpocket in New York.’

Mi Escena Favorita

«Mucha acción tiene lugar en una casa de empeño donde trabaja el personaje de Steve Buscemi. En una escena allí, el personaje de John Turturro descubre –diré– que algo salió mal, y hay un largo plano diseñado, donde usamos muchas siluetas. Ese plano es mi favorito.»

Especificaciones Técnicas

Cámara: Arri Alexa 35

Lentes: Bausch & Lomb Super Baltar primes

Benjamin Loeb, FNF (Cinematógrafo) y Sheldon Chau (Cinematografía Adicional) — zi

El Enfoque

Loeb: «Filmando en las calles de Hong Kong, entramos en un territorio sin control sobre ninguna situación o ubicación, así que queríamos el paquete de cámara más pequeño y ágil, con un solo objetivo que nos permitiera simplemente documentar y estar presentes en el momento. Creamos este lenguaje vérité, fotografiando largos momentos de la película en tomas únicas, y dejando que la cobertura existiera dentro de eso. Ese se convirtió en el ethos.»

Chau: «En la mañana del primer día, [el director] Kogonada me preguntó: ‘¿Puedes captar una sensación de melancolía asiática?’ Inmediatamente supe lo que quería decir. Me instó a profundizar y canalizar eso, porque zi trata sobre el anhelo y la pérdida, y sobre no saber dónde está el hogar. Ben no le gustan los planos de relleno, así que me animó a encontrar imágenes, o incluso una sucesión de imágenes, que cuenten una historia: ‘Si estoy capturando a un tipo empujando un carro, ¿hay una manera de encontrar varias imágenes que se unan para transmitir una sensación, en lugar de una simple toma aleatoria de un tipo?'»

De izquierda a derecha: Benjamin Loeb, FNF y Sheldon Chau.

Mi Escena Favorita

Loeb: «Hay una secuencia de fuegos artificiales que es el clímax de la película, y despierta al público. Me despierta cuando veo la película. Se filmó el primer día de producción, y nos estábamos conociendo y aprendiendo a navegar por Hong Kong y su gente. Era el Día Nacional, y todos estábamos observando lo que haría la policía: ‘¿Cuánto podemos salimos con la nuestra al filmar de esta manera?’ Nos dimos cuenta de inmediato: ¡A nadie le importaba! Nadie nos miró, nadie miró a la cámara.»

Michelle Mao como la violinista homónima en ‘zi.’

Especificaciones Técnicas

Cámara: Red Komodo; 16mm Bolex; Sony FX3 (cinematografía adicional)

Lentes: Super Takumar 35mm; Zeiss Super Speeds (cinematografía adicional)

Lidia Nikonova — Night Nurse

El Enfoque

«Queríamos aprovechar los tropos del género de los thrillers eróticos para crear una tensión sexual subyacente que se cierna sobre cada escena, pero que no se perciba por completo y que funcione a un nivel más subconsciente. En la película, hay una relación inusual entre la enfermera de noche, Eleni (Cemre Paksoy), y su paciente, Douglas (Bruce McKenzie), que evoluciona hacia una relación romántica, y era importante que esa relación se sintiera auténtica y creíble. Los lentes más largos ayudaron a crear más intimidad entre los dos personajes, y buscamos una colocación de la cámara que ofreciera al espectador un mayor acceso a nuestros personajes, en lugar de oscurecerlos. La película tiene una premisa inusual –un thriller erótico ambientado en una residencia de ancianos– así que tratamos la cinematografía como un dispositivo de construcción de mundos. Necesitábamos que el mundo de la película se sintiera a la vez atractivo e hipnótico, así como inquietante y peligroso.»

Lidia Nikonova se prepara para filmar una escena de ‘Night Nurse.’ (Foto de Eddie Ceniceros.)

Mi Mayor Desafío

«La secuencia de apertura es un travelling de cuatro minutos que filmamos con un brazo gobo y un objetivo sonda de 24 mm. Se filmó durante las tomas adicionales, y en ese momento ya habíamos filmado la mayor parte de la película, pero queríamos crear un tableau que contenga los temas de la película sin revelar de qué se trata. Así que diseñamos este intrincado plano para el cual la cámara, junto con nuestro objetivo sonda, viaja con el cable de un teléfono mientras se enrolla alrededor del cuerpo de Cemre. Mi experiencia previa con brazos gobo fue solo para filmar objetos inanimados, pero para esta escena, Cemre tuvo que acostarse en una pose, prácticamente inmóvil, mientras programábamos las señales y los fotogramas clave para el brazo gobo. Se necesitaron unas seis horas para programar este movimiento.»

