En su estudio de Nueva York, la artista emergente Dylan Rose Rheingold contempla la niñez estadounidense con sus escenas ‘incómodas’ en el gimnasio de la escuela secundaria

Cabello trenzado, globos, rodillas nudosas y esmalte de uñas. Las pinturas de técnica mixta del artista emergente Dylan Rose Rheingold contemplan la niñez y la memoria en la cultura estadounidense y sus numerosos recuerdos. La artista radicada en Nueva York (n. 1997) es conocida por sus enérgicas composiciones figurativas garabateadas (hechas con acrílico, óleos, crayones, papel e incluso resaltador) y que a menudo tienen la sensación íntimamente privada de los garabatos en un cuaderno escolar. “Lo mejor de la exposición“—la primera exposición individual del artista en el M+B de Los Ángeles (que se podrá ver hasta el 18 de noviembre)—se inauguró recientemente y reúne nuevas pinturas a gran escala que exploran el fenómeno suburbano de las “guerras de colores” en las escuelas secundarias; una competencia dirigida por escuelas que divide a los estudiantes en equipos de “colores” que compiten: en el caso de este programa, Rojo vs. Azul.

Las pinturas de Rheingold retratan dos equipos opuestos de caída compuestos por adolescentes casi idénticas en tonos de azul o rosa rojizo. Los cuerpos cambiantes de estas niñas se involucran en elaborados enredos de extremidades, creando imponentes pirámides, que luego colapsan en furiosos montones, casi caricaturescos. Estos enredos acrobáticos pueden parecer íntimos e incómodos en algunas obras y groseramente violentos en otras. La artista, que obtuvo su Maestría en Bellas Artes en la Escuela de Artes Visuales de Nueva York, reúne la influencia de Philip Guston, Katherine Bradford y Matthew Barney en estas nuevas obras.

En el período previo a la exposición, nos pusimos en contacto con Rheingold en su estudio de Manhattan para hablar sobre sus propias experiencias adolescentes en los suburbios de Long Island, su nostalgia por principios de la década de 2000 y cómo pasa sus días de estudio.

Acabas de abrir “Best in Show”, una primera exposición individual con M+B en Los Ángeles. ¿Puedes contarnos sobre las inspiraciones detrás del programa?
Tuve la idea de este proyecto hace mucho tiempo. Empecé la primera pieza para este espectáculo en septiembre pasado. Las obras tratan sobre las “guerras de colores” en la escuela secundaria. Fui a una escuela pública en Long Island [New York] donde eran populares, las clases se dividirían en equipos de “rojo y azul”. Fue un proyecto de tres a cuatro meses en el que trabajábamos todos los días después de la escuela. Había todos los elementos diferentes: deportes, teatro, gimnasia. En mis pinturas para “Best in Show” me concentro en el aspecto de caída. Nunca estuve involucrado en volteretas, pero fue un espectáculo intrigante. A medida que crecí, los diferentes ritmos de desarrollo se volvieron más pronunciados para mí; en mi escuela, solo las niñas participaban en “rojo y azul”. Mirando hacia atrás, es una época muy turbulenta en la que todo el mundo está cambiando física y mentalmente a ritmos muy diferentes. Estas pinturas de competencias de volteretas se convirtieron en una forma de mostrar este período de mayoría de edad que era lúdico y donde podía exagerar la forma física de estas niñas y cómo interactúan entre sí. En estas obras hay mucha unión: estas chicas están creando físicamente estas pirámides o jerarquías. Para mí, estas formaciones fueron una forma de pensar sobre los sistemas de valores y la popularidad. La galería es este espacio cuadrado que quería sentir como el gimnasio de una escuela secundaria. La exposición comienza con pinturas de estas pirámides físicas a gran escala y luego continúa con su deconstrucción, que se asemeja a una pila de perros.

¿Cómo ve estas pinturas de adolescentes dando vueltas en relación con su práctica más amplia y las preguntas sobre la niñez que a menudo explora? ¿Cómo lo amplían?
Mi práctica surge de momentos muy mundanos y banales de nuestra vida cotidiana. Normalmente me centro más en los espacios domésticos. La mayor parte de mi trabajo desde mi tesis se ha centrado mucho más en espacios privados y un poco más íntimos. Esta fue la primera vez que me mudé a un espacio público y hice una serie que se centraba en un momento específico. Mi trabajo puede ser no lineal y aquí quería dejar claro que se supone que todas estas escenas suceden en un solo evento.

¿Cómo es tu práctica en el estudio? ¿Haces bocetos antes de empezar a pintar?
Para un poco de contexto, obtuve mi BFA en ilustración. Me dediqué a pintar y terminé transfiriéndome al programa de ilustración solo porque el programa de arte de estudio era un poco más abierto y conceptual, y sentía que no tenía habilidades básicas básicas. La ilustración fue muy difícil, toda técnica y dibujo de figuras. Y en ese momento me volvía un poco loco porque tenía que dominar todas estas habilidades tradicionales. Estoy agradecido por ello ahora. Creo que por eso disfruto mucho dibujando y esa es la raíz de mi proceso. Empezaré con muchos bocetos y una vez que empiece a hacerlo a mayor escala y empiece a trabajar en madera o lienzo, mantengo las cosas muy sueltas e intuitivas. No me gusta tener mucha pintura de base. Haré muchos dibujos o estudios previos pero a veces no salen así. Todo el trabajo es en técnica mixta, pero comienzo con acrílico, solo una base, y luego empiezo a aplicar capas de aceite y barras de aceite.

