El Festival de Sundance cerró su edición más reciente en Park City, Utah, dejando una sensación de nostalgia entre los directores de fotografía que participaron. Desde veteranos consagrados hasta nuevos talentos, todos reflexionaron sobre el legado del festival y su impacto en sus carreras.
Lol Crawley, ASC, BSC (Wicker), recordó cómo su trabajo en el drama de 2008, Ballast –su primera película en Sundance, que le valió el premio a la Mejor Cinematografía del festival– sigue abriéndole puertas en Estados Unidos. Sam Levy (The Only Living Pickpocket in New York), por su parte, ha sido director de fotografía en cinco películas estrenadas en Sundance y operador de cámara en otra, además de haber sido becario de cinematografía del festival hace años.
Otros, como Stefan Weinberger, están comenzando su camino. Union County es su debut como director de fotografía, después de conocer a su esposa en el festival en 2019. Lidia Nikonova, quien vio interrumpida su primera presentación en Sundance en 2021 por la transición a una edición completamente en línea, tuvo la oportunidad de estrenar este año dos películas: el thriller psicológico Night Nurse y el cortometraje Birdie.
Un hilo conductor entre los siete largometrajes destacados fue la intención de los cineastas de sumergir al espectador en la mente de sus personajes principales. En Chasing Summer, filmada por Eric Branco, ASC, se alternaron movimientos con trípode y tomas a mano, dependiendo del estado interno de la protagonista. Por su parte, The Huntress, con la cinematografía de Maria Sarasvati Herrera, buscó mantener al público inmerso en la deteriorada salud mental del personaje principal, incluso en una compleja secuencia que transcurre en un autobús en movimiento por Ciudad Juárez, México.
A continuación, exploramos la inspiración, las experiencias y el equipo técnico que impulsaron a ocho directores de fotografía con películas en Sundance 2026.
Eric Branco, ASC — Chasing Summer
El Enfoque
“En la etapa de preproducción, la directora Josephine Decker me dijo: ‘Quiero probar algo diferente. Quiero menos trabajo con la cámara en la mano, más control’. La película trata sobre una mujer llamada Jamie (interpretada por Iliza Shlesinger) que regresa a casa y no se siente cómoda consigo misma ni en su lugar en el mundo, así que tuvimos que encontrar una manera de reflejar eso visualmente. La primera mitad de la película se rodó completamente en estudio: con trípode, dolly y composiciones fijas. La película se abre con un largo travelling con Steadicam, y en la siguiente escena, la pareja de Jamie rompe con ella y todo se desequilibra; pasamos a un mundo más rígido. Así que, la película comienza con una especie de fluidez y eventualmente se vuelve más fija, con encuadres más ‘torpes’ –ya sea centrados o muy descentrados– para representar a Jamie como más pequeña en un mundo más grande, o para enfatizar momentos marcados por la indecisión o la incomodidad de su personaje. Más tarde, hay un momento en el que conoce a un nuevo interés amoroso, y a partir de esa escena, la película se filma completamente a mano hasta el final, cuando volvemos a una combinación de tomas a mano y en estudio.”
El Mayor Desafío
“Hasta Chasing Summer, nunca había intentado lograr este nivel de movimiento de cámara en estudio con un presupuesto tan ajustado. Nuestros planos más desafiantes fueron los tomas largas. Hicimos 15 tomas del travelling con Steadicam que abre la película bajo un calor de 110 grados en St. Louis. Esa parte del rodaje consistió en asegurarnos de estar hidratados y con la cabeza fría para tomar decisiones claras en el calor.”
Especificaciones Técnicas
Cámara: Arri Alexa Mini LF
Lentes: Cooke Anamorphic/i FF
Lol Crawley, ASC, BSC — Wicker
El Enfoque
“Estábamos construyendo un mundo y queríamos el campo de visión más amplio posible. Los filtros de impresión acoplables, que se colocan en la parte posterior del objetivo, crearon una calidad de bokeh arremolinado que era bastante mágica y atemporal para esta película. Trabajando con Máté Ternyik, nuestro colorista en The Brutalist, hicimos mucho trabajo de emulación de película, agregando grano y otros elementos para eliminar la modernidad del aspecto digital de la imagen. Para las escenas íntimas en la cabaña de la pescadora (Olivia Colman), utilizamos un objetivo Canon K35mm, que tiene una interesante caída del enfoque, por lo que parece que el mundo de la película simplemente se desvanece.”
