¿Cuánto tiempo se tarda en insensibilizar a las personas ante la violencia? ¿O cómo es posible que alguien que sufrió violencia en la infancia logre romper con ese círculo vicioso traumático? Estas son algunas de las preguntas que pudieron surgir en la mente de los espectadores que vieron la obra “Les voleurs d’amour” en el “Théâtre national du Luxembourg”. Algunos quizás esperaban una obra con una catarsis al final, la que el teatro promete desde la antigüedad griega. Sin embargo, la obra no ofrece una cura, ni siquiera Hana Sofia Lopes, quien interpreta a una psicoterapeuta en la segunda mitad, filmando con una expresión pétrea a los personajes de la familia que, durante años, se han desgarrado mutuamente en una espiral de más de una hora.
“El infierno son los otros”, dice la premisa central de “Huis clos” (1944) de Jean-Paul Sartre. El infierno, a menudo, es la familia. Para algunos, ofrece protección y un hogar, mientras que para otros es una jaula de la que apenas pueden escapar. “La sangre es más espesa que el agua”, reza el dicho. El hijo (interpretado por Etienne Halsdorf) que eligió el deporte como vía de escape, y las dos hijas (Sophie Mousel y Clara Hertz) que regresan constantemente a sus padres, a pesar de haber sufrido graves abusos físicos y sexuales en su infancia y de haber sido atormentadas por ellos (Colette Kieffer y François Camus), lo demuestran en “Les voleurs d’amour”.
La familia como “Huis clos” y círculo vicioso
La obra muestra una familia en la que los padres viven su cómplice vínculo de una manera cruel, en detrimento de sus hijos, y mantienen este sistema mediante la violencia y la manipulación. La familia funciona como un sistema cerrado, una jaula y, al mismo tiempo, un círculo vicioso de violencia ritual y no menos destructivo. Un círculo, sobre todo, porque los patrones de comportamiento se repiten constantemente.
Flut von Projektionen: Für das Bühnenbild ist Christoph Rasche verantwortlich Foto: Bohumil Kostohryz
El escenario se inunda de proyecciones. Varios monitores muestran a los personajes de la obra en primer plano o en escenas pregrabadas, y desde la perspectiva de la psicoterapeuta. Esto plantea la pregunta de qué es realidad y qué es proyección. Es un juego angustiante con el dolor, que recuerda a una película de Michael Haneke como “Funny Games” (1997), donde uno se pregunta dónde está la salida. No la hay para los personajes, solo la muerte de los opresores. Al final, mucho permanece en la mente del espectador, quien, aturdido, sale del teatro a la calle y, después de unos minutos, se tranquiliza al darse cuenta de que todo fue solo una pesadilla, solo teatro, uno cruel e impactante, en el que los actores han demostrado todo su talento.
Historia del teatro como “Histoire de la violence”
La violencia en el teatro es siempre ambivalente, como medio de expresión artística o como tema de reflexión. Quien ve una película de terror, probablemente tiene sus razones y no tiene por qué ser como Alex de “A Clockwork Orange”. Es más bien una descarga de adrenalina y una forma de placer por el miedo como válvula de escape. La violencia en el escenario se somete a alguna forma de deconstrucción y análisis. La violencia debe mostrarse para denunciarla, como formula el escritor Edouard Louis en su novela autobiográfica “Histoire de la violence”, que aborda sus causas y efectos e incluye la reflexión sobre ellas. Su libro fue adaptado al teatro por Thomas Ostermeier en una puesta en escena realizada en colaboración con Louis.
Toxisches Tandem: Colette Kieffer y François Camus Foto: Bohumil Kostohryz
Hace seis años, actores y directores discutieron con un psicólogo de la policía sobre el tema de la violencia en el Kapuzinertheater. Y hace ocho años, Myriam Muller dirigió “Blasted” de Sarah Kane en el Grand Théâtre. Entonces, como ahora, surge la pregunta de cuánta violencia debe mostrarse para denunciarla: ¿excesiva hasta el límite de lo soportable, casi irónicamente exagerada o simplemente insinuada? Aquí también cabe mencionar “Funny Games” de Haneke, que, con un estilo lacónico y parco, pero por ello más drástico, enfatiza el sufrimiento de las víctimas. A la pregunta de cuánta sangre puede fluir en nombre del arte, el cineasta y director de teatro Christoph Schlingensief respondió una vez: “En nombre del arte, puede fluir tanta sangre como yo quiera”.
Niños como víctimas de violencia sexual
La historia del teatro ha pasado por su fase de splatter con excesos de sangre escénica. El arte en la era de su reproductibilidad técnica es, como diría Walter Benjamin, una “crítica de la violencia” que ya no solo la muestra, sino que la investiga a ella y a sus causas. Steil y Hoffmann lo logran de manera drástica, los actores y el exitoso y onírico diseño escénico lo transmiten de manera convincente y constante. El espectador es recordado en el programa de esta “création mondiale” –como se la denomina, porque también puede representarse en cualquier lugar– que casi uno de cada cinco niños en Europa es víctima de violencia sexual o sexualizada en sus diversas formas. Un tercio de ellos no habla con nadie al respecto, por miedo a que no les crean o por miedo a las consecuencias. A menudo, regresan a sus padres, incluso si estos les han hecho cosas horribles, como los padres en la obra.
“¿Qué necesita más un niño?”, se pregunta en el programa. Y la respuesta se proporciona inmediatamente: los niños necesitan amor. Pero los padres tóxicos de la obra son ladrones. Roban el amor que sus hijos necesitan, y, como se dice más adelante, “a menudo hieren la inocencia”. Se señala que estos padres no pueden dar lo que ellos mismos nunca recibieron. Es entonces como una maldición que se transmite de una generación a otra. Y se ofrece una solución, aunque larga y dolorosa: la terapia es un viaje a los orígenes de los miedos y las pesadillas. La maldición, por lo tanto, no tiene por qué ser eterna. Hay una salida. La obra también muestra eso.
Próximas funciones: 6, 7 y 13 de febrero a las 19:30 en el “Théatre national du Luxembourg”.
Die Familie im Nacken: Sophie Mousel als ältere Tochter Foto: Bohumil Kostohryz