Cemre Paksoy como Eleni en ‘Night Nurse.’

Especificaciones Técnicas

Cámara: Arri Alexa Mini

Lentes: Panavision Ultra Speed primes; Cooke Varotal 25-250mm, zooms de 20-100mm (reacondicionados por Panavision)

Stefan Weinberger — Union County

El Enfoque

«Habiendo trabajado juntos durante más de una década, el director Adam Meeks y yo estábamos muy alineados en lo que llamamos el ‘lenguaje simple de nuestra película’. Queríamos imbuir el trabajo de cámara con honestidad y empatía, y evitar sensacionalizar el material o juzgar a nuestros personajes, muchos de los cuales eran miembros reales de la comunidad de recuperación que se interpretan a sí mismos en la película. Optamos por un enfoque híbrido documental-narrativo; esos dos elementos necesitaban mezclarse a la perfección para que la película se sintiera cohesiva. Esto significaba que necesitábamos mucha flexibilidad en nuestro trabajo de cámara. A veces no teníamos mucho control sobre la iluminación, por lo que la latitud que ofrecía la Alexa 35 fue útil.»

Stefan Weinberger en la locación de ‘Union County.’

Mi Mayor Desafío

«Un desafío fue filmar una película narrativa en un entorno documental de manera perfecta. Filmamos el monólogo del personaje de Will Poulter durante una reunión real de Narcóticos Anónimos, con los miembros reales de la comunidad que están allí todas las semanas, haciendo lo que siempre hacen: entrar, contar sus historias y compartir sus luchas y altibajos. Plantamos a Poulter en esa situación, y pronunció un monólogo increíble y escrito sobre una hora y media en la reunión. Tuvimos que estar preparados para eso, porque después de que terminó, la reunión continuó, pasó a la siguiente persona. Así que estábamos filmando un documental y una película narrativa, no solo en la misma película, sino también en la misma escena.»

Will Poulter como Cody Parsons en ‘Union County.’

Especificaciones Técnicas

Cámara: Arri Alexa 35

Lentes: Cooke S4 primes; Angénieux Optimo 24-290mm, 28-76mm; Canon 17-120mm

Imágenes fijas cortesía del Festival de Cine de Sundance y los cineastas, a menos que se indique lo contrario.

enero 31, 2026 0 comments
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Entretenimiento

Cámaras y Lentes en Cine: Guía Detallada

by Editora de Entretenimiento enero 29, 2026
written by Editora de Entretenimiento

El mundo del cine independiente nos ha dejado una lista impresionante de trabajos recientes, cada uno con una visión única y un enfoque técnico particular. Desde documentales impactantes hasta narrativas cinematográficas innovadoras, los cineastas están explorando nuevas fronteras en la producción audiovisual.

En el documental “Aanikoobijigan”, Adam Khalil y Zack Khalil utilizaron cámaras Sony A7III, Sony FX3 y Sony FS7, complementadas con lentes Canon S16 11–165mm T2.5 y Sony FE 16–35mm f2.8 GM II para capturar su visión. “American Doctor”, por su parte, fue filmado con Canon C300 Mk II, Sony FX3, Sony a7S III e incluso un iPhone 15 Pro Max, utilizando ópticas Canon EF 24–70mm f2.8L IS, Canon EF 70–200mm f2.8L IS, Sony FE 16–35mm f2.8 GM y Sony FE 50mm f1.2 GM.

“Antiheroine” de Magda Kowalczyk optó por la elegancia de la ARRI Alexa Mini y las lentes Canon K35. “Birds of War”, dirigido por Janay Boulos y Abd Alkader Habak, empleó una combinación de Canon 5D Mark IV, Canon 60D y Canon C70, con un objetivo de 24–70mm. La historia de Brittney Griner, narrada en “The Brittney Griner Story” por Eve M. Cohen, se filmó con Sony Venice y Sony FX6, utilizando lentes Petzvalux y Laowa Ranger zooms.

“Closure”, de Michał Marczak, apostó por la versatilidad de la Sony a7S III y las lentes Canon FD primes. “The Disciple”, con dirección de Franklin Dow, combinó ARRI Alexa Mini, Sony FX6 y Sony FX9, junto con ópticas Angenieux Optimo 15–40mm y 45–120mm. “Everybody to Kenmure Street”, dirigida por Kirstin McMahon, utilizó ARRI Alexa Mini 4:3 y Blackmagic URSA 4K, con lentes Cooke Anamorphics, Canon Cine Primes y Angenieux Allura 45–250.