Mi Escena Favorita
“Una de mis escenas favoritas es cuando la pescadora confronta al esposo de mimbre (Alexander Skarsgård) porque sospecha que le ha sido infiel. Es cuando su relación comienza a desmoronarse, la podredumbre comienza a aparecer. Es una escena simple, pero me gusta la forma en que la cubrimos, en términos de nuestro uso del volumen, acercándonos e envolviendo a Olivia. Ambos son geniales en esa escena; Olivia es desgarradora, y me conmueve cada vez que la veo. De nuevo, es simple, pero la realizamos delicadamente.”
Especificaciones Técnicas
Cámara: Arri Alexa Mini LF
Lentes: Arri Signature Primes; Canon K35
Maria Sarasvati Herrera — The Huntress (La Cazadora)
El Enfoque
“La película trata sobre una mujer, Luz (Adriana Paz), que está pasando por un trauma, así que queríamos estar cerca de nuestra actriz principal para transmitir lo que siente al espectador. Queríamos lentes que se abrieran lo máximo posible en términos de apertura. Encontramos las Lomo Illumina Mark II, que tienen un aspecto nítido, pero también redondeado en el fondo, con algunas aberraciones. Estábamos trabajando con comunidades en la ubicación en Ciudad Juárez, México, así que no podíamos iluminar toda la calle ni cambiar el color de nuestro alumbrado público. Tuvimos que iluminar con lo que había. Yo también era la operadora, así que estaba conectada con Adriana y con el resto del elenco, reaccionando a lo que sentían y retratándolo.”
Mi Mayor Desafío
“Todo lo que se filmó en el autobús fue un desafío. Mientras el autobús estaba en movimiento, solo intentábamos agarrarnos para no caernos, y también teníamos que mantenernos conectados con Adriana durante estos momentos intensos y emocionales. Mientras estaban en el autobús, su personaje comienza a ver fantasmas, y para construir esto en efectos visuales, necesitábamos bengalas y luz solar real. Tuvimos que perseguir al sol para que siempre estuviera del mismo lado, mientras el autobús se desplazaba por las calles de Juárez, y solo tuvimos una tarde para lograrlo.”
Especificaciones Técnicas
Cámara: Arri Alexa Mini LF
Lentes: Lomo Illumina Mark II
Sam Levy — The Only Living Pickpocket in New York
El Enfoque
“Me inspiré en la última película de Robert Bresson, L’Argent. He probado estos objetivos Super Baltar de la década de 1960, que son los que Gordon Willis, ASC usó para filmar The Godfather, muchas veces. Tienen un aspecto grande y distintivo, y nunca me gustaron antes… pero fueron perfectos para este thriller criminal noir.”
Mi Escena Favorita
“Mucha acción tiene lugar en una casa de empeño donde trabaja el personaje de Steve Buscemi. En una escena allí, el personaje de John Turturro descubre –diré– que algo salió mal, y hay un largo plano diseñado, donde usamos muchas siluetas. Ese plano es mi favorito.”
Especificaciones Técnicas
Cámara: Arri Alexa 35
Lentes: Bausch & Lomb Super Baltar primes
Benjamin Loeb, FNF (Cinematógrafo) y Sheldon Chau (Cinematografía Adicional) — zi
El Enfoque
Loeb: “Filmando en las calles de Hong Kong, entramos en un territorio sin control sobre ninguna situación o ubicación, así que queríamos el paquete de cámara más pequeño y ágil, con un solo objetivo que nos permitiera simplemente documentar y estar presentes en el momento. Creamos este lenguaje vérité, fotografiando largos momentos de la película en tomas únicas, y dejando que la cobertura existiera dentro de eso. Ese se convirtió en el ethos.”
Chau: “En la mañana del primer día, [el director] Kogonada me preguntó: ‘¿Puedes captar una sensación de melancolía asiática?’ Inmediatamente supe lo que quería decir. Me instó a profundizar y canalizar eso, porque zi trata sobre el anhelo y la pérdida, y sobre no saber dónde está el hogar. Ben no le gustan los planos de relleno, así que me animó a encontrar imágenes, o incluso una sucesión de imágenes, que cuenten una historia: ‘Si estoy capturando a un tipo empujando un carro, ¿hay una manera de encontrar varias imágenes que se unan para transmitir una sensación, en lugar de una simple toma aleatoria de un tipo?'”