¿Cómo se sabe cuando un cuadro está terminado?
Siempre tengo algunos trabajos en marcha a la vez. Mi objetivo no es trabajar demasiado. En el pasado, tenía la idea de que tenía que empujar cosas y marcar ciertas casillas para terminar el trabajo. Me tomó mucho tiempo darme cuenta de que necesito seguir mis instintos y trabajar de una manera que me haga sentir satisfecho. No estoy tratando de demostrar nada. A veces, cuando trabajas en un estilo más abstracto, es fácil entrar en tu cabeza y pensar que quizás algo sea lo suficientemente bueno. Nada de eso realmente importa y una vez eso hizo clic en mí. Necesito saber por mí mismo si el trabajo está hecho. Por eso, las pinturas toman mucho tiempo porque mi proceso implica reflexionar, criticar, esperar y superponer eso. Es un instinto interno. Cada vez que siento que he ido demasiado lejos, vuelvo a aplicar la base o el color de base encima y comenzamos de nuevo.

¿Qué haces si te sientes atrapado en el estudio?
A veces le doy la vuelta al lienzo. A veces solo mirar me vuelve un poco loco. Empezaré a trabajar o continuaré trabajando en otra pieza.

I knAhora has mencionado que la fotografía y los álbumes de fotos familiares han influido en tu trabajo. ¿Puedes hablar de eso?
Durante la pandemia, comencé a recopilar un archivo familiar de fotografías con un poco de aburrimiento y curiosidad. Estos realmente me ayudaron a encontrar mi voz. Mi madre es de Okinawa, Japón, y creció allí y en Estados Unidos en un par de bases militares diferentes. Mi abuelo era un general de la marina. Mi padre es un auténtico neoyorquino, un judío de Brooklyn de cuarta generación. Hice que familiares me enviaran correos electrónicos y libros físicos y comencé a hacer estos collages. Después de un tiempo, me di cuenta de que a través de las imágenes que estaba juntando y colocando estaba interesado en el diálogo en torno al contraste y en cuán culturalmente el entorno de ambos lados de mi familia es muy diferente. Esta idea de alteridad fue realmente inspiradora y está en el centro de mi práctica. Se ha convertido en una lente para mi propia identidad y experiencias y está más centrada en la niñez o la individualidad y dentro de la cultura contemporánea estadounidense con referencias a la cultura de los años 90 y principios de los 2000.

¿Cómo hacen referencia sus materiales a esta sensación de nostalgia?

Hago mucha de mi propia pintura. Utilizo pigmentos de muy alta calidad, pero luego también mezclo otros materiales. En estas pinturas para “Best in Show”, las chicas tienen esmalte de uñas transparente con brillantina, esmalte de uñas. Otras veces incluiré crayón o resaltador de neón. Algunas de estas pinturas tienen globos y para ellas incorporé esta pintura iridiscente. En persona, desde un ángulo, el cuadro puede parecer completamente plano, pero cuando se ilumina, los cuadros brillan y los globos se parecen a los globos de aluminio de CVS.

¿Cómo crees que interactúan el desempeño y la niñez en esta serie?
Creo que siendo una mujer joven específicamente, puedes sentir esta necesidad de actuar a veces y sin siquiera darte cuenta. A veces, a las mujeres jóvenes se las pone en una plataforma y se las obliga a reaccionar o actuar de una forma u otra. Al entrar en el espacio quiero que el espectador, sin siquiera saberlo, se sienta juez y espectador. Aquí todas las chicas se imitan unas a otras. Todos van uniformados, aunque a todos les queda diferente. Todas tienen las mismas trenzas francesas. No necesariamente elegirías a uno como personaje principal porque todos se están asimilando.

También hay un aspecto más oscuro en la escuela secundaria. Solo quiero ser honesta, incluso como alguien que se identifica como feminista, que hay tantas chicas que pueden ser tan terribles. Quiero que eso quede claro en el trabajo. Se pueden establecer muchos paralelismos entre estas situaciones sociales ridículas, como la guerra de colores, y el acoso o el juicio. Ahora tengo 26 años y todavía siento que puedo establecer conexiones con estos pequeños momentos. Cuando eres joven, muchas cosas se dejan de lado y no parecen importar, pero realmente te afectan y te siguen durante toda la vida. Crecí en una ciudad mayoritariamente católica irlandesa y, aunque nunca fui intimidada, definitivamente huiría de las cosas que me hicieron quien soy. Era más lo que estaba asimilando inconscientemente. Es interesante recordar esos pequeños elementos de no poder caber en una caja específica.

Ahora que el programa ha terminado, ¿en qué vas a trabajar a continuación?
Acabo de recibir un montón de barras de camilla enormes. Mi próximo proyecto será muy tonto. Voy a empezar a estirar los nuevos lienzos y luego trabajar en algunos dibujos automáticos. ¡Estoy colocando papeles grandes por todo el estudio en las paredes para poder comenzar desde allí y comenzar de nuevo!

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