“Give Me the Ball!” de Thorsten Thielow se filmó con Canon C80 y Canon C70, utilizando lentes Cooke SP3. “Jane Elliott Against the World”, de Peter Eliot Buntaine y Sean Hanley, empleó Sony FX9, FX6, FX3 y Canon C70, con lentes Nikon AI-S primes, Nikon AF-S 28–70mm y 80–200mm. “Jaripeo”, bajo la dirección de Josué Eber Morales, combinó Blackmagic Pocket 6K y GAF ST/101 E Super 8, con lentes Canon EF 16–35mm, 24–70mm y 70–200mm.

“Kikuyu Land”, de Andrew H. Brown, se filmó con Canon C400 y Canon R5C, utilizando lentes Canon RF 24–70mm, 70–200mm y 50mm. “The Lake”, dirigida por Alex Takats, optó por la agilidad de la Sony FX6 y Sony FX3, con lentes Leica R primes y Canon telephoto y super-telephoto zooms. “The Last First”, de Will Pugh, utilizó Sony Venice con un objetivo Angenieux Optimo 45–120mm T2.8.

“Nuisance Bear”, dirigida por Gabriela Osio Vanden y Jack Weisman, se filmó con ARRI Alexa 35 y RED Helium, utilizando lentes ARRI DNA LF y Canon 50–1000mm. “Once Upon a Time in Harlem”, de David Greaves, recurrió a la Eclair NPR 16mm con un objetivo Angenieux 12–120mm. “One in a Million”, de Jack MacInnes, utilizó Sony FS7, Canon C300 Mk II y Sony Venice, con lentes Canon EF primes y Angenieux Optimo.

“Paralyzed by Hope: The Maria Bamford Story”, dirigida por Neil Berkeley, se filmó con Canon C80 y lentes Zeiss Distagon primes. “Seized”, de Jackson Montemayor, utilizó Sony FX6 y Sony a7S III con lentes Vintage Contax Zeiss primes. “Sentient”, de Andy Taylor ACS, combinó ARRI Alexa Mini LF, Canon C70, Sony FX6 y DJI Mavic 3 Pro Cine, con lentes ARRI Signature Primes 25mm, 47mm y 125mm.

“Silenced”, de Michael Latham, se filmó con ARRI Alexa Mini LF y Blackmagic Pyxis 6K, utilizando lentes Canon FD primes. “Some Kind of Refuge”, de Eric Vera, utilizó ARRI Alexa Mini con lentes Panavision Ultra Speeds y Panavision 12–1 zoom. “TheyDream”, dirigida por William D. Caballero, empleó cámaras Panasonic y Canon SLRs con una variedad de lentes, incluyendo Panasonic Lumix G Macro.

“Time and Water”, de Pablo Alvarez Mesa, combinó ARRI Alexa Mini, Bolex SBM S16, Panasonic HVX200 e iPhone, con lentes Canon 8–64mm, Kern Switar POE 16–100mm, Switar 10mm, 15mm y 25mm. “To Hold a Mountain”, de Eva Kraljevic, se filmó con Canon C300 Mk II y Canon C70, utilizando lentes Canon 24–70mm, 70–200mm y 200mm. “When a Witness Recants”, de Bryan Gentry, utilizó ARRI Alexa LF, ARRI SXT y Eclair ACL V1, con lentes Canon Sumire y Laowa Nanomorph 1.5x.

Finalmente, “Who Killed Alex Odeh?”, dirigida por Therese Tran, se filmó con Canon C100, Canon C300, Sony A7 III, iPhone y Atomos Ninja, utilizando lentes Canon 16–35mm f2.8, 24–70mm f2.8 y 70–200mm f2.8.

enero 29, 2026 0 comments
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Entretenimiento

Gail Daughtry: Zoey Deutch y Jon Hamm en Sundance

by Editora de Entretenimiento enero 28, 2026
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En el festival de Sundance, se presentó “Gail Daughtry and the Celebrity Sex Pass”, una comedia dirigida por David Wain y escrita en colaboración con Ken Marino. La película sigue a Gail Daughtry (Zoey Deutch), una novia a punto de casarse que, tras descubrir que su prometido ha ejercido una cláusula de “pase libre para celebridades”, decide embarcarse en una aventura para conquistar a su propio ídolo: Jon Hamm.