Mi Escena Favorita
Loeb: “Hay una secuencia de fuegos artificiales que es el clímax de la película, y despierta al público. Me despierta cuando veo la película. Se filmó el primer día de producción, y nos estábamos conociendo y aprendiendo a navegar por Hong Kong y su gente. Era el Día Nacional, y todos estábamos observando lo que haría la policía: ‘¿Cuánto podemos salimos con la nuestra al filmar de esta manera?’ Nos dimos cuenta de inmediato: ¡A nadie le importaba! Nadie nos miró, nadie miró a la cámara.”
Especificaciones Técnicas
Cámara: Red Komodo; 16mm Bolex; Sony FX3 (cinematografía adicional)
Lentes: Super Takumar 35mm; Zeiss Super Speeds (cinematografía adicional)
Lidia Nikonova — Night Nurse
El Enfoque
“Queríamos aprovechar los tropos del género de los thrillers eróticos para crear una tensión sexual subyacente que se cierna sobre cada escena, pero que no se perciba por completo y que funcione a un nivel más subconsciente. En la película, hay una relación inusual entre la enfermera de noche, Eleni (Cemre Paksoy), y su paciente, Douglas (Bruce McKenzie), que evoluciona hacia una relación romántica, y era importante que esa relación se sintiera auténtica y creíble. Los lentes más largos ayudaron a crear más intimidad entre los dos personajes, y buscamos una colocación de la cámara que ofreciera al espectador un mayor acceso a nuestros personajes, en lugar de oscurecerlos. La película tiene una premisa inusual –un thriller erótico ambientado en una residencia de ancianos– así que tratamos la cinematografía como un dispositivo de construcción de mundos. Necesitábamos que el mundo de la película se sintiera a la vez atractivo e hipnótico, así como inquietante y peligroso.”
Mi Mayor Desafío
“La secuencia de apertura es un travelling de cuatro minutos que filmamos con un brazo gobo y un objetivo sonda de 24 mm. Se filmó durante las tomas adicionales, y en ese momento ya habíamos filmado la mayor parte de la película, pero queríamos crear un tableau que contenga los temas de la película sin revelar de qué se trata. Así que diseñamos este intrincado plano para el cual la cámara, junto con nuestro objetivo sonda, viaja con el cable de un teléfono mientras se enrolla alrededor del cuerpo de Cemre. Mi experiencia previa con brazos gobo fue solo para filmar objetos inanimados, pero para esta escena, Cemre tuvo que acostarse en una pose, prácticamente inmóvil, mientras programábamos las señales y los fotogramas clave para el brazo gobo. Se necesitaron unas seis horas para programar este movimiento.”
Especificaciones Técnicas
Cámara: Arri Alexa Mini
Lentes: Panavision Ultra Speed primes; Cooke Varotal 25-250mm, zooms de 20-100mm (reacondicionados por Panavision)
Stefan Weinberger — Union County
El Enfoque
“Habiendo trabajado juntos durante más de una década, el director Adam Meeks y yo estábamos muy alineados en lo que llamamos el ‘lenguaje simple de nuestra película’. Queríamos imbuir el trabajo de cámara con honestidad y empatía, y evitar sensacionalizar el material o juzgar a nuestros personajes, muchos de los cuales eran miembros reales de la comunidad de recuperación que se interpretan a sí mismos en la película. Optamos por un enfoque híbrido documental-narrativo; esos dos elementos necesitaban mezclarse a la perfección para que la película se sintiera cohesiva. Esto significaba que necesitábamos mucha flexibilidad en nuestro trabajo de cámara. A veces no teníamos mucho control sobre la iluminación, por lo que la latitud que ofrecía la Alexa 35 fue útil.”
Mi Mayor Desafío
“Un desafío fue filmar una película narrativa en un entorno documental de manera perfecta. Filmamos el monólogo del personaje de Will Poulter durante una reunión real de Narcóticos Anónimos, con los miembros reales de la comunidad que están allí todas las semanas, haciendo lo que siempre hacen: entrar, contar sus historias y compartir sus luchas y altibajos. Plantamos a Poulter en esa situación, y pronunció un monólogo increíble y escrito sobre una hora y media en la reunión. Tuvimos que estar preparados para eso, porque después de que terminó, la reunión continuó, pasó a la siguiente persona. Así que estábamos filmando un documental y una película narrativa, no solo en la misma película, sino también en la misma escena.”
Especificaciones Técnicas
Cámara: Arri Alexa 35
Lentes: Cooke S4 primes; Angénieux Optimo 24-290mm, 28-76mm; Canon 17-120mm
Imágenes fijas cortesía del Festival de Cine de Sundance y los cineastas, a menos que se indique lo contrario.