La trama se complica con la aparición de dos torpes mafiosos que persiguen a Gail y a su mejor amiga, Otto, para recuperar una maleta con documentos secretos intercambiada accidentalmente. John Slattery, compañero de Hamm en “Mad Men”, también aparece en la película interpretándose a sí mismo.

El elenco de la película incluye a Ben Wang, Miles Gutierrez-Riley y Sabrina Impacciatore. La premiere tuvo lugar el 25 de enero en el Eccles Theatre.

Zoey Deutch expresó su entusiasmo por el proyecto: “¿Por qué no iba a ser parte de esta película increíble, ridícula e increíble? Leí el guion y pensé que era lo más divertido que he leído en mi vida. Me siento muy afortunada de haber trabajado con todos estos chicos y con David Wain y Ken Marino, y con Jon Hamm. Soy una gran fan de Jon, creo que es un actor increíble y me divertí mucho trabajando con él. No sé cómo se siente él trabajando conmigo…”

Por su parte, Jon Hamm comentó: “Él no me contó nada al respecto. Me dijo que David Wain me iba a enviar un guion. Estaba en Budapest, en medio de la noche y con jet lag. Me lo enviaron y lo leí en ese momento y les envié un mensaje a ambos diciendo que estaba dentro. Fue fantástico, es hilarante. Pude interpretarme a mí mismo, más o menos.”

David Wain bromeó sobre la elección de John Slattery: “No teníamos una segunda opción muy sólida para interpretar a John Slattery.”

Para ver la conversación completa, haz clic en el video de arriba.

The Deadline Studio at Sundance es presentado por Casamigos.

enero 28, 2026 0 comments
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Entretenimiento

Gail Daughtry: Comedia absurda y divertida en Sundance

by Editora de Entretenimiento enero 26, 2026
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El verano pasado, fue un verdadero placer ver The Naked Gun en cines y reír a carcajadas. Algo así es raro hoy en día, cuando la mayoría de la comedia se limita a la creación de memes o, supongo, a comentarios sarcásticos en espectáculos de gran presupuesto. Una comedia honesta, sin otra misión que hacer reír a su audiencia, se sintió como un regalo del cielo. Temía que no volviéramos a ver algo así en mucho tiempo, si es que alguna vez. (Aunque, supongo que también estuvo Anaconda).

Gracias a Dios, entonces, por David Wain y Ken Marino, los aliados de la comedia que han creado cosas maravillosamente absurdas juntos desde la década de 1990. Tienen una nueva película, Gail Daughtry and the Celebrity Sex Pass, que es orgullosamente tonta, una comedia extravagante y aleatoria que ofrece un simple entretenimiento. Gail Daughtry no está a la altura de la obra maestra de Wain, Wet Hot American Summer, pero sigue siendo reconociblemente una de sus creaciones únicas. Tanto tonta como atrevida, la película puede que no acierte con todos los chistes, pero satisface de maneras viscerales y placenteras que una comedia más sofisticada no podría.

Gail Daughtry and the Celebrity Sex Pass

The Bottom Line

Good stupid fun, at long last.

Venue: Sundance Film Festival (Premieres)
Cast: Zoey Deutch, Jon Hamm, John Slattery, Ken Marino, Miles Gutierrez-Riley, Ben Wang
Director: David Wain
Writers: David Wain, Ken Marino

1 hour 33 minutes

Por alguna razón, Gail Daughtry es un homenaje a El Mago de Oz, aunque no se preocupe, no hay ni una broma cansada sobre Wicked en toda la película. Zoey Deutch, brillante y alegre con un brillo de algo más oscuro en sus ojos, interpreta a la titular Kansan, una animadora de la escuela secundaria convertida en peluquera que acaba de comprometerse con su exnovio capitán del equipo de fútbol. Todo está bien en su soleada vida, en su linda ciudad, hasta que el prometido de Gail cumple repentinamente su «pase de sexo con celebridades», un acuerdo que, supuestamente, muchas parejas tienen. (Ya saben, la idea: un pacto entre una pareja monógama que permite a cada parte dormir con su celebridad favorita, sin consecuencias, si surge la improbable oportunidad). De hecho, conocemos a la celebridad en cuestión, pero no voy a revelar quién es.

Esto envía a Gail a un torbellino, y la impulsa a viajar a Los Ángeles con su mejor amigo queer, Otto (un encantador Miles Gutierrez-Riley), donde finalmente decide que necesitará acostarse con su celebridad favorita, el apuesto chico del Medio Oeste Jon Hamm, por supuesto, para equilibrar la balanza. Y así comienza una loca aventura por el camino amarillo, Gail y Otto (que podría ser un anagrama de algo…) recogiendo algunos nuevos amigos en el camino. Hay un asistente de CAA similar a un espantapájaros (Ben Wang), un paparazzi no tan despiadado (Marino) y un John Slattery cobarde. Es un elenco genial, todos vibrando con los ritmos peculiares y erráticos de la sensibilidad cómica de Wain (y Marino).

Los chistes abundan en Gail Daughtry, algunas ráfagas cortas de palabrotas y sinsentidos, otras más cerebrales y extensas. (Aunque, no tan cerebrales en realidad). Los chistes vuelan tan rápido y furiosamente que no importa mucho que muchos de ellos fallen. En un Sundance lleno de comedias deprimentemente poco divertidas y aburridas, Gail Daughtry parece casi digna del Premio Mark Twain en comparación.

Explicar cualquier cosa buena en detalle arruinaría la sorpresa, pero diré en términos generales que hay una gran escena con un conserje de hotel, una secuencia repetitiva y divertida de simple slapstick, una fuga de ingeniosos juegos de palabras sobre los hermanos Wright (de todas las personas). Hay violencia caricaturesca, sexo exagerado y algunas cosas del interior de Hollywood que no son demasiado internas ni demasiado relacionadas con el béisbol.

La película ciertamente decae en algunos lugares, tramos donde Wain y Marino podrían haber ajustado el ritmo o simplemente haber agregado más chistes. Pero el efecto general de Gail Daughtry es recrear las tardes universitarias felizmente aturdidas durante las cuales tantos fanáticos de mi generación se empaparon de la elegante inanidad de la producción de Wain. (Wet Hot era algo sagrado en mi campus universitario, como sin duda lo fue en muchos otros). Es una alegría que esta vibra particular regrese a nosotros después de tanto tiempo; es la primera película de Wain de este tipo en más de una década, aunque, por supuesto, hubo las miniseries de Wet Hot para mantenernos entretenidos.

La película fue claramente hecha con poco presupuesto (¡aunque, se hizo en Los Ángeles real, lo cual es encomiable!) y el humor no es exactamente el más accesible. Por lo tanto, realmente no sé cuál podría ser su viabilidad comercial, incluso en streaming. Pero espero que Gail Daughtry encuentre su público entusiasta, y que esos espectadores luego comiencen a exigir más películas como esta, aquellas que se atreven a buscar una risa sin tratar de asegurarnos de su inteligencia irónica y sofisticada. Ya saben, las buenas y antiguas comedias que apuntan al estómago mientras, sí, cosquillean ligeramente la mente. Ya es hora de volver a ser tontos, al menos en el cine.

enero 26, 2026 0 comments
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Entretenimiento

The Musical: Crítica de la película de Sundance | Rob Lowe, Gillian Jacobs

by Editora de Entretenimiento enero 26, 2026
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La película The Musical, presentada en el Festival de Sundance, parte de una premisa intrigante: un profesor de teatro de secundaria, frustrado por ser rechazado por su novia en favor del director, busca vengarse a través del poder del arte escénico. Sin embargo, la cinta dirigida por Giselle Bonilla, con guion de Alexander Heller, parece anclada en una época pasada, con intentos de sátira y subversión que ya no resultan tan novedosos.

La película, que dura 1 hora y 24 minutos, se apoya en un triángulo amoroso predecible y una trama que deriva en una elaborada broma sobre los atentados del 11 de septiembre, una decisión que parece más una provocación juvenil que una exploración creativa profunda. A pesar de contar con un elenco que incluye a Will Brill, Gillian Jacobs y Rob Lowe, la dirección de Bonilla no logra rescatar un guion que necesita, según las críticas, una revisión exhaustiva.

The Musical

The Bottom Line

Those who can’t do make bad movies about teachers.

Venue: Sundance Film Festival (U.S. Dramatic Competition)
Director: Giselle Bonilla
Writer: Alexander Heller
Cast: Will Brill, Gillian Jacobs, Rob Lowe

1 hour 24 minutes

Will Brill, ganador de un premio Tony por su trabajo en Stereophonic, interpreta a Doug, el profesor de teatro con aspiraciones de dramaturgo. La película también aborda, de manera satírica, temas relacionados con las iniciativas de diversidad y su impacto en los artistas. A pesar de algunos momentos de absurdo que logran captar la atención, como las imágenes en cámara lenta de niños disfrazados de figuras políticas, The Musical resulta ser una propuesta cinematográfica irregular y poco convincente.

enero 26, 2026 0 comments
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Entretenimiento

Sundance 2026: Premios a Productores y Reflexiones de Shane Boris

by Editora de Entretenimiento enero 25, 2026
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El Festival de Sundance 2026, que se celebra del 22 de enero al 6 de febrero en Park City, ha comenzado con un llamado a la resiliencia y la colaboración en la industria cinematográfica independiente. El ganador del Oscar, Shane Boris, ofreció la conferencia inaugural en los Premios a Productores del Sundance Institute y Amazon MGM Studios, donde reflexionó sobre los desafíos y las recompensas de la producción independiente.

Boris, conocido por producir documentales galardonados como Navalny, Fire of Love y King Coal, presentó en el festival dos nuevos trabajos: el documental sobre el cambio climático Time and Water y The AI Doc: Or How I Became an Apocaloptimist, que explora la inteligencia artificial.

En su discurso, Boris reconoció la incertidumbre que atraviesa el mundo y la industria del cine: “El mundo está claramente en crisis. Lo que sucederá con nuestra industria es imposible de predecir. Estamos viviendo en un momento de gran incertidumbre, en el que las viejas reglas no se aplican, y aún no se han escrito las nuevas”, afirmó.

Sin embargo, Boris enfatizó la importancia del apoyo mutuo: “En este momento, lo que me ayuda a seguir adelante es la gente con la que trabajo. He colaborado con algunos de los mejores productores del mundo. No solo me han ayudado a superar circunstancias extraordinariamente difíciles para convertir ideales en realidades, sino que también me han dado la oportunidad de aportar valor a los proyectos”.

La programación de Sundance 2026 incluye 90 largometrajes, la gran mayoría de ellos producidos de forma independiente. El festival también anunció a los ganadores de dos becas anuales de 10.000 dólares, una para ficción y otra para no ficción. Apoorva Guru Charan y Dawne Langford, quienes estrenan Take Me Home y Who Killed Alex Odeh? respectivamente, fueron los galardonados de este año.

Boris concluyó su discurso con un mensaje de ánimo: “Una última cosa que quiero compartir con ustedes, mientras celebramos estar aquí –y lo raro y hermoso que es haberse encontrado en este mundo cada vez más desconectado– es también una palabra de aliento para esa parte de ustedes que se tambalea por lo difícil que fue llegar hasta aquí (lo digo para ustedes y también para mí mismo): no nos dejemos intimidar por el sufrimiento de no alcanzar nuestros ideales, en nuestro arte o en nuestra vida”.

enero 25, 2026 0 comments
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Entretenimiento

The Invite: Comedia ovacionada en Sundance con Edward Norton y Penelope Cruz

by Editora de Entretenimiento enero 25, 2026
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El festival de Sundance ha sido testigo de una inusual ráfaga de ovaciones, y la última, la cuarta según recuentos, fue para el estreno mundial de la comedia sexual The Invite, dirigida por Olivia Wilde, en el Eccles Theatre. En un momento en que las comedias son escasas en la gran pantalla, esta película provocó risas compartidas entre el público.

La trama gira en torno a dos parejas que viven en el mismo complejo de apartamentos: Edward Norton y Penélope Cruz interpretan a una pareja progresista y de mente abierta, mientras que Seth Rogen y la propia Wilde encarnan a un matrimonio en crisis. Las dos parejas se reúnen para disfrutar de vino, queso y postre, con muchas risas y una reflexión sobre la vida en la mediana edad.

“Hay una película de siete horas que te habría gustado”, bromeó Wilde, quien desarrolló el guion junto a Rashida Jones y Wil McCormack. La película es un remake en inglés de la cinta española The People Upstairs, dirigida por Cesc Gay.

“Nos sumergimos en ella con generosidad y volcamos un espíritu con ideas personales”, comentó Wilde, destacando la energía creativa que el elenco aportó cada día.

Wilde reveló al público en el Eccles Theatre que la película, que transcurre casi en su totalidad en un solo apartamento, fue filmada en orden cronológico, lo que consideró “un lujo; simplemente seguimos generando ideas sobre la marcha”.

Al igual que Charli XCX, quien ha estado ocupada en Sundance con I Want Your Sex y The Moment, Wilde demuestra su versatilidad como actriz y directora, tras su participación en I Want Your Sex, asumiendo ahora el doble rol en The Invite.

Otras películas que ya han recibido ovaciones en este festival son Josephine, Wicker y Fing!

enero 25, 2026 0 comments
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